Esteban Valdivieso-Poetas de todas las Al-Andalus

Esteban Valdivieso es un cantautor de corte clásico, y al referirme a él como clásico quiero decir que forma parte de esa generación de cantautores que nos acercó a los grandes poetas, que nos dio a conocer la poesía mediante la música. De aquellos que siempre han sabido demostrar, con el único acompañamiento de su guitarra, la importancia de las canciones.

Este artista tiene una larga trayectoria como autor y como músico, o quizá debería decir como trovador. Sus inicios están relacionados con la aparición de un movimiento cultural que se desarrolló en Andalucía durante los años 70 y que se llamó “Manifiesto Canción del Sur” con cuna en Granada. De allí surgieron grandes autores, pero pocos nombres saltaron a la popularidad, y aquel movimiento, como otros similares en otras comunidades autónomas, se dispersó y acabó desapareciendo. Algunos de aquellos artistas siguieron trabajando y luchando por sus canciones, sin ningún tipo de apoyo y probablemente con todos los impedimentos del mundo. Sólo Carlos Cano, de todos los cantautores relacionados con aquella corriente, se vio reconocido públicamente.

Esteban Valdivieso es uno de los autores que participó de aquel movimiento y que no se rindió, prueba de ello es que ha sido uno de los artistas mas representados en la recopilación “La Palabra Más Tuya” que la Fundación Autor publicó en 2006, donde se incluyen 10 canciones suyas, algunas de ellas interpretadas por Aurora Moreno y por Carlos Cano. Pero ha sido en estos últimos años cuando se ha embarcado en la aventura de editar discos en solitario, el primero en 1998: “Fumar en Berlín”, el segundo en 2000: “Estabas tu en el humo” y el tercero en 2006: “Poetas de todas las Al-Andalus”.

Comentaré este último trabajo por ser el más reciente. Pero antes que nada tengo que pararme en la presentación del disco, por lo especial de su diseño, ya que además de muy cuidado, es muy particular. Al abrir la carpeta, lo que se encuentra es una celosía interior troquelada, muy al estilo andaluz. A través de ella se accede al CD, parece como una invitación, como la puerta que hay que abrir para entrar en ese mundo, algo mágico, de Al-Andalus.

Podría hablar de la riqueza instrumental y de la categoría de los músicos que han colaborado en la grabación del disco, y de la calidad de la música, compuesta en su totalidad por Valdivieso, pero no me quedaría espacio para hablar de las canciones.

1. Será porque ya vengo de vuelta
2. Mansiones de Andalucía
3. Lupe
4. Coplas de la niña que le costaba mucho trabajo nacer
5. La primavera besaba
6. Sorpresa
7. Canción A veces
8. Vuelvo al Sur
9. Moaxaca “Paraiso”
10. Nana a Elena y Luis Esteban
11. Esta ciudad
12. Noche canalla
13. Cuantas noches vencí a la luna
14. Quisiera estar sólo en el Sur
15. Happy Ending

En este trabajo Esteban Valdivieso ha optado por incorporar canciones basadas en textos de poetas o escritores que, en algún momento de la historia, han llegado a representar a las tierras de Al-Andalus. Creo que las canciones incluidas en el CD son una muestra de que la poesía y la música son capaces de atravesar las barreras del tiempo y las culturas. Así, encontramos textos de poetas andalusíes del siglo XIV, de los grandes poetas contemporáneos: Federico García Lorca, Antonio Machado, Luis Cernuda, Gil de Biedma, y también de poetas granadinos actuales, algunos de los cuales han sido creadores de lo que se ha venido en llamar “La Otra Sentimentalidad”, como Alvaro Salvador, Javier Egea, Luis García Montero. Por supuesto también se añaden canciones compuestas por el propio autor, y haciendo un guiño hacia otros sures, incluye su interpretación de “Vuelvo al Sur” (letra de Pino Solana y música de Astor Piazzolla).

No sabría que canciones destacar de este trabajo, pero si diré que una de mis preferidas es la que inicia el CD, “Será porque ya vengo de vuelta” con letra de Alvaro Salvador:
“Será porque ya vengo de vuelta……..Será porque los años no pasaron en vano y dejaron su carga de sabia perspectiva limando la vehemencia pero no la ilusión..”

