Autaria

Ángel Petisme-Río Ebrio

2009-08-07T10:28:00.001-07:00

Haciendo un sano ejercicio de auto-exorcismo voy a comentar el último cd de este cantautor aragonés; por lo tanto, paisano mío.

Aunque Ángel Petisme ya no es ningún niño, podríamos decir que si Labordeta nos puede parecer que durante muchos años ha representado a ese Aragón tradicional, con un pie en el mundo urbano y otro en el mundo rural, sin embargo, Petisme, encarnaría ese Aragón joven, moderno y sobretodo cosmopolita, un Aragón poético y universal, atemporal y orgulloso de sí: un Aragón conectado a Internet, viajero, pero fiel a sus raíces, instalado confortablemente en un planeta tierra que es también agua, un planeta que ya es una pura exposición universal de culturas hermanas de las cuales también forma parte, por supuesto.

La verdad es que he escuchado y poseo varios discos de Ángel, y debo reconocer que me gustan, y que éste especialmente tiene tomate, mucho tomate…

Estamos ante un artista que -en mi opinión- es auténtica sinergia acrisolada por propia naturaleza; es decir, el todo es mayor que las partes, en él, como en nadie, dos más dos son cinco..

Para grabar este disco, se ha hecho acompañar de un guitarrista y productor de lujo: Joaquín Pardinilla. Un gran acierto a mi entender. Y en el resultado final se nota. Hay una unidad de sonido (pop-rockero) y de estilos musicales que ayudan a dar esa sensación de producción integrada, de álbum en que todas las canciones están relacionadas entre sí, y forman un todo, pese a que en principio no fuera así. A destacar la colaboración de Marta de la Aldea, sencillamente perfecta en las voces. O las mezclas y masterización de J. M. Huerta y Carlos Estella (este último co-productor del último disco de la también magnífica cantautora aragonesa María José Hernández) y de Luis Farnox (El Mecánico del Swing) amigo y colaborador de Petisme desde hace años.

01. Dos bicicletas

02. Miedo

03. Más claro agua

04. El pozo de San Lázaro

05. Yo que se

06. Rachel Carrie

07. La rosa de Jericó

08. Hay temporal esta noche en la tierra

09. La ciudad (Kavafis)

10. Para Aragón de José Martí

11. El atasco

12. Todo fluye

13. Tierra roja

Hay canciones de amor, canciones que hablan de la infancia, de una tierra roja y de yeso, de una ciudad y un río que lo es todo… hay una canción denuncia “Rachel Corrie” triste y vergonzoso suceso la muerte de esta joven en Palestina… hay un par de canciones cuyas letras pertenecen a dos poetas reconocidísimos: Constantino Kavafis y José Martí.. hay también un poema recitado, curiosa la voz de Ángel, qué distinta cuando recita a cuando canta… y qué raro se me hace que un poeta sepa recitar…

El diseño del cd tiene ese aire de comic que ya tenía un disco anterior “Metaphora” lleno de colorido e ilustraciones referidas al contenido de las letras, como no podía ser de otro modo. Y en cierto modo, está emparentado con aquel… por el tipo de temas y músicas que contienen ambos discos. Y el título tiene gracia, qué coño…

Un consejo final: no se lo pierdan…

abuineitor

Nuestro Pequeño Mundo-20 grandes éxitos

2009-07-22T12:28:00.000-07:00

Desde el año 1968 hasta 1982 este combo se dedicó ha interpretar y versionar un gran número de canciones populares, que pertenecían al rico y amplio acervo musical, tanto de nuestro folklore nacional, como al internacional. Esta vocación internacionalista hace que por sus discos desfilen varios idiomas: español, inglés, francés, portugués, etcétera, todos cantados con corrección, y canciones originarias de países muy diferentes: Estados Unidos, Francia, Brasil, Israel, Noruega, India… Respecto a nuestro propio folklore recuperaban canciones populares (algunas de sus versiones son para mi gusto de las mejores que se han realizado jamás) e incluso produjeron un disco “Cantar de la tierra mía” en 1975 que homenajeaba a todos los grandes cantautores de aquella época y a unas canciones que no necesitan presentación; por poner un ejemplo, en este mismo disco de grandes éxitos, se incluyen algunas pertenecientes a ese disco: “A cántaros” de Pablo Guerrero, “La saeta” de Joan Manuel Serrat o “Canción del pescador” de Adolfo Celdrán…

Y si es muy variado el horizonte de músicas e idiomas, el número de músicos que pasaron por el grupo (unos dieciocho) y la calidad de los mismos, es como para quitarle el hipo a cualquiera. Para empezar, en la sombra se encontraba nada menos que el folklorista español Joaquín Díaz, ahí es nada, y a la ya excelente formación original: Pilar Alonso "Pat", Laura Muñoz, Ignacio Sáenz de Tejada (que tocaría y sigue tocando con Pablo Guerrero), Juan Alberto Arteche, Juan Ignacio Cuadrado, Chema Martínez, Jaime Ramiro y Gabriel Arteche, se fueron sumando los nombres de Luis Delgado, Fredy Marugán (en la actualidad con Ismael Serrano), una jovencísima Olga Román…

Los Campanilleros 3:20

Sinner Man 3:13

Mulher Rendeira 2:29

Amén (Joshua Fit The Battle Of Jerico) 2:34

Mama Samba 3:12

Si Yo Fuera Rico 3:29

Oleanna 1:55

Ay, Linda Moza 1:32

Chevaliers De La Table Ronde 1:17

Buenas Noticias "Good News" 2:12

Tres Hojitas Madre 1:46

La Saeta 2:16

Me Casó Mi Madre 2:03

The Drunken Sailor 1:32

Un Canadien Errant 2:00

Vagabundear 3:08

Canción Del Pescador 1:45

A Cántaros 3:02

Ohio 3:25

Gaviota 2:32

Hay que señalar que la banda disfrutó de un gran éxito cuando se publicó su primer disco, ya que eran en aquel momento -además de músicos solventes- los pioneros de un estilo, el folk urbano o tradicional actualizado, que luego dio frutos tan jugosos como Mocedades, Nuevo Mester de Juglaría, Jarcha, Aguaviva, etcétera. Con este último grupo, por cierto, grabaría Juan Alberto Arteche, uno de los pilares fundamentales de Nuestro Pequeño Mundo.

Por último, no quiero terminar esta modesta reseña, recomendando por supuesto que se escuche o que se re-escuche según proceda, este estupendo disco y todos los demás del grupo, pero también, comentando que la edición que yo tengo, y no sé si es la única disponible ahora mismo, está hecha sin ningún cariño al grupo. Por supuesto no incluye ningún tipo de libreto con fotos ni letras ni nada; el diseño no respeta el original, excepto por la foto de portada, aunque no del todo, porque no sé a quién se le ha podido ocurrir la desafortunada idea –es mi opinión- de titular una colección mayoritariamente de música española “Essential albums” en inglés ¿? y ponerlo encima en la portada por las buenas y en el lomo del cd. Y luego nos extrañamos de que no se vende música en España, tratándola de este modo…

abuineitor

Javier Maroto - Al revés

2009-06-06T09:16:00.001-07:00

Después de escuchar “Luz”, su primer disco, esperaba con ganas la salida de este segundo disco, ya que había escuchado alguna de las canciones que irían en él y me habían parecido magníficas. Después de aquel primer disco, en el que la producción musical había estado cuidadísima, este “Al revés” ha sido grabado íntegramente en Argentina, por músicos de primera línea: Leandro Savelón (Batería), Fernando Guevara (Percusión), Fernando Botti (Bajo y contrabajo), Martín Masi (Piano, teclados, acordeón y coros), Ariel Cubría (Guitarra eléctrica, acústica y coros), Virginia Álvarez (violín), Pablo Greco (Bandoneón) y Hernán Paredes (Scratch), con la colaboración al piano y la voz de Sebastián Monk en “Problemas”.

Las canciones del disco son:

1- Cuánto tiempo
2- Alicia quiere a Marta, Ernesto ama a Andrés
3- Al revés
4- El barco y la mar
5- Números
6- Pregunta
7- Las venas abiertas
8- Problemas
9- Siete veces crucificado
10- Edad
11- Tango electoral

Un disco cargado de temática social, donde Javier reivindica el amor homosexual en “Alicia quiere a Marta, Ernesto ama a Andrés” o incluso la teología de la liberación en “Siete veces crucificado”. En “Al revés”, la canción que da título al disco, nos plantea cómo sería el mundo si muchas cosas no fuesen como son:

“Qué pasaría si por una vez no estuviera de moda
Acomodarse en no pensar de más,
Vivir según las normas,
Saber menos chismes, más de economía,
Mucho menos fútbol y más geografía,
Saber más de mí, menos de vos.”

La cuidada producción musical hace que el disco sea extraordinariamente digerible, por lo que tienes que estar muy atento a que no se te pase ni una sola palabra de las muy cuidadas letras. Javier apuesta sin ambigüedades por la solidaridad, la justicia y la persona como persona propiamente.

En “números” nos presenta un genial juego de palabras con números:

“y las 7 maravillas,
Los 3 cerditos, los 7 enanitos,
9 reinas, 2 hombres y 1 destino,
400 golpes…”

Para al final decirnos que “tristes números si no es amor la empresa, tristes números”.

En resumen, un magnífico disco, trabajadísimo, donde Javier Maroto pone a nuestra disposición su mayor sensibilidad y su maestría a la hora de confeccionar y ejecutar canciones.

Francisco Espinosa

Jesús Márquez-Jesús Márquez

2009-02-25T08:19:00.000-08:00

A pesar de que su canción era una más entre 24 grandes temas de otros tantos artistas, no me pasó desapercibido Jesús Márquez la primera vez que lo escuché. Una de sus canciones estaba incluida en el disco “Café Libertad 8. El templo de la canción de autor”, editado en 2005 por “Libertad 8 Records”.

Entre todas las canciones de aquel recopilatorio, me gustó especialmente la “Canción para una diosa” de Jesús Márquez, me llamó la atención esa otra visión de “Ojos verdes”; al escucharla me pareció que estaba delante de unos versos que, en el fondo, seguían siendo una copla, con acento inequívocamente andaluz, pero transformada por el ambiente urbano de Madrid. Evidentemente esta es una visión muy personal, que seguramente me tiraría por el suelo cualquier crítico musical: pero como no lo soy, y escribo como simple aficionada, puedo dejarme llevar por las sensaciones que producen las canciones en quienes las escuchan.

Sin embargo, no creo que sea sólo una impresión personal, si digo que este artista es especial, su voz tan particular, su música, y la selección de textos que aparecen en este disco, que lleva su nombre, lo demuestran.

Grabado “a ratitos” entre 2006 y 2007, representa el trabajo de cuatro años; casi el tiempo que yo llevo esperando su publicación, porque quien escucha sus canciones y su música se queda enganchado a la obra del artista. Y no debo ser la única aficionada a quien le pasa esto, puesto que su única promoción, al menos la única que yo he visto, es una proposición al lado de la carátula del disco que dice “Escúchalo, te sorprenderá”, y creo que así es.

Empecé a escuchar sus canciones hace como tres años, esperaba con interés esta publicación, tan anunciada pero que nunca aparecía, ahora ya si, se ha publicado a través de El Pescador de Estrellas, compañía discográfica de Paco Ortega.

El cd “Jesús Márquez” ha sido publicado en 2008 y consta de 12 canciones, todas ellas en su conjunto, representan un buen muestrario de la calidad y diversidad musical del autor. Yo destacaría especialmente “Ciudadano Daniel, ciudadano nadie” de Daniel Macías, porque describe perfectamente, y con todo el arte del mundo, algo que todos sabemos muy bien; que es muy fácil ser ciudadano si no te caes al suelo, si no tienes hambre, “sólo hay que vestir como todos, y caminar con cierta urgencia sin sonreír, y sin mirar fijamente a nadie”. Tiene el encanto añadido de esas conversaciones callejeras que se escuchan de fondo, y que llevan directamente a Triana, o a Jerez, de la mano de José “Caraoscura” y Diego Magallanes.

El “Instante galáctico” de Eladio Orta, es una curiosidad de dos estrofas, totalmente galáctica, no sabría describirla de otra manera, hay que escucharla. También “Hambre”, de Inma Luna, es un tema curioso, una canción hecha con gran originalidad, todo lo que se puede pedir, lo hace con palabras sueltas y simples, que forman un gran conjunto. Son muchos los autores que figuran en el disco y no quisiera olvidar a ninguno de ellos, aparte de los que he nombrado, hay letras de Antonio Orihuela, Luis Felipe Comendador, Fernando Segovia, Antonio Ramírez Almansa.
De “Canción de amor para una diosa” de Santiago Gómez Valverde, ya he hablado; para mí que es una “copla urbana”, con el encanto y la ilusión de escuchar el mar de Madrid. Una letra y una música que es para mí es una preciosidad. Y hablando de preciosidades, una canción que quiero destacar especialmente, ya me pareció un lujo cuando la escuché la primera vez, simplemente en la voz Jesús Márquez sin más acompañamiento que la guitarra, “Flor de Romero”, letra y música de Rafael Moreno y adaptación de Jesús Márquez.

Pero aparte de lo que yo pueda decir como aficionada a la canción de autor, recomiendo la presentación que del artista hace Luis Felipe Comendador, y que se incluye en su espacio en internet: http://www.myspace.com/jesusmarquezzz

Canciones del disco:

1. Ciudadano Daniel, ciudadano nadie
2. Ahora que ya hemos muerto
3. Instante galáctico
4. Flor de Romero
5. El deshielo
6. Amantes en un aparcamiento
7. Hambre
8. Me gusta verte andar
9. La muerte, pasajera
10. Los alemanes iban vestidos de gris, tú ibas vestida de azul
11. Canción de amor para una diosa
12. Como reconocerte en silencio

María Gracia Correa

Paco Ibáñez-Los unos por los otros

2009-02-02T08:46:00.000-08:00

Hablar de Paco Ibáñez es hablar de tres temas a la vez: música de cantautor, poesía y compromiso político de la música (con ‘m’ mayúscula). El transcurso del tiempo les ha ido «poniendo canas», con mejor o peor fortuna, a cada uno de ellos: la poesía pervive, por supuesto, pero el compromiso social de la música está bajo mínimos en estos tiempos de las radio «fórmulas» y los cantautores («trovadores y juglares», les llamó José Agustín Goytisolo) se han convertido en un mito, en una fábula del «futuro pasado» —permitidme parafrasear el título del inolvidable disco de The Moody Blues— que pervive en el recuerdo de los que entonces se llamaron progres, una generación ni mucho menos perdida que contribuyó al cambio de muchas sensibilidades.