Tampoco quiero dejar de hablar de una canción basada en un poema precioso de Javier Egea, “Noche canalla”, en la que se refleja, como en gran parte de los escritos de este poeta granadino, la búsqueda de la esperanza y de la ternura en contra de la soledad y de la crudeza de la realidad. Este texto acompañado de la música y de la voz de Esteban Valdivieso me parece inmejorable y quiero terminar con algunos de sus versos:

“Yo no sé si la quise pero andaba conmigo
me guiaba su risa por la ciudad tan gris.
Ella tenía en su boca colinas de Ketama
Y el cielo de sus ojos me pintaba de añil.

A pesar de sus ojos he salido a la calle,
a pesar de sus ojos me ha tocado vivir.
En un barrio de muertos me trajeron al mundo.
Esta noche canalla no respondo de mi.”


María Gracia Correa

Javier Krahe-Valle de lágrimas

Si tuviera que quedarme con un cantautor de este país no dudaría ni un segundo en citar a Javier Krahe en primer lugar. Canciones como las suyas, tan bien escritas, son las que para mi constituyen el mejor paradigma de lo que es un texto de autor. Canciones que además tratan de los más variados temas y que son abordados por añadidura desde una perspectiva escandalosamente personal. Lo bueno es que, como los buenos caldos, Krahe va mejorando con los años; es decir, que es de esos raros -rarísimos- artistas que siempre tienen lo mejor por crear porque a cada nueva obra se revalorizan. Así es que, el disco que voy a comentar -el primero- ha de verse como un sabroso vino joven, ornado ya con poderosos aromas y sublimes sabores, pero que todavía no ha llegado a la perfección de un reserva o gran reserva de cualquiera de nuestras increíbles denominaciones de origen.

1.- Villatripas
2..- Don Andrés octogenario
3.- El lirón
4.- La hoguera
5.- ¿Dónde se habrá metido esta mujer?
6.- El tío Marcial
7.- Raúl
8.- San Cucufato
9.- La oveja negra
10.- Marieta

Javier Krahe hace al revés que el resto de músicos, y así, cuando llega el verano, en lugar de patearse el país haciendo bolos, él, que ha hecho los que tenía que hacer en invierno, coge y se va de vacaciones. Buena política, sí señor. Vamos que si la mayoría de los músicos se comportan como cigarras, va Krahe y nos sale hormiga... hasta para esto es listo el tío. Debió de ser, por tanto, en Zahara de los Atunes, y en verano, cuando Javier preparó junto a Alberto Pérez (cómplice mandragoreño) y Fernando Anguita (contrabajista) las canciones de "Valle de lágrimas". Por cierto que estos dos músicos resultan fundamentales para la grabación del disco. El segundo porque con su contrabajo lleva el peso rítmico de las canciones dada la ausencia de percusiones. El primero, Alberto Pérez, porque además de ser el guitarrista -excelente guitarrista por cierto- se encarga de los fantásticos arreglos del disco. Debo confesar que desde que escuché disco cuando se publicó allá por 1980, ya llamaron mi atención. Que si un kazoo por aquí, un cello por allá, un clarinete por acullá, un trombón, una armónica, un oboe, una segunda guitarra, una flauta, etc, vamos una abigarrada paleta de sonidos, siempre elegantes y oportunos al tema que se canta.

De las canciones me gustaría llamar la atención que aquí todavía no encontramos al actual Krahe, formalmente impecable, "pluscuamperfecto" tanto en rimas como en métrica. En este disco la métrica brilla por su ausencia (tampoco importa demasiado por supuesto) e incluso pese a que las rimas consonantes son muy buenas, nos topamos con algún que otro desliz: "Venus/menos" en "Villatripas" o "práctico/plástico" en "El tío Marcial". Sin embargo, en cuanto a contenidos, las canciones hablan por sí mismas de su maestría. Por ejemplo, "Villatripas" es una historia divertidísima y muy socarrona. "La hoguera" un emocionante y relajado anatema a la pena de muerte. "¿Dónde se habrá metido esta mujer?" una cómica burla -y una crítica magnífica- al machismo cutre que, hoy por hoy, todavía tienen que sufrir muchas féminas. Y qué decir de "Don Andrés octogenario" en mi modesta opinión, una de las mejores muestras de humor negro que se han escrito -sino la mejor- en español; de hecho no solamente es mi canción favorita del álbum sino una de mis favoritas en general, y a mi edad ya he escuchado unas cuantas...

Krahe, partiendo de este primer disco, con los años, ha llegado a un punto, en que además de escribir de forma maravillosa y con gran ingenio, trata tópicos que casi ni lo son, porque casi nadie los trata y que, cuando él lo hace, siempre es desde un punto de vista propio y muy peculiar, y se nota que con mucha enjundia detrás. En definitiva, que en él se aúnan -perfiladísimos- dos rasgos muy difíciles de ver juntos en un autor, como son la forma y el contenido; y es que, normalmente, el que escribe bien suele no tener nada interesante que contar, y viceversa, el que narra muy bien suele fallar en el estilo. Pero Krahe pasa esta prueba del algodón cum laude. ¿Para cuando un doctorado honoris causa para él?.

abuineitor

Javier Bergia-Cedaceros 4

Dijo un poeta: "mi única patria es mi infancia". Cedaceros 4, el último disco de Javier Bergia es un homenaje al pasado. Un homenaje al ayer. Un homenaje al blanco y negro de las fotografías familiares. Un homenaje al amor adolescente. Un homenaje a la amistad de juventud. Un homenaje a los sueños que tuvimos y que nunca se cumplieron. Un homenaje a nuestros padres, a nuestra educación, a nuestros traumas, a nuestra vida.

Bergia consigue que algo tan particular como su vida, se convierta en algo universal… compartido… consigue que nos identifiquemos con sus historias.

Me gusta Cedaceros 4, entre otras cosas, porque Bergia retrata un Madrid que todos conocemos de una manera distinta a todo lo que se ha cantado sobre esta ciudad:

"Nochebuena, como siempre en la Plaza Mayor/ cuanta gente, calamares en cada rincón" o "y un Madrid en gris y negro/ con monóculo y sombrero/ dando palmas al sereno/ con su chuzo y el llavero"o "mediodía en un viejo café de Madrid/ camarero una copa y té de jazmín"… resumiendo, Madrid está muy presente en Cedaceros 4 (empezando por el título, una calle en la que Bergia vivió y en la que hoy ya no existe ni siquiera el edificio en el que habitaba)

Bergia concede algunos guiños al pasado más reciente en algunas canciones. Hay una de ellas que es dura de escuchar, ya que resume muy bien el triste mundo en que vivimos hoy. Desde aquel horrible 11 de Marzo de 2004 hasta las terribles situaciones que se viven en África, o en Cuba.

Guiños a Pablo Guerrero en "Reflejos Perdidos", por cierto, una de las canciones más optimistas que uno ha escuchado en los últimos tiempos. "La radio salta y dan las siete en el despertador/ Mayo viene con flores/ Junio con nuevos colores"

Bestial la canción "Epílogo" en la que Javier homenajea a su padre de un modo muy emotivo. La vida fue injusta con tantas buenas personas que tuvieron que exiliarse…

La colaboración de Ismael Serrano en la canción "Dulces años", es muy emocionante. "Cualquier tiempo pasado fue mejor" dice el refrán, y en esta canción Bergia recuerda con emoción "aquella vida sin tener que decidir", aquella vida en la que "no había que dormir, ni importaba el porvenir". Eso sí, la canción está recubierta de ese sentimiento tan crudo, pero tan real que se llama Nostalgia. Una nostalgia que duele, pero que nos hace recordar que, al menos, hemos vivido… hemos aprendido… hemos tenido experiencias… Como canta Ismael en la canción "Fueron días felices, que ya no volverán"… aunque Bergia le contesta muy optimista que "hay que echarle narices, otros días vendrán".

Estoy intentando, inútilmente, analizar todas las canciones de Cedaceros 4, sin darme cuenta del enorme error que estoy cometiendo. Las canciones las tiene que descubrir el oyente. La emoción de escuchar por primera vez una canción que emociona es irrepetible. Espero que estas pistas, estos pequeños detalles que he desvelado en este texto, ayuden a los amigos lectores a conseguir el disco y escucharlo con tranquilidad. Podría hablar de los malabarismos melódicos de Bergia. De los juegos de voces y los musicazos que han acompañado a Bergia en este viaje al pasado. Podría hablar del fantástico libreto con fotos de la vida familiar de Bergia. Podría hablar de la portada y el diseño de Moncho Otero. Pero no voy a hablar más. No voy a escribir más de Cedaceros 4. Me dispongo a escucharlo/disfrutarlo de nuevo. Hagan ustedes lo mismo. No se arrepentirán.