Volvamos la vista atrás. Corre el año 1958 y una amiga de Ibáñez llega a Cadaqués con una grabación de prueba de canciones con letras de poemas de Góngora y Lorca. La «maqueta» es entregada a Salvador Dalí que, luego de escucharla, quiere conocer inmediatamente a aquel joven de cara seria y entrecejo casi siempre fruncido que le presta un cierto aire de tristeza. Del encuentro nacería posteriormente un disco cuya portada fue realizada por el pintor catalán y que contenía poemas cantados de los autores citados, tales como: Canción de jinete; El lagarto está llorando; La señorita del abanico o La más bella niña… Este disco anticipó al que nos ocupa —Los unos por los otros— una preciosa grabación de 1967 publicada en España por Polydor, con producción de Moshé Naim —un millonario amigo de Dalí que vivía en París— quien dedicó una parte de su dinero a financiar la cultura. Naim escribió en el encarte del vinilo que: «[…] Es destacable cómo la música escrita por Paco Ibáñez se compenetra con estos poemas, de forma que se creería que todo ello fue concebido y nacido junto. Su voz extraordinaria se une a ello para transmitírnoslo y hacerlo popular…».

El final del anterior párrafo presta relieve a la situación que se vivía entonces, a la que plantaron cara cantautores y productores: la censura franquista no dudó en intervenir y Paco Ibáñez —quien en 1971 se tuvo que exiliar en Francia— fue incluido en la lista de artistas prohibidos. Con ello, el vinilo se convirtió en un objeto «revolucionario», en un símbolo de la lucha contra la represión de la dictadura militar. Transmitir y hacer popular la poesía, fue el diáfano objetivo de esta obra que trascendió la belleza estética de sus impecables composiciones y su cuidada presentación —el encarte del L.P. reproducía 12 pinturas de José Ortega— para convertirse en uno de los símbolos de la generación que, algunos años después, encarnaría el cambio político en España.

Canciones/poemas como, por ejemplo, Andaluces de Jaén (el cantautor, sorprendentemente, pudo interpretarla en TVE, en 1968), en la que el contrabajo de Françoise Rabbath interpreta un diálogo maravilloso con la clara y potente voz de Ibáñez; La poesía es un arma cargada de futuro, en donde los versos de Celaya brotan combativos y enérgicos, para dar «vida, y provocar nuevos actos» al compás del vibrante sonido de la guitarra de Ibáñez o la música socarrona que acompaña el poema Don Dinero lograron que se comprendiera entonces que aquel disco era algo más, que se convertiría —como así ha sido— en una de las obras más importantes de la música española.

En alguna parte escribí que «aposté» en su momento por Paco Ibáñez, pero que «ganó» Joan Manuel Serrat, mas este debate no tiene sitio aquí, creo. Sí decir que la prolífica obra del cantautor catalán no puede compararse con la comparativamente «escasa» producción del primero: en su página web oficial (en donde se recibe al visitante con la canción La poesía es un arma…) se cuentan doce discos. Los prolongados silencios del músico nacido en Valencia y su carácter austero y poco dado a medrar en el mundo de lo mediático —nunca quiso aceptar los importantes premios que recibió en España y Francia— habrán sido, entre otras razones, los culpables del desconocimiento que sobre él tienen las nuevas generaciones.

Una falta de conocimiento por parte de los más jóvenes que también se da en el caso del disco aquí comentado: la bella portada del vinilo ha desaparecido por completo de los catálogos de reediciones y de Internet. Ni siquiera en la página oficial del cantautor el disco se llama así: ahora se titula Paco Ibáñez 2. Sin embargo, por encima de las necesidades editoriales del momento, aún queda el recuerdo de una época en que las grabaciones se vestían de calidad y arte, de unos tiempos en que algunos millonarios se arriesgaban a producir obras de autores desconocidos sin pensar en el beneficio inmediato.

Una época de ilusión y de creatividad que nunca volverá, pero que con trabajo y tenacidad se puede repetir algún día:

Si he perdido la vida, el tiempo,
todo lo que tiré como un anillo al agua.
Si he perdido la voz en la maleza,
me queda la palabra.

(Blas de Otero)

Canciones incluidas en el LP:
Los unos
- Gabriel Celaya
La poesía es un arma cargada de futuro

- Miguel Hernández
Andaluces de Jaén

- Rafael Alberti
Balada del que nunca fue a Granada

- Blas de Otero
Me llamarán, nos llamarán

- Blas de Otero
Me queda la palabra

- Gabriel Celaya
España en marcha

Los otros:
- Francisco de Quevedo
Don dinero

- Luis de Góngora
Déjame en paz, amor tirano

- Anónimo
La gran pérdida de Alhama

- Francisco de Quevedo
Romance satírico

- Luis de Góngora
Verdad, mentira

- Francisco de Quevedo
Es amarga la verdad (la pobreza)

Pedro M. Martínez Corada

José Córdoba-Estado Natural

2009-01-23T07:51:00.000-08:00

Nunca estaremos seguros si en este caso la rana se convirtió en príncipe o fue el príncipe quién se convirtió en rana. Digo esto porque conozco gente que piensa que “El Chivi” era el príncipe, aunque otros pensamos que el príncipe es José Córdoba.

Aquel muchacho que en 1995 comenzó a escribir canciones, influenciado por la canción de autor que escuchaba en su casa, que unos años después se convirtió en “el pornoautor”, un conocido personaje, sobre todo en el mundo de Internet, al final ha vuelto, ya de mayor, de nuevo aferrado a sus orígenes “cantautoriles”.

En este nuevo disco que hoy estamos tratando, José Córdoba demuestra una vez más que es un excelente letrista, que tanto como cantautor o como pornoautor siempre ha sido un maestro a la hora de esculpir palabras, en el arte de rimar las ideas. Un disco en el que nos encontramos a ratos un agudo crítico, a ratos un romántico poeta y a ratos un observador de la realidad. Giros inesperados, rimas atrevidas y comparaciones ingeniosas se aferran a las notas de las canciones, sencillas como el espíritu del poeta, como el alma del trovador.

Catorce canciones que nos regala el padre de la expresión “besos postizos”, la mayoría cercanas a las temáticas de amor, algo normal viniendo de donde viene, aunque sin hacer ningún asco a temas más sociales, que nos rodean en nuestro día a día, que forman parte del atrezzo de nuestras vidas, como es el caso de la canción titulada “recuerda”, donde nos habla del Alzheimer.

Rumbas como “Huelga de licántropos” o baladas “tradicionales” como “Toda la ternura que te debo” hacen de “Estadio natural” un disco completo, un disco variado, eso sí, todo inmerso en el estilo inconfundible de José

Las músicas no van a la zaga de las letras, con un aire un tanto “sabinero” (algo ya habitual en él), unos arreglos muy serios, que encajan como un guante en las melodías. Rodeado de un buen elenco de músicos que nos sumergen en un cuidado ámbito de sonidos y sensaciones.

Las canciones son:

1- La tierra prometida
2- Estado natural
3- Antagoneros
4- Recuerda
5- La mala vida
6- Por el filo
7- Mentira
8- De lo más alto de la alta torre
9- Mi vida al revés
10- Huelga de licántropos
11- Toda la ternura que te debo
12- Nervioso
13- Abracadabra
14- Pulgarcito

En resumen, estamos hablando de un disco que “se deja escuchar” bastante bien, de esos que te quedas con ganas de volver a escucharlo. Os lo recomiendo.

Francisco Espinosa

Luis Eduardo Aute-Entre amigos

2008-11-03T09:55:00.000-08:00

Dándole vueltas a los discos perdidos traigo aquí uno de ellos; un disco que desde luego yo nunca perdí; que guardo con gran cariño y con un poquito de nostalgia. Hablo de un vinilo, un doble álbum con su carpeta, con sus letras en cartulina aparte, y con ese sonido tan particular que ahora ya no es admisible y que le da un encanto especial. Un atractivo que además se amplifica por el efecto de estar grabado en vivo; por ser la reunión de grandes músicos que acompañan a uno de los mejores cantautores que tenemos y que así le dan título al álbum: Entre Amigos de Luis Eduardo Aute.

Fue editado por Movieplay en 1983; todas las canciones compuestas por Luis Eduardo Aute, a excepción de cuatro, cada una de las cuales, de la manera más elegante y cortés, va encabezando las caras de ambos discos.

Reproduzco aquí el texto que el autor escribe en el interior de la carpeta:

“Este disco se grabó el 4 de marzo de 1983 en el teatro Salamanca de Madrid con el ánimo de reunir en un solo disco- en este caso dos- algunas de mis canciones más conocidas, desde las primeras hasta las más recientes, tal como suenan en directo, por una simple necesidad de hacer recuento y punto y aparte. En alguna etapa de la preparación del proyecto, también sentí la necesidad de reunir para este concierto a los compañeros de la canción, que por diversas razones, más quiero y admiro. Con cada uno de ellos he compartido momentos muy significativos de mi vida que aún permanecen vivos en mi memoria, como así sus voces en este disco”

Quizá la publicación de este concierto fue un punto y aparte, pero esas canciones siguen muy vivas y actuales, perduran con la misma fuerza que tenían hace 25 años, tal como aparecen en ese disco. Muchas de estas canciones fueron recogidas de nuevo en un doble CD, que lleva por título “Autorretratos”, publicado 20 años después. También muchas de ellas han servido para rendirle un homenaje al cantautor en un disco que se llama “Mira que eres canalla, Aute!” publicado en 2000, y donde otros artistas ponen sus voces al servicio de las canciones de Aute. Además de los que le acompañaron en “Entre Amigos”, es una delicia escuchar las versiones presentadas, entre otros, por Pedro Guerra, Leon Gieco, Jorge Drexler, José Mercé, Rosendo, Ismael Serrano, Javier Álvarez.

Y volviendo a “Entre Amigos”, es un trabajo con múltiples encantos, entre ellos está el poder escuchar a L. E. Aute cantar canciones emblemáticas de sus compañeros en el concierto: “Te doy una canción” junto a Silvio Rodríguez, “Para Vivir” junto a Pablo Milanés y una de las más preciosas canciones de amor que yo pueda conocer, “Paraules d’amor”, con el incentivo de hacerlo en catalán junto a Joan Manuel Serrat.

Muchas veces he escuchado decir que las canciones nos llegan en la medida que las hacemos nuestras y así lo creo. Hablar de las canciones de este disco es hablar de la memoria sentimental de una generación, o más bien de varias; porque todas ellas son más que canciones, son parte de la vida y de la historia de mucha gente. Sería un descaro por mi parte hablar de ellas de otra manera que no fuera desde el interior, no podría comentar las canciones en sí, sólo podría hablar de su significado para mí. Y tampoco de esta manera me atrevería, no sé que podría yo decir de “Pasaba por aquí”, de “Rosas en el mar”,de “Aleluya”, de “Las cuatro y diez”, de “A por el mar”, de “Queda la música”, o de “Anda”, y como podría explicar el sentido de canciones como “De paso” o “No te desnudes todavía”, “Siento que te estoy perdiendo” y “De alguna manera” o “Al Alba”, sin olvidarme de “Mira que eres canalla”.

En ellas vive un tiempo inolvidable para todos los que conocimos las canciones de Aute y las incorporamos a nuestras vidas. Y aunque esté escribiendo sobre ellas, estas canciones no son para comentarlas, son para escucharlas y para sentirlas; creo que aquellos que las conocen me darán la razón. Luis Eduardo Aute es una figura fundamental en la Canción de Autor, y este disco que se reeditó en CD en 2002 es una pieza clave en su discografía.

Canciones del disco:

Te doy una canción
Rosas en el mar
Aleluya nº 1
Rojo sobre negro
Las cuatro y diez
Amor, te digo esta palabra
Recordándote
El ascensor
Paraules d' amor
A por el mar
Queda la música
Albanta
De paso
Al alba
Padre
A vivir
Anda
No te desnudes todavía
Libertad
De alguna manera
Pasaba por aquí
Para vivir
¡Mira que eres canalla!
Dentro
Siento que te estoy perdiendo
Anda suelto Satanás
Entre amigos

Mª Gracia Correa

Estación Norte-Estación Norte

2008-10-30T08:58:00.000-07:00

Volviendo a darle la razón a mi querido amigo Víctor Alfaro, cuando dijo –acertadamente por supuesto- que esta era la bitácora de los discos perdidos; razón que yo le había querido quitar en el comentario de Rebeca Jiménez, pues, una vez más, y para regocijo de Víctor, voy a comentar un disco difícil de encontrar aunque no imposible.

Estación Norte publicaron este disco, primero y único, en 1999, tras haber participado en el mítico disco colectivo “Cantautores: La nueva generación” con un par de canciones. El grupo integrado por Nerea Sáenz, Carlos Aguado y Gabriel de San Juan, entregó al juicio del público y de la crítica este trabajo que yo encontré algún tiempo después de su publicación, por casualidad, topándome con él en los cajones de cartón de una pequeña tienda de discos madrileña. Debo confesar que, como no tenía ni idea de quienes eran, pues compré el disco por dos razones muy poco románticas: primero porque era muy barato y segundo porque me parecieron muy agradables esos tres rostros sonrientes de la portada, así de sencillo.

Aunque de lo que cuento parece deducirse que el grupo ya no existe, es preciso indicar que actualmente Nerea y Carlos Aguado siguen con un proyecto común similar, solo que han cambiado de nombre. Ahora se hacen llamar Marte Menguante. Realmente del grupo apenas sé nada, que han hecho canciones para alguna serie de televisión... que Nerea no es de Madrid, sino del País Vasco, aunque esté afincada en la capital de España; y bueno, a Carlos Aguado sí que le conozco algo más, puesto que le he visto tocando la guitarra muchas veces, con la elegancia y eficacia que le es inherente, con Luis Felipe Barrio y Matías Avalos.

Volviendo al disco, es de notar la producción “bipartita”, pues, por un lado, la mitad de las canciones cuentan con la buena mano del maestro José A. Romero, y por otro, la otra mitad cuentan con la notable producción de Luis Gómez Escolar y Juan Ignacio Cuadrado. Y entre los músicos, por ejemplo, es digno de mención Fredi Marugán, que ha tocado con muchísima gente y en la actualidad está con Ismael Serrano; y también Paco Bastante, Andreas Prittwitz, Tino di Geraldo… sólidos músicos todos ellos curtidos en cientos de batallas musicales. A pesar de las dos producciones encargadas a productores diferentes, misteriosamente, el disco guarda una unidad de sonido que, para nada confunde al oyente, sino todo lo contrario, le hace disfrutar de una fluida coherencia sonora, incluso pese a que la inclusión de algunos instrumentos menos habituales pudiera hacer pensar lo contrario. Quizás eso se deba en gran medida a méritos del propio trío, con la encantadora sencillez de la voz, levemente nasal, de Nerea, siempre presente, o los juegos vocales que rondan todas las canciones del disco.

Es un disco de esos que tienen como rara y principal virtud, que pueden, casi me atrevería a decir que deben, ser escuchados en esas tardes lluviosas otoñales o invernales; en una habitación vacía de gente, con una buena taza de café o de té caliente entre manos, y, a ser posible, con una amable chimenea encendida. Bebidas las canciones a tragos largos e intensos, acercándonos de cuando en cuando a la ventana para contemplar -lánguidamente- como la gravedad cumple escrupulosamente su adusta ley, con las acuáticas perlas que caen de un cielo lóbrego hasta la calle o la tierra. Estoy convencido de que, en este sentido, esta música debe poseer algún tipo de propiedades curativas; tras una escucha así uno sale como mínimo fortalecido en su salud, física y mental.

¿Mis favoritas? Pues “Ojos tristes” distinguido ejercicio de pop de autor y “Tierra” delicada y hermosa tonada a las raíces de Nerea.

Canciones:

1.- Especie suicida
2.- Frío
3.- Cinco días de invierno
4.- Madrid descansa
5.- Ojos tristes
6.- Canción para volver
7.- Donde florecen los sauces
8.- Jugando
9.- Tierra
10.- Puertas blancas
11.- Sin pijama
12.- Letanías del desamor
13.- Especie suicida (acústica)

abuineitor

El Último de la Fila-Enemigos de lo ajeno

2008-09-19T06:45:00.000-07:00

Aunque creo que jamás EUDLF se autodenominaron cantautores, su propuesta me parece tan cercana al mundo de los mismos, que no me resisto a comentar uno de sus discos. Éste en concreto, que fue su segundo vinilo –aunque por ahí dicen que el tercero es mejor (yo disiento)- representa para mi una de esas obras imprescindibles en la historia de la música popular española.

Pero hagamos un poco historia. En España allá por la segunda mitad de la década de los años setenta apareció un disco de un grupo del sur que mixturaba música de rock progresivo (que era la moda mundial de entonces) con elementos tomados del flamenco. El resultado era original y con calidad y supuso un éxito que provocó que todas las discográficas se apresuraran a mirar debajo de las piedras para buscar grupos de características similares que pudieran competir o al menos sacar provecho del éxito de Triana, que así se llamaba el grupo del que hablo. La prensa –supongo- bautizó al fenómeno como rock andaluz, estilo que vivió prácticamente lo que duró la carrera de Triana hasta que muriese en 1983 uno de sus pilares fundamentales: Jesús de la Rosa.

Apenas dos años después, irrumpen, porque eso fue lo que hicieron, entrar en la actualidad musical como un ejército recién arengado por algún general visionario; irrumpen, como digo, Manolo García y Quimi Portet, con su proyecto común, extraño e innovador pero con evidente influencia de aquel rock andaluz que acababa de dejar de estar en el candelero. Curiosamente, nuestros dos protagonistas residían y eran de Cataluña, no eran andaluces.

Lo mejor de EUDLF y de este disco claro, es que en 1986 nadie, pero lo que se dice nadie, sonaba así: con esa estrafalaria mezcla de folk, pop, flamenco, música árabe, rock, toques experimentales, surrealistas incluso y unas letras sentidas y en no pocas ocasiones de una belleza abrumadora. En las letras encontramos, por un lado, la poesía y la influencia de la filosofía budista zen que creo es aportación de Manolo; por otro, los sencillos y preciosos textos de las canciones de amor de Quimi. No quiero comentar ninguna de las letras del disco porque las diez que lo conforman rebosan clase y maestría por los cuatro costados. Es de esos pocos discos que pincho en mi equipo de música y veo que soy capaz de cantar casi sin errores de principio a fin: no digo más.

Otra cosa que siempre he admirado ha sido la producción –del propio dúo- que rozando lo casero, pues se grabó en unos modestos estudios para la discográfica PDI, muestra un gran derroche de imaginación y de inteligencia en el uso de los limitados recursos de que disponían para grabarlo. De hecho, prácticamente todo está grabado por Manolo y Quimi que se ocupan de casi todo lo que suena: ruidos, voces, graznidos y demás efectos incluidos. Como curiosidad es preciso decir que poco después, dado el tremendo éxito del dúo, se fueron a Londres a volver a mezclar un surtido de canciones tomadas tanto de éste como del primer disco, que editaron bajo el nombre de “Nuevas mezclas”. Personalmente creo que se podían haber ahorrado el viaje, porque aunque las mezclas son correctas, se cargaron toda la espontaneidad y gracia de las mezclas originales. En fin, cosas del esnobismo de la época. Era costumbre –porque daba prestigio aunque grabaras en un cuchitril- irse fuera a grabar discos, como si en España no hubiese entonces buenos estudios, buenos técnicos y buenos músicos.

La historia de EUDLF termina en 1995 -tras la edición de siete magníficos discos- en que los dos componentes del dúo dan por acabada la andadura que comenzaron juntos. Por separado, Quimi ha editado varios discos en catalán, fiel a sus peculiaridades como autor-productor, y, Manolo, ha continuado con una carrera tan exitosa, como la que disfrutó junto a su compañero, aunque más predecible y reiterativa en unos esquemas, en mi opinión, ya agostados; carrera, por cierto, en la que paradójicamente, debe buscar hueco en las emisoras de radio entre la legión de torpes imitadores que le han salido: remedos que en su mayoría no le llegan ni a la suela de los zapatos.

Bueno, no me quiero extender mucho más. Solo recomendar a cualquier aficionado a la música que si no se ha acercado a este disco que lo haga porque es de esos cedés que hay que tener y escuchar con suma atención. Es una obra maestra, o eso me parece…

abuineitor

Tontxu-Corazón de mudanza

2008-06-25T02:24:00.000-07:00

La discografía en solitario de Tontxu , hasta el momento, está formada por seis trabajos: Se vende (1997), Corazón de mudanza (1998), Con un canto en los dientes (2001), Básico (2003), Contacto con la realidad (2004) y Cuerdas vocales y consonantes (2005).

El único que no tengo es el último, Cuerdas vocales y consonantes, pero para quien tenga interés, puede escucharse casi en su totalidad en la página web del autor. De todos los discos, los que más conozco son Corazón de mudanza y Con un canto en los dientes, en ambos incluye canciones que me gustan especialmente, pero hablaré de Corazón de mudanza ya que es lo primero que conocí de Tontxu. El propio autor indica en su web que éste es el trabajo que menos acusaría el paso del tiempo, debido a lo atemporal de sus arreglos y contenido, agradeciendo esta cualidad al músico y productor Julio Pereira, que colaboró con él en este trabajo.

Si no recuerdo mal, las canciones incluidas en este CD, que se hicieron más populares, fueron "Treinta y tantos" y "Corazón de mudanza", ambas hablan de separaciones y comienzos, para mí unas letras muy acertadas en las que sabe describir a la perfección tales situaciones.

Me gustaría destacar "Gila", dedicada a ese artista, le hace un gran retrato, supongo que quien no conozca el humor de Gila no podrá entender de ninguna manera la canción, pero quienes disfrutamos de sus pequeñas historias, tan absurdas e inteligentes, podemos igualmente disfrutar de esta canción, que empieza con una de sus historias imposibles:

Nació, no había nadie en casa
y él nació.
Y con razón, su madre se enfadó:
"No quiero que se repita, y nazcas
cuando yo no estoy"…

Es un homenaje precioso, con un estribillo que lo resume de maravilla:

Camisa roja como el corazón,
tu vida se merece una canción,
tus cintas guardo en un cajón

En realidad este disco me gusta casi al completo, todas las canciones tienen su punto, otras dos que destacaría son "Mientes" y "Madrid-Barcelona":

Ojalá que el destino me vuelva a traer,
yo prometo llamarte, no lo olvidaré
que lo tuyo y lo mío me huele ‘molt bé’
todavía no la he vuelto a ver.

Pero aunque esté hablando de Corazón de Mudanza no quiero dejar pasar una de las canciones de su disco Con un canto en los dientes, que tiene mucho de especial para mí y seguramente para todo el que se pare a escucharla, "Que haría yo sin ti" que la dedica en su disco a Marina Rossell, a Rogelio Botanz y a Violeta Parra, porque ¿Quién no tiene que darle gracias a la vida?...

Y para terminar, vuelvo a Corazón de mudanza con una última canción, que como el cantautor explica: "Puedo ser yo, puedes ser tú, pero seguramente será otro. A Libertad 8, es "Aplausos", y que a mí me gustaría dedicarle (con permiso del autor) a todos los amigos que he tenido la suerte de conocer y que se dedican a eso de hacer canciones:

Tuvo la suerte de encontrarse una guitarra en el salón,
y el misterioso don de darle vida a una canción,
el miedo de cantarla un día desapareció,
y a base de enfrentarse con el público aprendió.
Entonces llegaron las flores y regalos
lo bueno y lo malo que tienen los aplausos.
Tuvo y todo lo que tuvo lo ha dejado de tener,
pero a pesar de todo no dejó de componer,
anoche me contó que ha terminado una canción,
que nadie por desgracia escuchará y es la mejor..

Corazón de mudanza está publicado por EMI-ODEON S.A. en 1998. Todos los temas compuestos por Tontxu.

Canciones del disco:

Que fue aquello
Treinta y tantos
Temprana
Madrid-Barcelona
Corazón de mudanza
Mientes
Aplausos
Gila
Todos dicen te quiero
Copas en un bar

María Gracia Correa

Rebeca Jiménez-Todo llegará

2008-06-20T12:15:00.000-07:00

Una vez dijo el genial Víctor Alfaro que ésta era la bitácora de los cantautores perdidos (o algo así). Sin quitarle ni un ápice de razón –que la tiene- este comentario va a desmentir esa apreciación, espero, porque va a tratar de una de las novedades de este año 2008, de mayo, nada menos. Y es por culpa, o mejor, gracias a Víctor, que yo he descubierto hace bien poco a esta cantautora segoviana, afincada en Madrid.

Este es un disco de estreno de un carrera, confiemos que larga, como cantautora, de alguien que ya lleva tiempo tocando e incluso trabajando para músicos de diverso pelaje. Lo primero que llama la atención es la portada: un magnífico retrato en blanco y negro del perfil de Rebeca Jiménez que ya anuncia un fuerte carácter. Una melena lacia y algo salvaje; una mirada perdida, unos labios agridulces; una frente ancha e inteligente como para colmarla de besos paternales y una nariz con una vigorosa personalidad, solo comparable a la que tiene su sólida y rota voz, siempre cabalgando por encima de un porfiado piano que ella misma se ocupa de tocar.

Es curioso porque lo que más me gusta de ella, su hechizante y fascinante manera de cantar, parece una especie de evolución personal tras la escucha de intérpretes muy significadas que no enumeraré. Y lo comento, porque hace tiempo (en you tube se puede ver) Rebeca hizo una versión de “Chica de ayer” de Nacha pop, que no tiene nada que ver con lo que a día de hoy ofrece: sonido americano a raudales, algo de rock y soul de manual y mucha pasión y credibilidad en lo que cuenta y en lo que canta.

Pese a que con este disco creo que se inicia un más que prometedor discurso vital-musical, estoy convencido de que a Rebeca le queda todavía mucho camino que recorrer (especialmente como letrista) y muchas sorpresas musicales que regalarnos.

1. “No sé si lo hice bien”

2. “Antes de marchar”

3. “Te queda mi amor”

4. “Despertarme contigo”

5. “Tú o nadie”

6. “Calada hasta los huesos”

7. “Nada importa tanto”

8. “Todo llegará”

9. “Nefertiti blues”

10. “Avión en picado”

11. “Para volar”

12. “Me emborraché de ti”

13. “Acaba de empezar”

Mi corazoncito se siente subyugado con canciones como “Te queda mi amor” que me recuerda a los Fleetwood Mac en su feraz etapa matrimonial; o con “Nefertiti blues” que tiene una atmósfera tan densa que se podría engullir a cucharazos cual papilla infantil (bravo por Rebeca y por el batería).

La eficaz y algo cruda producción corre a cargo de Carlos Raya, productor (y guitarrista) habitual de Quique González. Las tomas (¡bien!) en directo en gran parte; con entregados músicos acompañando, aunque, a veces, se echa de menos alguna que otra sorpresa en forma de instrumento, o que en las baladas, por ejemplo, el guitarrista –que no es Carlos, creo, sino su hermano Mario- utilice algún efecto distinto del trémolo.

Y sí, ya sé que Rebeca cantó en “Kamikazes enamorados” el disco más desabrido y atribulado de Quique González, pero no se parece a él cantando como dicen por ahí, sino a Carlos Chaouen... o eso me parece a mi.

abuineitor

Amancio Prada-Navegando la noche

2008-06-01T11:47:00.000-07:00

Caballo blanco

Novia de leche
Rey de tu vientre
Mariposa
Tengo en el pecho una jaula
Otoño
Vieja dama
Semáforo
Almohada

Algunos cantautores pueden contar en su anecdotario personal que han conocido a fulanito o a menganito, o que han cantado cumpleaños feliz a zutanito; sin embargo, pocos pueden presumir de haber compartido escena con el mismísimo George Brassens (en 1973), padre de la canción de autor moderna. Bien, pues Amancio Prada pertenece a esos pocos privilegiados.

Este dato por sí solo ya nos da una idea de la calidad del personaje del que estamos hablando. Así lo han visto aquellos que han reconocido en su obra un gran talento y un perfeccionamiento sin igual, y le han otorgado, consecuentemente, meritorios premios y reconocimientos a lo largo de su ya lata carrera.

No obstante, como aquí de lo que se trata es de comentar discos, no vamos a enumerar sus merecimientos. Y por lo tanto, voy a comentar un disco con el que me he tropezado casi por casualidad hace escasamente una semana, aunque fue editado en 1988. Este disco tiene la peculiaridad de que no hinca sus puntales en textos de poetas clásicos como ya hiciera antaño Amancio con San Juan de la Cruz, Federico García Lorca o Rosalía de Castro; sino que nace como resultado de una feraz colaboración con el conocido escritor y columnista de diarios y revistas Manuel Vicent.