1.- Aquellos días
2.- Mitos y pautas
3.- 4 Gotas
4.- Cedaceros 4
5.- Por los mares de Cupido
6.- Nochebuena
7.- Epílogo
8.- La sopa boba
9.- La gula
10.- Dulces años
11.- Melancolía
12.- Bordado sobre tapiz
13.- Corazones de trapo
14.- Clavos rotos
15.- Reflejos perdidos

Víctor Alfaro

Joan Baptista Humet-Gemma entre fulls

“I són fulls,
fulls que algú deu haver arrencat,
fulls d'un llibre
que s'escriu a la ciutat.
Amb dibuixos i paraules diferents,
amb un altre riure
i amb un altre accent.”

“Y son hojas,
hojas que alguien debió arrancar,
hojas de un libro
que se escribe en la ciudad.
Con dibujos y palabras diferentes,
con otra risa
y con otro acento.”

Este disco que se ha reeditado en 2005 con el nombre de “Gemma entre Fulls” no se corresponde con el original, ya que se han incluido las primeras canciones de Humet, que solo fueron publicadas en singles y nunca formaron parte de ningún LP. Así en este CD del que hablo aparecen 15 canciones, cuando el LP original tiene 9. Se recogen, de esta manera, todas las canciones de su primera época, compuestas y cantadas en catalán. Hay que decir que Joan Baptista Humet, de cultura bilingüe, ha compuesto tanto en catalán como en castellano con la misma capacidad. En su discografía se alternan trabajos en una y otra lengua, estando previsto que su próximo disco sea en catalán:

Gemma/El Llaurador (SG, Columbia 1970)
Busco una flor/Tonades (SG, Columbia, 1970)
Kristine/No m´importara pas gens (SG, Columbia, 1972)
Fulls (LP, Columbia, 1973)
Diálogos (LP, Movieplay, 1975)
Aires de Cemento (LP, Movieplay, 1977)
Fins que el silenci ve (LP, Movieplay, 1979)
Hay que vivir (LP, RCA, 1981)
Amor de Aficionado(LP, RCA, 1982)
Solo soy un ser humano (LP, RCA, 1984)
Solo baje a comprar tabaco (CD, Validance, 2004)

Creo que Joan B. Humet ha sido, desde sus inicios, un cantautor sin etiquetas, que siempre se la ha jugado. Nunca ha sido un cantautor de masas pero siempre ha tenido una gran cantidad de seguidores fieles que nunca le olvidaron a pesar de su repentina y voluntaria desaparición del mundo de la música. Es bien conocido que Humet alcanzó una gran popularidad por sus canciones en castellano, sin embargo yo creo que su obra en catalán es muy especial. Según el propio autor, y yo estoy de acuerdo en eso, su mejor obra, la mas cuidada, y mas innovadora en el momento en que se hizo, fue “Fins que el silenci ve” (Hasta que llegue el silencio).

En cuanto a los singles incluidos en este CD, destacaría Kristine, porque es una curiosidad. Esta canción ganó el premio en el festival “Dorna” de Vigo en 1971, pero la canción que ganó, o al menos la que se promocionaba en aquel momento, no tenía nada que ver con la versión que se publicaría posteriormente, cuya letra habla de una mujer en busca de su independencia. En aquella época supongo que no sólo no hubiera ganado, sino que ni siquiera la podría haber cantado, ya parece mentira que lo dejaran cantar en catalán. También se incluye en esta edición un tema que lo hizo muy popular en Catalunya, “Gemma”, dedicado a su hermana.

La versión original de Fulls fue publicada en 1973, y contiene 9 canciones, todas con letra y música compuestas por Humet, con arreglos de Josep Mª Bardagí y Rafael Ferro. Empieza con la canción que da título al LP. Escuchar este tema es la mejor introducción, una canción de una sensibilidad increíble, habla sobre niños de una escuela en las afueras de una ciudad, Terrassa, y era una situación real. Humet en aquellos momentos colaboraba dando clases a niños en esas zonas del extrarradio, poblada por emigrantes, fundamentalmente procedentes de Andalucía, mi tierra, y por eso le tengo especial aprecio a esta canción. Tanto la letra como la música son extraordinarias, algo admirable sobre todo sabiendo que eran sus primeras canciones y que tenía poco más de veinte años.