Según tengo entendido, las letras tienen su origen –precisamente- en columnas escritas y publicadas en un periódico con anterioridad, y son elaboradas por ambos, cantautor y escritor, para convertirlas en canciones. Lo que en principio puede parecer una tarea singular y un punto ímproba, pues sorprendentemente arroja como resultado unas canciones espléndidas, tinturadas de una melancólica poesía urbana que la meliflua y saudadosa, valga la palabra, voz de Amancio no hace sino acentuar. Y menciono esto porque la gran protagonista de la grabación es la ciudad, no importa en realidad cual, vista con los ojos de quien la conoce bien y la ama, así como ama a los distintos personajes, de muy diferente pelaje, que la habitan y le dan razón de ser en suma. Tema este, perfectamente amalgamado y trabado con una música siempre elegantísima y suavemente pop; ornada con dulces guitarras y suaves percusiones por encima de las cuales reina una voz contenida pero extraordinaria: la siempre prudente y tierna voz de Amancio.

Curiosamente el disco se llevó al directo por parte de los dos autores, escritor y cantautor, en la Universidad de Málaga, combinando la lectura de los textos originales con la interpretación de las canciones en que se convirtieron. Una propuesta muy particular, muy especial sin duda, y a la que lamento no poder haber asistido.

Esta vez no quiero comentar las canciones porque tras escuchar repetidas veces el disco (cd) he llegado a la conclusión de que es mucho mejor ir descubriendo las delicias musicales que oculta lo más libre de juicios o prejuicios posible, de la manera más inmaculada posible. Y vale. Que suene la música...

abuineitor

Joan Manuel Serrat-Cançons tradicionals

2008-05-13T11:43:00.000-07:00

El testament d'Amèlia
La presó del Rei de França
El comte Arnau
La cançó del Lladre
L'estudiant de Vic
La Dama d'Aragó
El ball de la civada
Cançó de batre
El rossinyol
La presó de Lleida

Cuando te cansas de leer que el colectivo Els Setze Jutges despreciaba el folklore catalán como fórmula de expresión, debido a la utilización que el régimen hacía de él para demostrar la cohesión de España a través de sus diferencias, y te encuentras con este álbum, uno de los primeros de Serrat, te das cuenta que conviene revisar los conceptos. Cançons tradicionals es un álbum compuesto en su integridad por canciones tradicionales en lengua catalana, la mayoría de Cataluña, pero interpretadas sin ningún tipo de aditivo político, ni siquiera regionalista, a primera vista, como hizo Josep Maria Espinàs, uno de los fundadores e ideólogos de los Jutges, con la tonada de "El mariner" ("A la vora de la nit"). Por otro lado, no son interpretadas estas canciones al modo tradicional, sino que se les añade el acompañamiento normal que solía tener la música inicial de los cantautores de este colectivo, es decir, además de la guitarra de Joan Manuel, una pequeña orquesta dirigida por Salvador Gratacòs y con los arreglos de Antoni Ros-Marbà: 8 violines, 3 violas, 2 violoncelos, un contrabajo, 2 flautes, una flaute dulce, un clarinete bajo, oboé, cuerno inglés, fagot, 3 trompas, 2 trompetas, un trombón, una tuba, 2 fiscornos, tenora, tible, arpa, piano y percusión. El resultado es una música tranquila y agradable, a veces melancólica y otras alegre como contrapunto perfecto a la nostálgica voz de Serrat. El disco cuenta además, en su carpeta interior, con un resumen teórico de la canción tradicional catalana y notas a cada una de ellas escrito por Oriol Martorell. Cançons tradicionals se puede considerar un disco de folk, en cuanto que se trata de la re-interpretación del cancionero tradicional y popular catalán, y no una simple interpretación al estilo de la música de raíz que por entonces había comenzado Joaquín Díaz con el cancionero castellano. Por otra parte, tampoco se trató de realizar una reinvención musical total de estas canciones, sino de añadirles un acompañamiento más sinfónico. Encontramos en el disco canciones tradicionales y/ o populares catalanas de distintos tipos: romances históricos, canciones de trabajo, bailes campesinos, tonadas populares, con toda la sabiduría popular que esto conlleva.

Romances:-"El testament d'Amèlia" es un misterioso romance histórico que nos cuenta la historia de una joven princesa que enferma de amor porque su marido le es infiel con la madre de ella. Según Martorell, por una palabra que se dice en el texto, la desafortunada princesa podría ser Mahalta o Mafalda, nombre que correspondía a la mujer de Ramón Berenguer, Cap d'Estopa, y a la hija de Ramón Berenguer III.

-"La presó del rei de França" cuenta, por su parte, el histórico apresamiento de Francisco I, primo de Carlos I, tras su derrota al intentar la invasión de España cuando disputaba con Carlos V su derecho de sucesión al Imperio Alemán. Se trata de una reinterpretación de los sentimientos del rey francés y de su esfuerzo para liberarse enviando un mensaje a su esposa para pagar el rescate. Esta canción viene acompañada por un acompañamiento musical victorioso y marcial, propio de las marchas militares y de las marchas reales.

-"El comte Arnau", una canción cuya supuesta antigüedad quedó rebatida por la investigación, narra por su parte, con un excelente aire medieval trovadoresco, cómo el fantasma del conde Arnau, muerto en batalla, visita a su esposa y mantiene un diálogo con ella, pidiéndola dejar que se llevara a una de sus hijas para mitigar el sufrimiento del otro mundo, penas que se las ganó bien en vida y que tendrá que pasarlas en soledad, como le sermonea la condesa. Este tema fue tratado en poesía por gente tan importante como Joan Maragall y Josep Maria Sagarra.

-"La dama d'Aragó" es, tal vez, a mi parecer, una de las mejores canciones del disco, y, por extensión, una de las que mejor interpreta Serrat. La información que ofrece Martorell no desvela la identidad de tan misteriosa y bella señora, salvo por un verso que dice que es hija del rey de Francia y hermana del de Aragón. El texto es de una belleza incalculable, dotando a la descripción de la esbelta dama los caracteres propios del sol, e insistiendo en el amor que despertaba en todo aquel que la rodeaba, incluido su propio hermano.

Canciones populares y de trabajo tomadas de aquí y de allá de la amplia geografía de habla catalana, Serrat nos canta algunas de las canciones más populares de Cataluña, todas ellas bien conocidas por etnólogos, etnógrafos y musicólogos:

-"La cançó del lladre" (la canción del ladrón) es una historia narrada en primera persona sobre un ladrón desde su más tierna y holgazana infancia. El refrán "Adiós clavel morenito, adiós estrella del día" se nos revela sólo al final, cuando nos cuenta que ha sido condenado a muerte, y la canción adquiere el sentido de ser una confesión de arrepentimiento voluntario ante lo inminente.

-"L'estudiant de Vic" (el estudiante de Vic) es una de aquellas tantas canciones que abundan en la música popular de todo el mundo, dirigidas a adoctrinar a las hijas con su moraleja final. Nos cuenta de cómo una viuda queda enamorada de un estudiante, con la oposición del padre de ésta, y queda embarazada de él, pero éste huye. La moraleja final venía a decir: "Niñas que venís al mundo, no os fiéis de gente de libros"; parece ser, por las notas de Martorell, que el estudiante era un tipo social de la Edad Media, que se debatía entre el mundo clerical y el seglar.

-"El ball de la civada", el baile de la cebada, es una canción de trabajo que después se transformó en baile en las fiestas que celebraban el final del tiempo de la cosecha. Mucho más tarde se convirtió también en danza indispensable en los salones de la burguesía catalana, y llegó finalmente al siglo XX como una danza de juego infantil.

-"Cançó de batre", canción de carro, es una tonada popular de trabajo que se ha conservado con mayor pureza en Mallorca. Se canta a capella, con una extraordinaria técnica vocal, como en todas las canciones de este tipo, y así nos la canta Joan Manuel, desintrumentalizada y conservando los "¡arre!" (arri!) que se supone lanza el cochero a su mula mientras canta y conduce su carro.

-"El rossinyol", el ruiseñor, es la mejor canción de todo el disco, por su acompañamiento musical, por la cuidada interpretación vocal de Serrat y por lo delicioso de la letra. El tema, clásico donde los haya, es el de la muchacha mal casada y a la fuerza, que le da a un ruiseñor un mensaje para su madre, pues ha perdido el rebaño que su marido le hizo cuidar y con el que su padre la hizo casar a la fuerza. Es el típico tema de desesperación ante una situación insoportable.

-"La presó de Lleida", la prisión de Lérida, es la canción que cierra el disco. Con un acompañamiento fúnebre, nos cuenta de cómo la hija del barón se conmueve al oír la canción de los presos y pide su indulto al padre. La canción tenía otras variantes, siendo una de las más famosas "La presó de Napols". Si, tal vez, haya en el disco alguna canción con intención política, sin duda es ésta, en lo tocante a los presos políticos: se podría argumentar que no, porque la letra de la canción es así y no tiene ningún añadido; pero se podría argumentar también que sí, porque fue el propio Joan Manuel Serrat el que decidió cantar esta hermosa canción: no sería la primera, ni la última vez, en que un cantante en lugar de crear un texto de protesta cogiera para la misma finalidad un texto antiguo tradicional o popular, asegurándose de esta manera escapar, aunque fuera en cierta medida, a la censura y a la sospecha. Pero si tal vez Serrat no quiso darle ninguna intención política, sí se la dio Marina Rossell cuando tomó en 1970 esta canción y la cambió la letra, sustituyendo a la hija del barón por el carcelero (y cambiando así totalmente el sentido de la canción) y al barón por el gobernador.

En conclusión, si bien el disco, raro, podríamos decir, en comparación con toda la discografía de Serrat en general, no supone un grupo de canciones reivindicativas, ni una reinvención de la canción tradicional, sino una interpretación tal cual, pero sin caer en el purismo propio de un cantante de música de raíz, constituye un buen y gran trabajo, agradable y delicioso al oído.

Gustavo Sierra

Josep Andújar "SE"- Agulles de cap

2008-05-06T10:35:00.000-07:00

“No abandonis mai
l´infant que portas dintre”

Este disco es el último trabajo, hasta el momento, de un cantautor que descubrí hace unos años. Sólo quien lo busca lo puede encontrar, no sale mucho de su tierra, Sant Feliu de Guíxols, en Girona. Él mismo cuenta que trabaja solamente para quien lo quiera escuchar.

Las canciones de este autor siempre están impregnadas de aires marineros, de hecho, tomaré las palabras con las que se presenta este disco en su página web, dice que en el fondo, Josep Andújar es un pescador con una guitarra en las manos que hace uso de su capacidad de comunicar con palabras sencillas, unidas a una armonía que transporta con su principal instrumento, una voz cálida y grave. Es una buena manera de definirlo, quien conoce su música sabe que es así. Aunque utiliza una gran cantidad de estilos musicales, todas sus canciones llevan un sello propio y personal.

Quizás las canciones que más lo caracterizan en general son las que se pueden enmarcar en lo que se llama “Canción de taberna”, también las habaneras o las canciones con tintes irónicos y en las que crea un ambiente de complicidad con su público son muy propias del artista. Para mí, sin embargo, lo fundamental de este cantautor es lo que se podría catalogar como sus “viajes interiores”, cuando habla de despedidas y reencuentros, de amores perdidos y desamores, de soledades, del destino que cada uno se busca y sobre todo del mar.

Cuando yo lo conocí hacía poco que había publicado su disco “Confessions d´un solitari” (2003), me hizo gracia la confesión que se hacía en el estribillo del tema principal: “Confessions d’un solitari que passava per aquí, que ha buidat l’abecedari per quatre coses que ha escrit.”

Me gustó el trabajo, y ya busqué toda su discografía, que está compuesta por una maqueta “Ho he fet per tú” (1995) que incluye una canción (Pare Joan) grabada en 1984 junto a Josep Mª Bardagí, y cuatro trabajos publicados, el primero de ellos en 1999. “Viatge interior”, es mi preferido, en ese disco está incluida una canción para mí muy especial, que siempre llevo en mi mp3, “No sé si t´han dit” que viene a ser algo así como “No se si te han contado…”, el siguiente fue publicado en 2001 “Minuts impossibles”.

“Agulles de cap” fue editada en Música Global Discográfica y publicada en 2005, todas las canciones con letra y música de de Josep Andújar “SE”.

Se podría decir que los temas principales son los dos primeros, Agulles de cap (alfileres), que le da título al disco, es una de mis predilectas, muy al estilo de “SE”, va describiendo una situación tremenda de ruptura sentimental, lo hace basándose en los pequeños detalles, en los restos del naufragio, cosas simples y cotidianas que son las que quedan en la memoria, lo hace empezando por el final de la historia, en un tono entre melancólico e irónico, una preciosidad con una melodía que le va a su medida:

“Avui t´he de donar una mala noticia:
on hi havíes clavat mil agulles de cap, hi neix una caricia……..
Per si aprens a volar, no la tornis a errar: busca´t un escolà que et digi que t´estima
perquè no és suficient inundar-te de temps; cal fer la pantomima.
Doncs abaixo el teló, no et demano perdó…que no estic per comèdies;
faré un cop de timó per no ser el cantautor de petites tragédies…”

El segundo tema “Amor prohibit” es la canción más llamativa, por la estética pop que utiliza, el disco incluye un videoclip con esta canción, que puede descargarse también desde su página web.

Como en todos sus trabajos, “SE” incluye algunas canciones en tono de burla, una de ellas, especialmente mordaz y que me hace reír cada vez que la escucho es “les rates”, su estribillo: “Pels replans conspiren les rates”, en ella hace una parodia de lo que se mueve por una comunidad de vecinos especialmente perversa, donde todos se conocen la vida de todos y se critican entre sí por los descansillos de la escalera…todo bajo la mirada de su protagonista, que por cierto resulta ser el “Okupa” del edificio, al que le da absolutamente lo mismo el cotilleo de la vecindad, una canción genial que da un repaso a la vida de todo el vecindario en alta velocidad.

Pero para terminar mi comentario me gustaría dejar aquí la letra completa de una canción que representa el perfil más poético y dulce del cantautor y que a mí personalmente es el que más me gusta, habla de despedidas; es una canción nostálgica, su música no podía ser otra que la que le ha puesto Josep Andújar, transporta a quien la escucha al mediterráneo y a su cultura marinera.

L’última boira, (La última niebla,)
l’últim petó (el último beso)
i a la mirada (y en la mirada)
un bri de por. (una brizna de miedo.)
L’última esquerda (la última grieta)
del nostre adéu (de nuestro adiós)
tot ho vaig perdre (todo lo perdí)
a cara o creu. (a cara o cruz)
L’última nota, (la última nota,)
l’últim acord, (el último acorde,)
l’última estrofa (la última estrofa)
d’una cançó. (de una canción.)
L’últim prestatge (el último estante)
dels meus records, (de mis recuerdos)
i una carícia (y una caricia)
morta en el cor. (muerta en el corazón.)
L’últim viatge (El último viaje)
prop del teu cos, (cerca de tu cuerpo)
l’últim t’estimo (el último “te quiero”)
partit per dos. (partido por dos)
L’última carta (la última carta)
sense segell (sin sello)
i el teu somriure (y tu sonrisa)
a flor de pell. (a flor de piel.)
L’últim missatge, (El último mensaje,)
l’últim esglai, (el último sobresalto,)
les hores trencades (las horas rotas)
i el buit de l’espai. (y el vacío del espacio.)
Pare, et duc dins del cap (Padre, te llevo en la mente)
com el vent a les fulles, (como el viento las hojas)
i tinc els ulls negats (y tengo los ojos anegados)
quan l’ànima es despulla. (cuando el alma se desnuda.)
Tot sovint m’he aturat (De repente me he detenido)
a les nostres vides (en nuestras vidas)
sé que et tinc al costat (se que te tengo a mi lado)
i que encara m’estimes. (y que todavía me quieres)

Canciones del disco:

Agulles de cap
Amor prohibit
A la llum del far
Ballant sobre la lluna
L´última mirada
Les ferides dels hams
Un planeta a la teulada
Per un instant
Borratxo perdut
Carrers petits
Com un joc
Les rates
Amor prohibit (videoclip)

María Gracia Correa

Mercedes Ferrer-Entre mi sombra y yo

2008-04-13T08:37:00.000-07:00

Podríamos enumerar muchos adjetivos laudatorios sobre esta ópera prima de Mercedes Ferrer y todos se ajustarían bastante a la realidad; que no es otra sino que se trata de un gran disco. Sin embargo, personalmente, yo daría un paso más: este disco es una (desgraciadamente poco conocida) obra maestra de la música española.

Recién aterrizada de la Sorbona parisiense llega a mediados de los 80 esta cantautora en plena ebullición nuevaolera nacional y forma un dúo/grupo con el excelente percusionista –y batería claro- Carlos Torero, llamado La Llave. Con él gana el VII trofeo de rock Villa de Madrid (como curiosidad diré que en esa edición yo participaba con uno de mis primeros grupos) e inmediatamente después surge la posibilidad de grabar un disco, situación que hará que Carlos se desvinculara del proyecto para no atarse a nadie (Carlos tocaba con muchos grupos entonces hasta que recabó en Radio Futura) y provoca el inicio de la carrera en solitario de Mercedes y la búsqueda de banda de acompañamiento. Consigue fichar para su proyecto personal a dos músicos fundamentales para la grabación del disco que comentamos: Fernando Illán bajista que ya había colaborado en La Llave y José Antonio Romero guitarrista de muchos grupos y solistas (entre otros Hilario Camacho o Joaquín Sabina) que provenía del grupo Quinto Congreso. Para rematar la faena, el percusionista y co-productor del disco junto a Carlos Narea será Sergio Castillo.

El resultado de este récipe musical, con el ingrediente esencial de la propia cantautora por supuesto, es una fórmula magistral, inusitada y muy inteligente, extravagante y perfecta, extraña, y, en cierto modo, arrebatadoramente turbadora. Las canciones se nutren de diferentes pinceladas estilísticas trabadas de una manera ingeniosa e imprevisible: sonidos de jazz, de rock, ambientales, electrónicos, pop elegante, funk salvaje, vanguardia contemporánea, reggae, etc. Todo ello arreglado con unos fogosos bajos, unas desquiciadas guitarras y unas aguerridas baterías que son la tramoya y el lecho, la lógica orgía sonora para que la sublevada voz de Mercedes construya unas difíciles y audaces melodías.

EL GOLPEADOR /
EL ARTE DE ANDAR/
LOU SALOMÉ /
TODOS LOS GRITOS /
EUROPA /
EL MIEDO A LAS OLAS /
A SANGRE FRÍA /
ENTRE MI SOMBRA Y YO /
ZULEMA /
COMO UN CAMALEÓN /
CREENCIA Y CAÍDA/

En las letras se nos habla -en general- de forma algo errática y deliberadamente imprecisa, de sentimientos muy humanos; de boxeo, de una modelo alcohólica, de Lou Andreas Salomé: personaje femenino decimonónico que compartió amistad y más cosas con Nietzsche, Rilke, Freud, etc... de Europa, de ciudades, de filosofía personal... En concreto, aunque todo el cancionero es de un magisterio que aturde, no puedo resistirme a indicar las canciones que más me fascinan: "El arte de andar" esa historia de autodestrucción con percusiones tratadas con efectos de retraso (delay) y una inquietante línea melódica; "Europa" soberbia muestra de endiablado ritmo mixturado con una agónica secuencia de acordes, un bajo que es una ametralladora inmisericorde y unas guitarras soleando por alturas de vértigo junto a una voz violenta e inexplicable en términos de sensualidad que acusa en su texto a nuestro continente -sin piedad- de sus pecados históricos; "A sangre fría" cuyo inicio hermana mágicamente dos ritmos que en principio parecen repelerse cual imanes con polos iguales, para acabar desaguando en un riff apocalíptico y un muestrario de gritos belicosos que denuncian a un personaje poderoso y siniestro.

Lamentablemente (estamos en España señoras y señores) no hay edición en cd del vinilo original de 1986 aunque todavía es posible encontrar un cd doble que incluye este disco junto al segundo de Mercedes "Tengo todas las calles" de 1988, editado por Lollipop en 2001.

abuineitor

Andrés Sudón-Brujo

2008-03-21T13:52:00.000-07:00

En esta sociedad enferma por el culto al éxito y al fracaso; al dinero y a la fama; al poder y al lujo; en este mundo ahíto de vulgaridad y empapuzado de cretinidad con irrespirables aires de señorío, digo, es de agradecer que de vez en cuando alguien se atreva a ser fiel a sí mismo y a jugar en el lado más colmado de penumbras y arriesgado del arte. En este sentido, esta es una de esas obras de rara belleza e intrincada asimilación, pero también indispensable manual para supervivientes de lo mediocre que nos rodea.

Meter una maceta en un cajón

es como hablar de la muerte despacio,

es mirar a la diestra contento,

sin tiento,

es amor destetado,

¿Qué lado no quiero si mañana la estiro?

¿A qué querer miro si muero?

Ya que espero callado lo hallado es cambiante,

lo poco gigante

y sudo natillas.

Y adiós al cemento del aire

que sólo me quiero vivir

para hacer requesón con la leche cortada,

para verme el risoreo desnudo,

para ir a aburrirme en El Viejo,

para dar la propina al Diablo,

para entrar en el interactivo parloteo infinitivo

que a ratos me gusta soltar,

para ser la cuestión o no ser,

para hablar de las viejas mentiras,

para hacerme un abanico con las tiras del

vestido que te sobra,

para ser una zorra buscando gallinas,

para curarme las anginas,

para echarte de menos -cabrona-,

para hacer alguna broma,

para, por, según, sin, sobre, tras,

la vida que has dejado se va...

Ah, Mariposa Gutural.

A la hora de la lluvia somos uno,

somos sombra,

no se asombra si se asoma a lloverse mi nariz

(el patio de mi casa es recticular y como siga lloviendo se va a resquebrajar)

¿Qué lado no quiero si mañana la estiro?

¿A qué querer miro si muero?

Ya que espero callado lo hallado es cambiante,

lo poco gigante

y sudo natillas.

La primera vez que escuché hablar de Andrés fue en labios de Hilario Camacho quién me lo recomendaba cariñosa y encarecidamente como uno de los jóvenes cantautores más interesantes. Para quién no le conozca hay que decir que pese a su juventud, el salmantino Andrés Sudón lleva ya unos cuantos años actuando por toda España y grabando canciones en diferentes proyectos, sean estos discos o maquetas o bien discos comunitarios; por ejemplo, Andrés participó en la segunda entrega del mítico disco de Cantautores II, La Nueva Generación con la canción "Esternón" en 1998.

El disco que comento –Brujo- fue su segundo disco puesto que anteriormente había grabado otro titulado "Imaginación". A diferencia del primero que se grabó solamente con guitarra y voz y en una sola tarde (eso es eficacia) este segundo se hizo en algo más de tiempo –7 meses- y además contando con la colaboración de muchos músicos, y entre ellos, por supuesto, se encuentra su compañero de tantos conciertos y amigo Oscar J. Martín, siempre compenetradísimo su violonchelo con la voz y guitarra de Andrés y ayudando también en la dirección del proyecto.

1.- Viernes y medio
2.- Como beso a quemarropa
3.- Probemos en el mar
4.- El número tres
5.- Cantar de brujo
6.- Imaginación
7.- Alma azul
8.- Tengo aquello que nadie puede tocar
9.- Mariposa gutural
10.- De Otoño

Tratar de explicar el por qué de estas canciones sería como tratar de recoger agua con una cesta o como tratar de explanarse con lo que sucedió antes del segundo generador que precedió al nacimiento del universo. Me limitaré a citar las que más me gustan: como "El número tres" dulce tonada con la colaboración de otro genuino francotirador como es Carlos Chaouen; "Cantar de brujo" con aires árabes y programaciones y un metrónomo inquietante; "Imaginación" un milagro de sencillos versos y melancolías y percusiones con carácter; y por supuesto "Mariposa gutural" de la que arriba transcribí la letra entera, que ya el título lo dice todo, la cosificación más absoluta de la imposibilidad más exquisita hecha posibilidad sensitiva, vamos, que para mi roza lo increíble en el submundo cancioneril dicho sea lisa y llanamente. Y en el último tema, como guinda, recita un poema el poeta Antonio Colinas.

Antes de despedirme de este viaje musical me gustaría recalcar, por si no ha quedado claro todavía, que para mí, Andrés es uno de esos cantautores, como Pablo Guerrero, por poner el mejor ejemplo, en los que la poesía y la calidad de las letras resultan tan abrumadoras, que, a veces, uno pone en duda que lo que estemos escuchando sean canciones y no poemas musicados. Disfrútenlo.

abuineitor

Luis Eduardo Aute-Rito

2008-03-02T16:30:00.000-08:00

Antes de comenzar a escribir sobre este disco, quiero hacer una aclaración, para que nadie se pueda llevar a engaño, comentando discos de Luis Eduardo Aute yo no soy objetivo. Todos los autores que a lo largo de los años me han gustado, me han influenciado en mayor o menor medida, tanto humanamente como en mi faceta de músico, pero estoy totalmente seguro que yo no entendería la música de la misma manera que la entiendo de no haber existido Aute.

No me quiero extender en detalles biográficos, ya que hay muchas y muy buenas biografías publicadas en Internet, pero a modo de anécdota podemos decir que Luis Eduardo llegó de forma casual al mundo de la música, ya que lo suyo era la pintura. Hasta ese momento, sus canciones o cantadas por otros o por él mismo habían tenido un gran éxito, lo que le proporciona bastante independencia y el compromiso, tanto de la compañía discográfica como del productor (el poeta José Manuel Caballero Bonald) de no tener que aparecer en televisión ni de dar recitales.

Con este disco, “Rito”, subtitulado “Canciones de vida y muerte”, editado en 1973, inicia la trilogía “Canciones de amor y muerte”, que completaría con los discos “Espuma” (Canciones eróticas) y “Sarcófago” (Canciones de muerte). Es para mi gusto el mejor de todos los discos de Aute, donde coinciden un aluvión de estupendas canciones. Efectivamente, esta es otra apreciación personal y por lo tanto subjetiva, pero no debo estar tan equivocado cuando treinta años después, entre los dos discos que editó bajo el título de “Auterretratos”, en los que hacía nuevas versiones de sus canciones más importantes, volvió a grabar diez de las quince canciones que están en el disco.

Los arreglos del disco y la dirección musical corren a cargo de Carlos Montero (magníficos para mi gusto). De las canciones, ¡qué podemos decir!, entre los títulos de este disco se encuentran varias de las más importantes y conocidas canciones suyas.

El disco comienza con una maravilla titulada “Quiero apurar cada grano de arena”, que personalmente tuve que esperar hasta 1984 para escuchársela cantar por primera vez en un concierto, fue en la presentación del disco “Cuerpo a cuerpo”:

“Quiero beberme de un golpe la fuerza
tenue que apenas me sigue empujando
y alimentar olvidadas quimeras,
nubes dormidas, juguetes primarios,
oso de trapo, levántate y peca
desde tu polvo curado de espantos.”

A continuación viene “Rito de agujeros y cipreses”, un título más que sugerente, muy acorde a la temática del disco. Tras esta viene una de sus canciones más conocidas, “Dentro”, con una temática nada común y mucho menos en aquellos tiempos, ya que la canción habla de la masturbación:

“Dentro
me quemo por ti,
me vierto sin ti
y nace un muerto.”

Continúa con “Amor” y después “Lecho de amor y de muerte” y a continuación otra de sus canciones más importantes, “De alguna manera”, que ya era una canción muy conocida, ya que había sido grabada anteriormente por Rosa León.

Termina la primera parte del disco (yo sigo pensando todavía en formato “Cara-A” y Cara-B”, que es como he oído este disco la inmensa mayoría de las veces) con “Estúpida manía circular”, que trata del paso del tiempo. Comienza la segunda parte con una dura canción “La mala muerte”:

“Muerte gula eterna, te invito a mi comida
Muerte hambrienta esposa, mi carne esta servida
Muerte boca sucia, devórame bonita
Mala muerte tengas, ¡ay!...
ay muerte de mi vida.”

La siguiente es otra magnífica canción, “Acaso”, una obra de arte con unos arreglos magníficos. La siguiente es “Mientras tanto amando”, una de las canciones del disco que más desapercibidas han pasado a lo largo de estos años y tras ella viene “Cuéntame una tontería”, una canción que produce un escalofrío al oírla, ya que en ella habla sobre la espera de la muerte, de forma distendida, pero por ello te estremece.

A continuación viene una de las canciones más importantes que se han escrito en la historia de la canción de autor en castellano, “Las cuatro y diez”, una mítica canción:

“Fue en ese cine, ¿te acuerdas?,
en una mañana al este de Edén,
James Dean tiraba piedras
a una casa blanca, entonces te besé.”

Como es lógico, tras esta maravilla, las siguientes canciones pasaron algo inadvertidas, como ocurrió con “Hay algo en el aire” y “Nada más que nada”, terminando con una inteligente canción titulada “Epílogo: Autotango del cantautor”, en la que Aute se ríe de si mismo en su faceta como “sesudo cantautor”.

En resumen, una maravilla de disco. Prueba de ello es que lo tengo tres veces, dos en vinilo y una más en CD.