Como el propio Humet explica en su web, “Fulls” es un disco muy sentido, su primer trabajo de larga duración y en él ya se apuntan las dos líneas principales que marcarían todos sus trabajos posteriores. Por una parte desarrolla una faceta intimista, cantando al amor y a los sentimientos contradictorios, “Per una dona”, “Per què no puc?”, y por otra expresa sus percepciones sobre lo que significa la opresión política y la marginación social, “Cantiga”, “Carta per a ningú”.

La reedición de “Fulls” viene a ser, como dice el músico y periodista Josep Mª Francino, no sólo un acierto, sino también un acto de justicia para todos los que aman la música.

Canciones de “Gemma entre Fulls”:

1 Fulls
2 Busco una flor
3 Tonades
4 Gemma
5 El llaurador
6 Kristine
7 No m'importarà pas gens
8 Cantiga
9 Plora
10 Per una dona
11 Si te m'en vas
12 Per què no puc ?
13 Carta per a ningú
14 Poc a poc, al fi
15 Encara és vostra


Mª Gracia Correa

Luis Ramiro-Castigado en el cielo

"Pidiéndole al silencio que baje la voz", "esa noche duró lo que duran las cuatro estaciones" solamente por versos tan formidables como estos merece la pena adquirir "Castigado en el cielo" el debut de Luis Ramiro en la industria discográfica. Un cantautor joven, un cantautor, que, posiblemente sin él pretenderlo, abandera una nueva generación de autores que toma el relevo de la generación anterior, la de los Javier Álvarez y los Ismael Serrano, la de Inma Serrano y Rosana, por citar algunos de los más populares.

Sin embargo, Luis no es ningún desconocido en el circuito de actuaciones de Madrid, ni siquiera fuera de esta ciudad. Luis -bien lo se- lleva ya un dilatado período de tiempo dando conciertos errabundo, sin desmayo, con la ubicuidad de aquel que está dispuesto a hacer escuchar su propuesta allí donde quieran prestarle una mínima atención. De alguna manera, pues, este cd puede verse como la culminación de un largo y en ocasiones tortuoso camino de aprendizaje a través de la música en directo y de la publicación de (al menos que yo sepa) tres maquetas previas.

Crea Luis su estilo tomando como punto de partida a algunos cantautores muy concretos a los que a él le gusta citar: Joaquín Sabina, Carlos Chaouen, ... desde el punto de vista estrictamente musical las referencias vienen del lado de la electrónica y el pop experimental de la década de los noventa: Radiohead, Bjork... No obstante, a pesar de este extraño cóctel, la cosa funciona, quiero decir, no solamente suena, sino que el resultado tiene entidad propia, es muy personal y muy muy interesante. A pesar de ello, a mi modo de ver, lo que hace más actual -más moderno- el disco, no es la producción o la instrumentación, sino la propia personalidad de Luis; sincera, transparente y diáfana como una cala de la Costa Brava en la que el fondo resplandece contra un cielo impoluto. Una personalidad única, irrepetible, emergente cual orgulloso y firme vapor a través de una robusta fumarola que se expresa en cada giro de sus versos. Así pues, lo que finalmente se manifiesta como lo más de nuestro tiempo, lo más actual, son precisamente sus letras. En ellas habitan las dependientas de Zara, el messenger, los mensajes en los foros, la Gran Vía de Madrid, el asfalto de la ciudad, los chiringuitos de playa, semáforos en rojo, discos piratas, Mcdonald's... etc.

Temas:

1.- Per-fec-ta
2.- K. O. Boy
3.- Flor de invernadero
4.- Ahora
5.- Miguelito III
6.- 4 estaciones
7.- Cuerpos a la deriva
8.- La sirena
9.- Descafeinado
10.- Humano
11.- Anclado en la estación
12.- Castigado en el cielo

Hay canciones excepcionales en el disco, muchas de ellas sobradamente conocidas por los seguidores del cantautor: "descafeinado" por ejemplo, o ese bonito cuento que se llama "la sirena". Pero me gustaría mencionar dos que me parecen geniales: la primera "k. o. boy" que como canción pop es perfecta (creo que están grabando un clip para ella, lo merece desde luego) y sin duda alguna ese pedazo de tema que es "anclado en la estación" preciosa hasta la médula, con una ambientación bellísima y un Luis Ramiro sublime, tierno, melancólico, haciéndonos cómplices de la historia sin necesidad de pegar un solo grito. Chapeau!