Los títulos ordenados de las canciones son:

1- Quiero apurar cada grano de arena

2- Rito de agujeros y cipreses

3- Dentro

4- Amor

5- Lecho de amor y de muerte

6- De alguna manera

7- Estúpida manía circular

8- La mala muerte

9- Acaso

10- Mientras tanto, amando

11- Cuéntame una tontería

12- Las cuatro y diez

13- Hay algo en el aire

14- Nada más que nada

15- Epílogo: Autotango del cantautor

Por cierto, no creo que haga falta aclararlo, pero por si acaso, Luis Eduardo Aute firma todas las canciones, tanto la letra como la música.

Francisco Espinosa

Las Madres del Cordero-Todas sus grabaciones

2008-02-11T08:30:00.000-08:00

Hace mucho tiempo que quería haber hablado aquí de este grupo mítico; tan mítico que solo duró un sencillo con dos canciones, porque lo que se ofrece en este cd de Ramalama, en realidad consiste en una labor de búsqueda y captura y afortunada recuperación de maquetas (que se publicaron en su momento sin el consentimiento del grupo) y de alguna que otra canción mucho más reciente firmada e interpretada por Moncho Alpuente, el alma mater de la banda, y por supuesto de la segunda reencarnación de "Las Madres" que se llamó "Desde a Santurce a Bilbao blues band". ¿ Y por qué editaron solamente un sencillo? pues sencillamente, nunca mejor dicho, porque el grupo formaba parte de ese también mítico montaje teatral llamado "Castañuela 70" detrás del cual se hallaban Juan Margallo y demás compañeros del grupo teatral independiente Tábano, y, al igual que el montaje fue prohibido -estamos en 1970 en España- Las Madres del Cordero fueron censuradas y decidieron cambiar de nombre.

En el grupo musical ejercía de ideólogo y director de orquesta el por mi muy querido Antonio Gómez poeta y escritor de gran finura, primer historiador del cantaurismo nacional, y que ha trabajado en muchos y grandes medios de comunicación de este país, que ha colaborado -generosa y muy sabiamente- en este blog en varias ocasiones, y que es también autor de sobresalientes letras para cantautores de la talla de Hilario Camacho o Antonio Resines (que no es el actor por cierto).

El grupo tomaba su genial nombre de Frank Zappa & The Mothers of Invention dado que eran admiradores de ellos, así como de Jimi Hendrix o Pink Floyd, algo muy mal visto entonces en el mundo de los cantautores, que, como mucho, estaban dispuestos a escuchar a Pete Seeger y prau que diría mi abuelo. Con el sr. Zappa compartían afinidad de nombres y gusto por la sátira y la mordacidad, sin embargo, musicalmente hablando, y salvo algún que otro blues, "Las Madres" sonaban muy nuestras, muy folklóricas -en un sentido nada peyorativo de la palabra; echando mano de instrumentos acústicos y de tonadas muy españolas. De echo, uno de sus mayores éxitos -ya como Desde Santurce a Bilbao blues band- "El hombre del 600" más parece una tuna universitaria que un grupo folk; desde luego ni por asomo uno de pop o de rock. Lo bueno sin embargo son la letras. En gran medida responsabilidad del ingenioso, taimado y divertidísimo Moncho Alpuente, que firma la mayoría. Para muestra un botón: el ya mitológico y primigenio primer sencillo del grupo que incluye las letras de "A beneficio de los huérfanos" y "La niña tonta de papá rico" canción esta última emparentada en temática con ese blues tan jazzy "Les paumes du petit matin"de mi siempre admirado Jacques Brel.

Dentro del repertorio se encuentran también dos canciones de Luis Eduardo Aute que formaban parte también de cuadros de Castañuela 70: "Los fantasmas" y " Canción consumo". Y como muestra de que los miembros de "Las Madres" no solamente eran críticos sino en gran medida autocríticos, también cantan una canción que ironiza con las letras sociales y sus autores: " Al cantante social con cariño" antes de que lo hiciera Georgie Dann -que lo hizo, en una canción- el incombustrible rey de las horteradas veraniegas hasta que llegara el entrañable rock duro agropopero de El Koala.

Que yo sepa, estas canciones, a diferencia de la obra teatral de la que formaban parte, no han sido reivindicadas por nadie. En cualquier my space de cualquier grupo o artista españoles aparecen listados interminables de las influencias que inciden en su manera de entender la música y en la mayoría todo son listados de artistas anglosajones y raramente alguna referencia de otros países. En fin, son los tiempos que vivimos. Sirva esta modesta reseña para reconocer la impagable habilidad de "Las Madres del Cordero" para golear en primera convocatoria a la censura como lo hicieron; sin groserías y sin insultos, sin crispaciones y sin chabacanerías; en una palabra: con inteligencia.

Chapeau, Madres, chapeau.

COMPACT DISC - 1

1 A BENEFICIO DE LOS HUÉRFANOS
2 LA NIÑA TONTA DE PAPÁ RICO
3 LOS FANTASMAS
4 CANCIÓN CONSUMO
5 AL CANTANTE SOCIAL CON CARIÑO
6 YO QUIERO SER (PEQUEÑO BURGUÉS)
7 A PESAR DE TODO
8 DIFFERENT
9 LOS FANTASMAS / DANZA DE LOS ORANGUTANES
10 TODO ESTÁ
11 LAS COSAS VAN CAMBIANDO
12 SOY LA MUJER (CON MASSIEL)
13 EL HOMBRE DEL 600
14 NO SEA USTED ORIGINAL
15 INDEFENSOS VAMPIROS
16 SUPERMAN
17 A BENEFICIO DE LOS HUÉRFANOS / DIFFERENT (CIERRE)

COMPACT DISC 2

1 CAMPANERA
2 PEQUEÑO BURGUÉS (YO QUIERO SER)
3 MUCHACHO NO PIENSES TANTO
4 AL CANTANTE SOCIAL CON CARIÑO
5 PRESENTACIÓN / VIVA EL ROCK,EL BEAT, EL SOUL Y TODO LO DEMÁS
6 TRISTE ESTÁ LA CIUDAD
7 A PESAR DE TODO (DESPEDIDA)
8 EL ÍDOLO (VERSIÓN 2005)
9 LAS COSAS VAN CAMBIANDO (VERSIÓN 2005). CANTA MONCHO ALPUENTE
10 LAS COSAS VAN CAMBIANDO (VERSIÓN 2005). CANTA CURRO FATÁS
11 EL HOMBRE DEL 600 (VERSIÓN 2005)

abuineitor

Joan Isaac-La vida al sol

2008-02-06T06:46:00.000-08:00

Joan Isaac es una de las grandes voces de la Cançó. Este disco que comento fue presentado el 18 de Enero en Barcelona, en L´Auditori, en un concierto al que yo puse asistir. El público de Joan Isaac es un público fiel, que conoce su obra y su trayectoria, y que sabe que nunca defrauda en sus actuaciones. Este concierto tenía además un valor añadido, se presentaba un disco muy emotivo para sus seguidores, y como no podía ser de otra manera, el artista se volcó con el público, acompañado por un sexteto de músicos de lo mejor, entre ellos Enric Colomer al piano y Pere Bardagí al violín. Un gran concierto, reconocido en los días posteriores por todos los críticos especializados.

Las canciones de “la vida al sol” tienen un color especial, aunque básicamente cumplen con la línea a la que nos tiene acostumbrados como compositor, en su esencia son diferentes, porque surgen de un cambio fundamental en la vida del cantautor. Hace dos años, justo cuando se publicaba su anterior disco “De profundis”, Joan Isaac sufrió un infarto del que afortunadamente se recuperó, y este disco del que hablo es la manera en que el artista da gracias a la vida por darle una segunda oportunidad; se salvó por la campana, lo dice en el tema principal, que escribió estando todavía en el hospital:

“Si, per atzar,
La vida entén
Que és massa cruel morir-se aviat,
I va i et salva la campana
Vés-hi i abraça-la……..
I estrena, amor, la vida al sol”.

(Si, por azar, La vida escribe Que es demasiado cruel morirse pronto, Y va y te salva la campana…Ve y abrázala….. I estrena, amor, la vida al sol.).

Como en todos sus trabajos, en este disco el autor le da un repaso a la esencia de la vida. En “De profundis” se introducía en las profundidades, en los abismos de los sentimientos; aquí en “La vida al Sol” se detiene en las cosas sencillas que lo rodean y que nos rodean a todos, la familia, los hijos, la belleza de las cosas simples, el mar, la música, pero no se olvida de las trampas de la vida.

“Breu Cançó d´amor per a dues filles” y “Conec un lloc” son dos temas dedicados a su universo familiar, en ellos, de la manera más bonita, deja claro lo que de verdad tiene importancia en la vida cuando la vida se pone en juego. También lo deja ver en “Quina calma més gran que em dona la mar”, “Per envellir demano poc”, “Música” y en su tema principal “La vida al sol”, pero en éstas lo hace desde un punto de vista íntimo y personal, poniendo por delante que en realidad, en la vida, la única compañera de viaje es la soledad.

Pero como decía antes, no se olvida de las trampas de la vida, de los deseos y de las circunstancias que se imponen sin pedir permiso, y no se puede hacer nada para evitarlo. Dos canciones que me gustan especialmente van en esa dirección: “No hi ha res urgent” (Nada hay urgente) y No s´hi pot fer res” (No se puede hacer nada).

En la obra de Joan Isaac son fundamentales las letras, pero también lo son las músicas, que acompañan los temas de una manera natural, dándole a cada canción una identidad peculiar.

Si tuviera que destacar una canción del disco, tiro para mi tierra. Entre todas, yo me quedo con una, “Digue´m que no m´estimes”, o lo que es lo mismo “Dime que no me quieres”. Es una canción que tuvo mucho éxito en el concierto, muy aplaudida por un público que se puso varias veces en pie en el teatro y que tuvo que volver a cantar en los bises. Le acompañaba en el concierto, y también en el disco, una artista flamenca, una nueva voz, Alba Guerrero, una canción con aires flamencos con la que acabo mi comentario:

“Jo no voldria estimar-te,
Per no trobar-te a faltar,
Ni dir-te adéu i penjar-te,
I poc després tornar a trucar.

Jo no voldria enyora-te
Si t´he deixat fa uns instants,
Ni vull fer mil tombarelles
Si d´improvís t´estic besant.

Digue´m que no m´estimes
Digue´m que no.
Digue´m que no em desitges,
Digue´m que no.
Que em fa més por estimar-te
Que emmalaltir del cor.
Digue´m que no.”

“La vida al Sol” ha sido publicada por Discmedi en enero de 2008. Todas las letras y músicas compuestas por Joan Isaac, a excepción del tema “I jo al meu racó”, adaptación libre al catalán del tema “Et moi dans mon coin” de Charles Aznavour.

Canciones del disco:

Que tramposa és la vida
Breu cançó d´amor per a dues filles
La vida al sol
No hi ha res urgent
No s´hi pot fer res
Música
Digue´m que no m´estimes
Dona d´aigua
Conec un lloc
I jo al meu racó
Quina calma més gran em dona la mar
Per envellir demano poc

María Gracia Correa

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzman-CRAG 1985

2008-01-03T12:03:00.000-08:00

Tengo bien reciente un concierto –por fin- al que acabo de ir para ver en directo, en la sala Segundo Jazz, a Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Lo cierto es que pasé gran parte de la velada en un estado, medio de ensoñación, medio alucinatorio y no precisamente por las cervezas que me había tomado, sino porque me parecía mentira que aquello se estuviera produciendo, ahí, delante de mi, los cuatro CRAG, tan cerquita y tan sonrientes, rodeados de gente que se sabía todas sus canciones. En fin, un encantador sueño cumplido que disfruté muchísimo, acompañado de mis buenos amigos Chema Lara y Víctor Alfaro…

Pero como este blog es de reseñas de discos no voy a comentar el concierto, sino uno de sus discos, que aunque es de 1985, se trata realmente del último que grabaron juntos los cuatro. El año anterior se grabó el segundo, siendo el primero "Señora Azul", el gran mito. El que hoy nos ocupa tiene por título precisamente "CRAG 1985" como el año en que se grabó, siendo producido por el propio cuarteto y José A. Alvarez Alija, con un sonido muy acorde con los años en que se grabó, con percusiones electrónicas, programaciones, sintetizadores etc pero también con pianos y guitarras de las de siempre.

01.- Necesito tenerte
02.- Le recomiendo
03.- Elizabeth
04.- Nada que ocultar
05.- Igual que una noria
06.- Rafa
07.- Espejito mágico
08.- ¿Dónde estás?
09.- Culpable
10.- 1985: los blues

Así a bote pronto diré que, pese a lo angelical de sus melodías, y pese a lo suave y elegante de sus voces, el contenido es lo que hoy decimos políticamente incorrecto. Ja, ja, ja, que tíos, algún diablillo burlón debió de inspirarles estas maravillosas canciones. La primera es una bonita canción de amor con aires muy pop, pero la segunda, por ejemplo, es una invitación al adulterio, así, sin tapujos.

"Le recomiendo echarse al aire una cana,
Seguir viviendo, sin esperar a mañana;
Y no le importe el típico vituperio.
Cambie el rumbo: ¿ha probado el adulterio?"

La tercera constituye un canto a la eutanasia en toda regla; a la eutanasia y a la libertad de elegir el propio destino. La cuarta, una comprensiva declaración de apoyo hacia la homosexualidad... la sexta habla de un personaje peculiar que encima es un cantautor sin futuro, ja ja, estos CRAG no dejan de sorprenderme. Un par de canciones dedicadas a la soledad y después una dedicada a un ser humano absolutamente marginal, de esos que viven intensamente el día a día en las infernales subculturas, o mejor dicho -infraculturas- de las drogadicciones. Y por último, y no por ello menos interesante, que diría un anglo, un blues dedicado a un mediocre perdedor con tendencias suicidas (o al menos esa es mi lectura de la letra).

Increíble muestrario de figuras periféricas y a veces excéntricas de esas que pululan por nuestra vida y nuestra sociedad y a las que la mayoría de las veces no prestamos la atención que se merecen. Chapeau! Maestros, amigos de CRAG, chapeau! Os deseo que sigáis como siempre, dándole vueltas a la cotidianeidad, a nuestro día a día "igual que una noria". Y por favor, ¡grabad más discos!!!!.

abuineitor

Raúl Alcover-El signo del viento

2007-12-27T06:39:00.000-08:00

El disco del que hablaré, "El signo del Viento", no es el último trabajo de Raúl Alcover, ya que ha publicado recientemente un cd titulado "El Musicante". Según dice el propio autor en una entrevista, este nombre responde a una especie de juego de palabras; la idea se la dió una niña pequeña, es una forma infantil, pero llena de razón, de describir a un músico y cantante a la vez.

Raúl Alcover es un artista granadino; un cantautor muy peculiar. Sus comienzos están relacionados con en el movimiento "Manifiesto Canción del Sur", donde coincidió con Carlos Cano, Antonio Mata, Esteban Valdivieso y otros, pero su evolución fue muy distinta.

"El signo del Viento" fue publicado en el año 2002 por Alía Discos, y producido por el propio autor. Cuenta con la colaboración de Miguel Ríos, Antonio Canales, Chano Domínguez, Rubem Dantas, Jorge Pardo, Chonchi Heredia y Marina Heredia. Una combinación muy original, tanto como el contenido del disco.

Las canciones han sido compuestas y arregladas por Raúl Alcover prácticamente en su totalidad. Este trabajo es un muestrario de su particular manera de componer, es un cantautor que lleva implícito el sello andaluz. No es posible abstraerse a su acento y a su manera de expresarse, tanto con respecto a las letras, con expresiones y actitudes muy propias de nuestra tierra, como en la música, en la que mezcla o fusiona, con frecuencia, sonidos jazzísticos y flamencos.

Por un lado quiero destacar una canción que para mí es muy representativa de la manera general de ver las cosas de los que somos del sur, "Pa coger imán", una manera de atraer la buena suerte, de deshacernos de los malos augurios, de reirnos de todo, incluso de nosotros mismos; una letra muy acertada y una música que hace redonda esta canción:

"Derramó la sal,
Pasó debajo de una escalera
Vió un gato negro cruzar la carretera
Rompió el espejo, llegó un eclipse…
Y no le pasó ná…
Cuando hay luna llena
Simplemente hay más luz..
Escrito en una estrella
tu nombre brillará
lo que ha de suceder
no dudes que sucederá
de cualquier manera.
Se vistió de sol y el sol
que salga por donde quiera.."

También me gusta especialmente "Pas oublié", una curiosidad, el estribillo en francés con acento andaluz. Pero quizás las canciones estrellas de este disco son "Camarón" y "Boca Loca".

"Camarón" es un homenaje al más grande de los cantaores flamencos, un tema muy conseguido, una preciosidad, un viaje entre la luz de la Bahía de Cádiz y la de Graná, con el piano de Chano Domínguez: "Cántame por bulerías/ata bien mi corazón/llévame en tu fantasía/ como a ti te llevo yo….que cantas mejor cada día".

Y fundamentalmente, creo que la pieza clave es "Boca Loca", una canción en la que lo acompaña Miguel Ríos, y que siempre que la oigo me parece la banda sonora perfecta para una buena película. Es una gran canción que merece ser escuchada con detenimiento y yo desde aquí la recomiendo, como recomiendo el disco en su conjunto, que aún se puede encontrar en algunas tiendas por internet. No sería extraño que una canción de Raúl Alcover pusiera música a un film, ya que este artista estuvo nominado en 1987 a un premio Goya con la banda sonora de la película "Los Invitados", basada en una novela de Alfonso Grosso.

Canciones del disco:

Qué puedo decir
Pa coger imán
Pas oublié
Boca loca
Cosita más sensible
Dame besos
Camarón
Océano de sueños
Antes éramos dos
Sandra a lo lejos
Corazonada
El grillo
El viento no se calla

María Gracia Correa

Jose Luis Abel-De pasión

2007-12-06T09:24:00.000-08:00

1.- Canción sucia
2.- Peregrinos
3.- Danza macabra
4.- Días felices
5.- Canción de medianoche
6.- Al acecho
7.- Duele tanto esta noche!...
8.- A sangre y fuego
9.- La iluminación

Siento una gran afinidad con el trabajo de este músico y su personalidad; quizás porque compartimos idéntico eclecticismo y similar gusto por las excentricidades. Es decir, ambos somos aficionados a tipos raros del estilo de Nietzsche, Rimbaud, Jim Morrison, o a los mastodónticos Led Zeppelin, con todo lo que esto puede tener al mismo tiempo de contradictorio con el cariño por la música incuestionablemente pop o con, por ejemplo, veleidades electrónicas, etc.

José Luis Abel era la cara más visible de un grupo de la nueva ola ochentera que se hacían llamar Alphaville. Y como siempre pasa en España, eran tan interesantes que no interesaron a casi nadie. Se me ocurren otros nombres de entonces con parecida suerte: Esclarecidos (con la siempre elegante voz de Cristina Lliso), Orquesta de las nubes, Os Resentidos (con Antón Reixa y músicos de Siniestro Total)... Alphaville tuvieron varias grabaciones curiosas de las cuales yo me quedo con la canción “La escalera” de letra primorosamente angustiosa y onírica, y guitarras inquietantes y siniestras.

Bien, pues tras la disolución del grupo y acabadas las alharacas de la movida, este personalísimo autor ha venido haciendo un poco de todo que yo sepa. De periodista musical, actor, músico electrónico... y hasta consiguió grabar -ya como un proyecto en solitario- en 1991 el disco del que hago el comentario con la compañía Virgin. Por supuesto este disco resulta inencontrable y hay que acudir a las descargas compartidas de internet para poder bajárselo y escucharlo. Lo que suena en esta propuesta son canciones de corte pop con algún que otro sonido guitarrero de rock o algún exotismo tipo sitar (o un instrumento que lo emula) y unas letras cuidadas y abundantes en suculencias poéticas y filosóficas.

En el disco colabora Eduardo Pinilla, guitarrista de grupos de rock tan míticos como Coz o los imperecederos Burning, aportando solos enérgicos y contundentes, como era de esperar, en varios temas: un excelente tono de blues, por ejemplo, en el corte 4, “Días felices” e impecable su pulso rockero en “Al acecho”. Por cierto que la letra dice cosas como éstas:

“Pongo un beso
en el punto más sensible de tu cuello,
para debilitar
tu resistencia...
que, entre risas, y faltándote el resuello,
me temo que no ha de durar.

¿Es que no lo ves? Te obligaré a naufragar,
antes o después, en las tinieblas de mi azar.”

Lo que a mi juicio, y pese a su aparente sencillez, nos indica perfectamente cual es la diferencia entre quién sabe escribir y quién no. Esto es, la fluidez, esa cualidad de la que siempre andan sobrados los genios. La marca de fábrica de los -y las- bendecidos por Erato.

abuineitor

Vainica doble-Contracorriente

2007-11-21T07:49:00.000-08:00

1. Un mal entendido amor (Respeto y obediencia)
2. El oso poderoso
3. Que no
4. La Rabieta
5. Todo desapareció
6. Eso no lo manda nadie
7. Alas
8. Déjame vivir con alegría
9. Magnificat

El álbum más rockero y al mismo tiempo el más psicodélico de las Vainica Doble es éste editado en 1976 que sigue cronológicamente a Heliotropo, ya comentado en este blog… Tiene, a mí parecer, una de las portadas más bonitas de toda la historia del diseño de discos, de todo el mundo, firmada por el cineasta Iván Zulueta, nada menos. Los ensayos se llevaron a cabo en la casa de Gloria en Altea, preciosa y tranquila localidad levantina, ya que entonces ella vivía allí, con una banda de músicos de su entorno, lo cual le da al disco una unidad de sonido apenas rota por las extrañas y magníficas colaboraciones de –entre otras- Gualberto García, ex-guitarrista de ese estupendo grupo andaluz de los 70 llamado Smash, que adorna con su sitar (sí, además de guitarrista tocó el sitar hasta con Camarón por cierto) un par de temas; por la colaboración de Salvador Domínguez, el veloz guitarrista de grupos duros como Banzai en el tema final, y por, la, para mi, más que misteriosa colaboración de Hilario Camacho en el tema que más me gusta del lp o cd: “Eso no lo manda nadie”.. Vamos, que escuchar la voz de Hilario en esta canción creo que constituye un acto de fe comparable al de escuchar la voz de la cantante folk inglesa Maddy Prior en la canción (por cierto muy cercana en el tiempo a ésta) “Too old to rock’n’roll, too young to die” del grupo inglés Jethro Tull.

El disco fue producido por Gonzalo García Pelayo, conocido tanto por producir discos como por su afición a desbancar casinos; quién se mostró entusiasta al principio con las Vainica, pero que por lo que sé, terminó menos contento tras la experiencia; vamos que acabado el disco como el rosario de la aurora, con malentendidos musicales y ese tipo de cosas que ocurren en los discos, con las cantautoras, los músicos, etc, el que acabó pagando el pato fue el trabajo que fue mezclado en un solo día. Hecho este que no deja de maravillarme porque he escuchado todos los discos de las Vainica y no es éste el peor mezclado ni mucho menos…

Dije antes que en Contracorriente se escucha una unidad de sonido gracias al grupo que las acompaña (responsables de los arreglos también) pero es que también hay en las letras una unidad temática. Nos encontramos, pues, ante un disco conceptual. El argumento central -estamos en 1976- no podía ser otro que el abuso de poder, de autoridad a todos los niveles, incluido el político en forma de dictaduras, el exceso de paternalismo…

Había una vez un oso poderoso
Del bosque era el rey
Todos le adoraban
Le reverenciaban
Y respetaban su ley.
Cortejo de negros grajos le seguía
Por adulación
Y al hacerse viejo
Los del negro cortejo
Diéronle muerte sin compasión.

Hay incluso una recreación (algo surrealista me parece pero que encaja a la perfección en toda la maquinaria sonora pop-psicoexoticodélica, valga la palabra que me acabo de sacar de la manga, del álbum) del diálogo de la película Bambi ¿? con música de fondo que las Vainica habían escrito para otra cosa: la película de Borau “Furtivos” interpretada, por cierto, por un cantautor, Ovidi Montllor.

Tenemos la gran suerte de disponer fácilmente de este disco en cd en una edición en digipack en Dro East West. Ya de paso diré que a ver si se animan a editar –a quién corresponda se lo digo- el Taquicardia o el Carbono 14 que son los únicos discos de estas dos entrañables y mágicas mujeres que no se encuentran. Y tanto sus fans como la música de este país lo necesitamos, y por supuesto ellas lo merecen.

En fin, por terminar con parte de la magia que desprenden sus musicales vuelos, las citaré una vez más, en una citaque sería digna del mismísimo Swedenborg, en este caso en la canción "Alas":

Si las alas de todos los ángeles se pusieran en movimiento
¿A qué velocidad se desplazaría el viento?

Pues eso. Una pasada.

abuineitor

Antonio de Pinto-Curriculum

2007-11-01T15:10:00.000-07:00

Hay una historia sobre Antonio de Pinto que me encanta. Antonio aprendió a tocar la guitarra ya mayorcete porque se hizo cantautor bastante tarde (con lo que se ahorró de paso toda la etapa de ingenuidad y bisoñez previa por la que pasa todo artista). De hecho, Antonio era aficionado a escuchar música de un tipo bien diferente, a saber, lo que ahora se suele denominar rock sinfónico –en su época lo llamaban progresivo- y ¡oh sorpresa!, lo que conocemos como rock duro en sus más variadas variantes estilísticas. Fue una vez, si me equivoco que me desmienta alguien, en su juventud universitaria, cuando Antonio les dijo a unas compañeras (supongo que aficionadas a la canción de autor) que él era cantautor. Ignoro que cable se le cruzó por la cabeza a nuestro protagonista para lanzar semejante bola, pero el caso es que, para no desmentirse a sí mismo o por creerse su propia mentira o por pique por aquello del “oye, y si de verdad…” o por qué sé yo… Antonio se hizo cantautor. Así es como un capricho del destino hizo que lo que perdió el heavy metal lo acabó ganando el cantautorismo. Y qué bueno, porque estoy persuadido de que Antonio hubiera sido un excelente músico cualquiera fuera el estilo que hubiera elegido (lo único que no consigo imaginármelo con el pelo muy largo…).

Quizás, a causa de todo esto que he narrado, Antonio tiene la gran suerte de haber encontrado un estilo propio tan personal que en cuanto que uno escucha una canción suya ya sabe que se trata tanto de una canción de su autoría como interpretada por él, con su peculiar forma de cantar, una sutil mezcla de sensibilidad, ira e ironía que habitan dentro de una única e irrepetible voz. Es además nuestro cantautor un perfecto artesano de la canción; siempre entregado con mimo a rematar una melodía, una letra, hasta darle el último y definitivo toque maestro.

Canciones:

1.- Curriculum
2.- El invento
3.- Cuando apagas la luz
4.- La vida según...
5.- Nueve minutos y medio
6.- En sol mayor
7.- Ritual
8.- Canción a mi cola
9.- En tu sangre
10.- Cuando llegue el día
11.- Agua de mar
12.- Canción para Pablo
13.- Y quedarme sentado
14.- Qué le pasa a esta canción

El disco que comento, tercero y último por ahora, está grabado y producido (¿por primera vez de productor?) por su amigo Ismael Serrano en su estudio de grabación “Los paraísos desiertos”. Los músicos que intervienen son los habituales en el entorno de Antonio, así es que no faltan ni Marta de la Aldea haciendo sus encantadoras voces ni Antonio Toledo con sus precisas guitarras y demás, porque no solamente toca la guitarra de órdago, si no que se atreve hasta con instrumentos exóticos como el bouzuki.

Destaco varias canciones como “El invento”o la genial “La vida según...” que nació, como el propio autor cuenta en sus conciertos, de un mensaje que recibió de correo electrónico; en la letra explica como podría ser la vida si empezaramos al revés –es decir- nacieramos viejos y fueramos rejuveneciendo paulatinamente. Sin embargo mi preferida es “Cuando apagas la luz” porque creo que se trata de un dulce manjar en donde la música y la letra se perfeccionan una a la otra, con un estribillo que me sabe a pura delicatessen:

¿Por qué no apagas la luz?
Que me falta el aire
Me faltan algunas cosas
Que tienes, ya ves
Me faltas del sueño
Quiero que vuelvas
Tal como te imaginé
Me faltas del día
A veces dudo, pruebo a tocarte
Y solamente sé que eres tu
Cuando apagas la luz.

El disco incluye un extra: un video grabado en el local de conciertos La Mala de su mítica canción “Espantando palomas” tema éste que apareció en aquel no menos mítico disco titulado “Cantautores: la nueva generación” hoy inencontrable, en donde aparecían muchos de los cantautores que posteriormente hicieron carrera y hoy son muy populares.