Por poner alguna pega diré que aunque me gusta mucho todo el cd -incluido el título- la portada no mucho; pese a que la foto es muy chula, a veces tengo la sensación (puede que por el gesto) de que parece que Luis se haya escapado de una película de Eloy de la Iglesia, y por supuesto no es el caso: Luis es un pedazo de pan.

En fin, que me alegro por ti Luis. Mi más sincera enhorabuena por tu gran disco. Deseandito me dejas escuchar el próximo. No tardes en grabarlo.

abuineitor

Joan Isaac-Viure

Podria viure sense lluitar per allò que crec que ens correspon:
Un aire nou per respirar....
Però encara sento cada matí, un sol que neix entre els meus dits
Una claror que em fa aixecar, Viure! Viure!




Se ha reeditado “Viure”, un trabajo, a mi entender, clave en la discografía de Joan Isaac. Este disco editado por Ariola en 1977 representa la segunda de sus publicaciones en LP. Consta de diez canciones, cada una de ellas una joya, auténtica poesía comprometida con los tiempos en que se hizo esta obra. Las letras fueron versionadas en castellano por J.M. Caballero Bonald, lo que da una idea de su calidad, y en cuanto a la música, no sabría como expresarme para describir su valor, ya que mi visión es la de una simple aficionada a la canción de autor, pero solo es necesario echarle un vistazo a los artistas que intervienen en la grabación para ver la categoría musical del disco, Jordi Vilaprinyó, Josep Mª Bardagí, Rafael Escoté entre otros.

El disco comienza con la canción que le da título, Viure, una preciosidad y como dice F. González Lucini en su libro “Y la palabra se hizo música”, con esta canción, como con todas sus canciones, Joan Isaac sabe transmitir latidos, pinceladas de vida. La segunda canción, Un día partiré, tiene esa delicadeza propia de este artista y para mi es el contrapunto a Viure, la recuperará en un CD publicado en el año 2000 “De Vacances”

En “Viure”, Joan Isaac incluye por primera vez la más emblemática de sus canciones, A Margalida, canción que posteriormente incluiría en el disco “Planeta silenci” publicado en 1998 y que significó su vuelta al mundo de la música y de los escenarios. También fue incorporada en el disco “Només han passat 50 anys”, que se grabó en vivo en 2004, en el Teatre Nacional de Catalunya, en un concierto memorable al que afortunadamente yo pude asistir. A Margalida es una canción dedicada a la compañera de Salvador Puig Antich, una canción que ha dejado de ser suya para convertirse en popular, y que Joan Isaac lleva por todos los escenarios por donde va. En todos sus conciertos le rinde su particular homenaje y la canta, generalmente, precedida por la lectura de una pequeño fragmento de la carta de Salvador Puig Antich a su compañera Margalida, consiguiendo siempre emocionar al público.

Uno de los temas recurrentes de Joan Isaac a lo largo de su obra es la insistencia en explicar la importancia de LA CANCIÓN. Siempre defensor de la canción de autor, en este disco incluye dos temas que hacen referencia a ello, tres reflexions i una suplica y per això canto cançons. En ellos habla de la fuerza de las canciones, de su función social, esto hecho en unos momentos en que la canción de autor y la poesía hecha música tenía una importancia vital en la sociedad, y como decía Gabriel Celaya y cantaba Paco Ibáñez, la poesía era un arma cargada de futuro. Posteriormente, en su obra Joan Isaac ha seguido componiendo canciones sobre el tema, pero ya visto desde un punto de vista mas interior, cambiando las tornas para explicar lo que significan las canciones para quien las hace, y ahí está una canción preciosa que se llama “Fer cançons” publicada en 2000 en el CD “De vacances”

La calidad que demuestra Joan Isaac en “Viure” no es una excepción en su carrera, tanto en lo que respecta a los trabajos publicados en su primera época, como los publicados en la segunda. En todos destaca el cuidado y el esmero puesto en las canciones y en la presentación de los trabajos. En todas sus canciones publicadas, desde las primeras hasta las últimas, lo que prima es, por encima de todo, la calidad de los textos y su contenido poético y es increible la capacidad de llegar a la gente y de emocionar.

Salvando la distancia entre dos épocas completamente distintas en lo social, la obra de Joan Isaac ha evolucionado de una manera natural, desde sus primeras canciones llenas de la ingenuidad y de la fuerza de su juventud, en unos tiempos socialmente difíciles, hasta las actuales, desprovistas ya de esa ingenuidad, con otra fuerza distinta pero igual de impresionante, la fuerza de la madurez. Su letras, como su voz, han ido creciendo y perfeccionándose con el tiempo. Su último disco hasta el momento “De profundis” es una verdadera joya de la canción de autor actual, muy distanciada en el tiempo de “Viure”, para mi, ambos trabajos son fiel reflejo de los tiempos en que están hechos.

Pienso que Joan Isaac representa en todo su sentido a la canción de autor, la que caracteriza y describe en cada momento la sociedad que nos envuelve. Lo hace desde la autoridad que le da la experiencia de ser uno de los grandes autores desde sus comienzos y haber sabido evolucionar con su tiempo.

CANCIONES :

-Viure
-Un dia partiré
-Tres reflexions i una súplica
-Els poetes
-El desencant
-A Margalida (dedicada a margalida, amant eterna d'en Salvador Puig Antich, es trobi on es trobi)
-De tu he aprés
-Per aixó canto cançons
-Historia d´un diari
-Records d´un vençut

Mª Gracia Correa

Paco Ibáñez-A flor de tiempo

Sin ánimo de resultar polémico, me arriesgaría a decir que la canción de autor de nuestro país nació en Francia. Es más, el padre espiritual, en mi modesta opinión, tiene nombre y apellido francés, a saber: George Brassens. . Este genial hombre es el culpable de que Paco Ibáñez dejase de cantar canciones de Jorge Negrete y se fijara en los textos de nuestros grandes poetas; es el culpable de que unos jóvenes músicos catalanes que se hacían llamar Els Setze Jutges (responsables de lo que luego se llamó nova cançó) escribieran canciones en catalán con nuevos contenidos; es el culpable de que nuestro querido Jose Antonio Labordeta se dedicara a cantar e incluso de que se dejase crecer el bigote.

Anduvo Paco Ibáñez por París en tiempos en que Brassens se hallaba en su mayor gloria. De hecho, la carrera artística de Paco comenzó en el país vecino, que no visitó -musicalmente hablando- nuestro país hasta el año 1968. En París, al año siguiente, los estudiantes franceses que habían tomado a Paco como un símbolo de la libertad reprimida (de hecho es hijo de exiliados y por eso vivía en Francia) y acuden al Olimpia en la capital gala, donde Paco da -paradójicamente- uno de los conciertos más memorables de toda nuestra historia musical. En ese concierto, por cierto, estrenó por vez primera una canción de Brassens traducida, que formaría parte después de un disco completo dedicado al cantautor francés.

"A flor de tiempo" se publicó en 1978, y constituye su siguiente producción precisamente tras el disco del concierto en el Olimpia parisino. Está ilustrado con dibujos de su hija y la producción -del propio Ibáñez- es de lo más espartano que he escuchado nunca. Porque Paco es así; una guitarra -sin amplificar-, un micro y venga, a hacer tomas. A mi me encanta verlo en directo, dicho sea de paso. En una época digital, henchida de adelantos tecnológicos, llega, pone una silla en el escenario, apoya su pierna encima y ni cables ni nada, un par de micros y adelante, tirando millas. Bueno, como decía, el disco sigue su línea de canciones a lo crudo, con su voz ronca y bien templada, con su guitarra española arpegiando a lo Atahualpa Yupanqui. La "novedad" de este álbum radica en que hay un vuelco hacia la poesía más popular -menos culta- de nuestra literatura. Así, nos topamos con cuatro romances, de los cuales, tres, nada menos, son de autores anónimos que pertenecen a nuestra tradición romancera, que, apostillaremos, constituye un tesoro nacional maravilloso del que deberíamos sentirnos muy orgullosos (yo por lo menos, modestamente hablando, lo estoy). Por otro lado, el cantautor, musica dos fragmentos del "libro del buen amor" que a mi personalmente me alucinan. El texto del Arcipreste de Hita ya es un dije de nuestra literatura, pero es que, por ejemplo, escuchar cantar a Paco aquello de "Aristóteles lo dijo, y es cosa verdadera," equivale a escuchar la voz del pueblo, si es que el pueblo -en abstracto- tuviere voz propia; revuelve las entrañas y regocija a nuestros espíritus e instintos más primitivos.

Paco Ibáñez, ya lo hemos dicho, forma parte de aquellos "locos en sus viejos cacharros" que inventaron la canción de autor en nuestro país. Solo por eso habría que tenerle en nuestra más alta consideración. Pero, además, representa como nadie lo más intrínseco a nuestro carácter hispano. Virtudes (de los vicios hablaremos otro día, que también los tenemos claro) como: austeridad proverbial, fidelidad sin excusas y valor para nunca claudicar frente al oponente. En cualquier otro país -Francia sin ir más lejos o Estados Unidos de América- mencionarían su nombre siempre con orgullo y veneración; aquí, como siempre, ya es otra cosa. "Spanish is different" que dijo alguien...

Canciones:

1.- Triste historia
2.- Romance del conde Niño
3.- Romance del pastor desesperado
4.- Consejos para un galán
5.- Una paloma blanca
6.- Romance del desterrado
7.- Romance del prisionero
8.- El cuento de la lechera
9.- El pastorcito
10.- Aristóteles lo dijo

abuineitor

Esmeralda Grao-Exactamente igual que tu

La voz de Esmeralda Grao es un huracán que arrasa la tierra por donde pasa y convierte en páramo el más delicado vergel. Cuando Esmeralda canta tiemblan los puntales de las catedrales de la música; las aves se confunden y se pierden en sus rutas migratorias trazadas durante milenios; los canes desobedecen a sus amos; la luna se olvida de girar a nuestro alrededor... La voz de Esmeralda brama y ruge como las olas de un océano que estrella su dolor contra los acantilados de un misterioso país. Es fuerte como la vida, valiente como el amor, pero, tan suave y tan dulce como el sabor de una venganza largo tiempo anhelada. La voz de Esmeralda es un regalo, un tesoro, una fuente de exóticas frutas, un manjar que se paladea hasta el delirio; un ramo de flores fragantes, un cristalino hontanar que nace inesperado en medio de un erial.

1.- Exactamente igual que tú
2.- Temblarás
3.- Igual que un gato
4.- Dame la vida que te quede
5.- En el lío
6.- Soy una mestiza
7.- De la ruina salvas
8.- Cada vez que estoy sin tí
9.- No quiero verte más
10.- Volveré a ser lluvia
11.- Tristemente
12.- Ser libre al fin


Tras un primer disco "tan dentro" grabado con todos los medios (productor, discográfica..) pero en el que no tomaba las decisiones, Esmeralda, se decide por fin a grabar un segundo en el que ella toma la batuta y produce, dirige, pincha y corta y por supuesto canta, como solo lo sabe hacer ella. Esmeralda ha sabido labrarse un camino -paso a paso- hacia la libertad personal, admirable. Prueba de esta libertad son las mixturas estilísticas de este cd. Se trata de uno de esos raros discos en que las notas, los ritmos y los sonidos de diferentes culturas -sonidos étnicos- confluyen en una inexplicable armonía de conjunto. Lo más atractivo, sin duda, son los aromas orientales y flamencos, portentosos y embriagadores, construidos y despachados con una sinceridad y una emotividad que quita el aliento. Aunque también hay pop, un pop muy, pero que muy, bien hecho. Y es que esta mujer se atreve con todo; lo mismo le da cantar flamenco, que rock, blues, baladas, etc. La versatilidad de su garganta raya lo inmaculado, lo perfecto.

Quizás sea por esto, que esta cantautora (que ha prestado también temas a otros intérpretes) de Alicante puede presumir como pocos de una amplia experiencia como vocalista de muy diferentes y conocidos músicos: Joan Manuel Serrat, Celia Cruz, Marta Sánchez, Caco Senante, Nacho Cano, Hilario Camacho, etc. También ha sido requerida para interpretar papeles en conocidos musicales. Puede presumir además de haber ganado el prestigioso festival de Benidorm en su edición de 1994, justo cuando acababa de aterrizar por la capital de España. Y es que se nota a la legua que nos hallamos ante una artista, no solamente con vocación y chispa, sino con unas tablas, unas cualidades naturales excepcionales y una educación musical que para mi quisiera.

Del disco destacaría la primera, la que da título al cd: "exactamente igual que tú" que me deja ko cada vez que la escucho. También brillan con bríos propios "temblarás"
o "soy una mestiza" ésta última dedicada cariñosamente a sus progenitores. Ya pueden estar orgullosos de su hija...

abuineitor