En fin, un cantautor sensible, curtido ya en muchas noches de trova, y sólido como una casa cimentada sobre una roca; muy conocido en el circuito madrileño y que quien no tenga todavía el placer de conocer, que lo haga porque de verdad que es de los que dejan con la boca abierta después de un concierto. Antonio vive en el barrio de Lavapiés, no digo más, será por eso que su música suena a todas las músicas y al mismo tiempo tan genuina y castiza, tan nuestra.

abuineitor

Joan Manuel Serrat-Ara que tinc vint anys

2007-10-15T07:49:00.000-07:00

Es una responsabilidad para mí comentar un disco de Joan Manuel Serrat, porque me arriesgo a que una de las personas que más sabe de este tema, que es un buen amigo mío, me diga que no tengo ni idea, con toda la razón del mundo. Mi amigo Carlos Gracia Escarp, es uno de los mayores expertos en la obra de Serrat, tanto que ha escrito un documento llamado “Guía Práctica de la Barcelona Serratiana”, indispensable para todos los seguidores de Serrat, y que podéis ver como enlace en su blog y en la página oficial del artista.

Es muy difícil para mí escoger un disco de Serrat para comentar, es tan extensa su obra que creo que sólo un especialista podría hablar de ella, pero yo aquí hablaré del que (si no me equivoco) fue su primer LP. El disco original es un LP publicado en 1967 por Edigsa; lo que tengo yo es la reedición en CD de 2000 por BMG Music Spain, S.A.

El disco empieza con una de las canciones, a mi entender, más emblemática de Serrat, una canción que nunca abandona y que lleva siempre, adaptándola a los años que van pasando, “Ara que tinc vint anys”, y que utilizaría para dar nombre a un disco bastantes años después, “Fa 20 anys que tinc 20 anys”; y con esa frase bromea todavía en los espectáculos que yo he podido ver, donde dice que hace veinte años que decía que hacía veinte años que tenía veinte años, y que ya no sabría como decirlo dentro de veinte años.

Bien, pues ¿que se puede decir de esta canción?, que todo aficionado a la canción de autor debería sabérsela de memoria, y que es un canto a la vida y a la alegría de vivir, y a la fuerza, que siempre demuestra en todos sus actuaciones,

“Ara que tinc vint anys,
Ara que encara tinc força
Que no tinc l´anima morta,
I em sento bullir la sang.
Ara que tinc vint anys,
Avui que el cor se m´embala,
Per un moment d´estimar,
O en veure un infant plorar…”

Mas de cuarenta años después, a Serrat le sigue bullendo la sangre y sigue cantándole a la vida; en su canción dice “vull i vull i vull cantar” y ahí lo tenemos, afortunadamente, cantando con la misma energía y con la misma fuerza, y además con la experiencia de toda una vida de canciones.

La segunda canción es también una de las más clásicas de Serrat, llena de sentimiento, “La Tieta”. Creo que retrata perfectamente a un personaje muy familiar para la gente de una determinada generación, una persona que siempre estaba ahí para servir a toda la familia y a la que nadie le daba la más mínima importancia. Una preciosidad de canción, que se ha incluido en un trabajo colectivo publicado recientemente por discmedi, como homenaje a este autor, que seguramente es el más grande de nuestros cantautores. El trabajo que menciono es “Per el meu amic….Serrat (40 cançóns per a un amic)” y está compuesto por tres CD, en el que distintos cantantes y cantautores catalanes versionan temas de Serrat. Personalmente creo que “La Tieta” es lo mejor de ese homenaje, no podía ser cantada por nadie más que por Joan Isaac , a mí parecer, el único artista capaz de transmitir al público la magia y el sentimiento que tiene esa canción.

Se incluye en “Ara que tinc vint anys” otro de sus temas más conocidos e importantes desde mi punto de vista, “Me´n vaig a peu” otra canción emblemática, que antes de ser publicada en este LP había sido editada en el EP “Cançó de matinada” el mismo año. Posteriormente se incluiría en el disco “Banda sonora d´un temps, d´un pais” en 1996 y en “El gusto es nuestro” publicado el mismo año, en colaboración con Ana Belén, Miguel Ríos y Victor Manuel”.

Espero no haberme equivocado mucho, quien quiera comprobarlo, o conocer mas información, solo tiene que consultar la página web oficial de Joan Manuel Serrat. Con el estribillo de esta canción termino:

“Però no vull que els teus ulls plorin:
Digue´m adéu.
El camí fa pujada
I m´en vaig a peu.”

Canciones:
1. Ara que tinc vint anys
2. La tieta
3. Balada per a un trobador
4. Una guitarra
5. El vells amants
6. Cançó de Bressol
7. El Drapaire
8. La mort de l´Avi
9. M´en vaig a peu
10. Els titelles

Mª Gracia Correa

Ismael Serrano-Atrapados en azul

2007-10-05T16:35:00.001-07:00

Tengo que reconocer que en 1997 yo llevaba ya varios años retirado ya no sólo de los escenarios, también de las salas, ya que por circunstancias personales apenas salía a conciertos. Por eso no es extrañar que la primera vez que escuché a Ismael Serrano fue por la radio. Cuando empezaron a sonar las primeras notas de aquel “Papá cuéntame otra vez”, me quedé gratamente sorprendido, “¿quién coño será este tío?, es un cantautor y que además suena muy bien”.

Hacía bastante tiempo que las puertas de los grandes medios de comunicación estaban cerradas para los nuevos cantautores, a excepción de Pedro Guerra y de Javier Álvarez, que llegaron un poco de la mano de Víctor Manuel.

El disco de Ismael nos sorprendió a casi todos, con unos muy buenos textos, unas músicas bastante robustas, bien armadas. Melodías sencillas de entender, como a mi me gustan, letras claras y comprometidas, es decir, lo que entendíamos por cantautor, “a la vieja usanza”.

Canciones:
1.Papá cuéntame otra vez
2.Vértigo
3.Donde estarás
4.Caperucita
5.Yo quiero ser muy promiscuo
6.Amo tanto la vida
7.La extraña pareja
8.El camino de regreso
9.México insurgente
10.Un muerto encierras
11.Atrapados en azul
12.Ana

De las 12 canciones que trae el disco, 5 de ellas tiene letra de Daniel Serrano, hermano de Ismael (“Papá cuéntame otra vez”, “Donde estarás”, “Yo quiero ser muy promiscuo”, “México insurgente” y “Un muerto encierras”) y otra más con letra de su padre, Rodolfo Serrano (“La extraña pareja”).

Justo cuando empezaron los años del “Aznarato”, se nos apareció Ismael, un cantautor claro, conciso y comprometido, ya en su primer disco se arriesga con temática social y política, algo que otros cantautores no se atrevían, pensando que podría “no estar de moda”. Canciones “Papá cuéntame otra vez”, una remembranza de los últimos años del franquismo, “México insurgente”, dedicado al Movimiento Zapatista de México, “Atrapados en azul”, una denuncia de la brutalidad policial, nos devuelven a aquellos años del cantautor como expresión de valores sociales.

“La extraña pareja” nos cuenta una historia, tal y como se deben contar las historias en una canción, pasando por todos los estados de la narración, “Yo quiero ser muy promiscuo” es una inteligente sátira, donde vuelve a dar un “puntazo” social político, cuando hace mención al controvertido escritor Fernando Sánchez Dragó, toldándolo de “fiel votante del PP” y haciendo mención a sus “fantasmadas” sexuales.

Y otras excelentes canciones, como es el caso de “Vértigo”, “Donde estarás” y “Ana”, que son tres de las que más me gustan.

Un gran disco, un excelente disco que os recomiendo que escuchéis si no lo habéis hecho ya.

Francisco Espinosa

Pedro Ruy-Blas-Teatro, circo y variedades

2007-10-03T10:25:00.000-07:00

En 1970, el grupo de Fernando Arbex –Brincos- publicaba un disco, brutalmente bello y poseedor de maravillosas virtudes psicodélicas, titulado “Mundo, demonio y carne”. Lo que según el propio grupo, tal y como cuentan en el interior del álbum, pretendía ser un paso adelante y una progresión en su música, irónicamente, acaba siendo su epitafio. En los años ochenta, el cantautor Pablo Guerrero, se desmarca de su primer estilo, el folk de “A cántaros” y se alía con Suso Sáiz y otros experimentadores natos, para despiste de sus primeros seguidores, por cierto, que, a día de hoy, muchos todavía no han asimilado creo aquellas sus “nuevas” e interesantísimas intenciones, por no hablar del desconocimiento general de un público más amplio de toda esa etapa guerreriana.

Y si la cosa es así de triste e ingrata para aquellos que se atreven a renovarse –y vaya para ellos todo mi respeto y admiración- no resulta menos peliaguda para aquellos francotiradores que se sitúan en tierra de nadie en la música de nuestro país. Y no digamos ya si se les ocurre, como a Pedro Ruy-Blas, bregar en guerras de estilos musicales nada exitosos por aquí como por ejemplo, el jazz, el blues, el soul, el funk o las baladas tipo “crooner” por muy bien que estén trabados, adaptados e interpretados. Por si esto fuera poco, en un periódico de tirada nacional que no citaré, cuando se cita a músicos de la categoría de Pedro, de quién deberíamos estar bien orgullosos, no es para comentar o criticar lo que sabe hacer tan bien, sino que se entra a degüello y se cargan las tintas contra él de manera inmisericorde.

Se edita –por supuesto sin grandes promociones- en 1998 “Teatro, circo y variedades” el penúltimo disco hasta la fecha, que yo sepa, de Pedro Ruy-Blas. En él canta –como solo él sabe hacerlo- escribe la música y la mayoría de las letras e incluso firma la mayoría de los arreglos. Para esto se rodea de una lista de músicos que quita el hipo y el resuello, porque todos ellos juegan en primera división y todos de titulares, por hacer un símil deportivo. El productor es Andreas Prittwitz, conocido músico de la escudería Krahe y Sabina y muchos más por cierto, que han disfrutado de su buen hacer con los instrumentos de viento.

Canciones:

1.- para ser el primero
2.- excesivo calor
3.- sueño inmaterial
4.- amor de madrugada
5.- batuque bebé
6.- ella fue mi gran amor
7.- míster, ¿por qué no le cambia?
8.- sólo aprendemos a amar con el tiempo
9.- a los que hirió el amor
10.- fuera de combate
11.- puse todo mi amor
12.- neurótico terminal
13.- prisioneros de la tierra

La lista de canciones incluye trece cortes de variopinto género sonoro, aunque la línea argumental –musicalmente hablando- son los sonidos orquestales, cercanos a la paleta sonora de una banda de jazz, ejecutados con una elegancia y una calidad que asusta. Asusta y sorprende que se graben discos así por aquí, cuando lo que prima hoy en día es lo fácil e inmediato, lo carente de matices y sutilidades, un pop cada vez más polarizado entre lo mega pijo y lo mega calorro. Entre los temas, uno marchoso de Suburbano, dúo de conocidos y reconocidos autores de grandes canciones populares de ayer y de hoy; dos propuestas con metáforas deportivas incluidas que me encantan (temas 7 y 10) y una preciosa elegía titulada “sueño inmaterial” mi preferencia mayor, especialmente por su letra. Y no se puede hablar de este álbum sin señalar la nueva y encantadora versión que Pedro hace de su número uno de 1970 “A los que hirió el amor” titánica y apabullante balada que hiciera anteriormente el roquero galo Johnny Hallyday con ecos, creo yo, de los británicos Procol Harum. Gloriosa.

No quisiera acabar sin agradecer a un amigo, José Bahón, que fue quien me descubrió la música de Pedro y la de su antiguo grupo Dolores, maravilloso grupo de fusión (ya en los años 70) de vanguardia, donde militaban los hermanos Jesús y Jorge Pardo por ejemplo, que incluso grabaron lo que a mi juicio es una rotunda obra maestra (letra de Hilario Camacho, música de Pedro) de la canción española “La niña de los Montoya”. Pero esto constituye ya tema para otro comentario…

abuineitor

Joan Baptista Humet-Solo bajé a comprar tabaco

2007-09-24T07:02:00.000-07:00

“Ay, señor compositor
que ha vuelto del olvido
¡Qué puede haberle
convencido, si no es amor!”

Voy a hablar del que, probablemente, es uno de los discos más importantes para mí desde un punto de vista sentimental, no tanto por su contenido sino por lo que representa. Podría decir que las canciones de Joan Baptista Humet han ido conmigo toda la vida.

Humet siempre ha sido un cantautor especial, distinto, de la misma manera que el resto de cantautores nos ha acompañado a lo largo de nuestra vida despertando la conciencia social, él era otra cosa, porque no solo hacía esto, sino que además iba despertando nuestras conciencias como personas, como individuos aislados dentro de una sociedad difícil. En su disco “Aires de cemento” él cantaba a “Un barrio” que era como mi barrio, donde yo viví mis primeros años y mi adolescencia. Nadie cantaba en aquellos momentos a un barrio de trabajadores de la periferia, donde a veces aparecían pintadas de carácter político que eran borradas inmediatamente, donde la gente luchaba por sobrevivir en el día a día.

Se retiró de los escenarios en 1986, y ahora este disco ha representado su vuelta al mundo de la música. Su vuelta, igual que su retirada, ha sido por voluntad propia. Pienso que ha vuelto porque un cantautor no puede dejar de serlo nunca, como expone muy bien en su primer tema “El Regreso”. Creo, además, que lo ha hecho por darnos esa satisfacción a sus seguidores, muchos de nosotros hemos estado encima de él durante mucho tiempo, pinchándole continuamente para que volviera.

Y regresó con este disco en Noviembre de 2004, lo presentó en la sede de la SGAE de Madrid, delante de unos cuantos de sus admiradores mas cercanos. Un acto muy emotivo que nunca se me olvidará. “Solo bajé a comprar tabaco” es una especie de saludo a quienes hemos estado esperándolo, 18 años no son nada, solo fue a comprar tabaco y ahora ha vuelto. Este disco fue grabado en Barcelona, producido por el propio autor, publicado por Validance, y distribuido por Actual Records. La letra y la música de todas las canciones es de Joan Baptista Humet y los arreglos y la dirección musical de Josep Mas “Kitflus”.

El trabajo comienza con “El Regreso”, canción con la que Humet intenta explicar (o explicarse a si mismo) por qué un cantautor lo deja todo y desaparece, y por qué un día decide volver. Esta canción dice mucho de su autor, es su historia y son sus motivos. Pero para mí es mucho más, porque Humet describe en ella la esencia de un cantautor, porque estoy convencida de que ser cantautor es una forma de vida y no una profesión. A Humet “De pronto un cable se le cruzó/ ante aquél vértigo repentino/ cerró la puerta del camerino/ tiró la llave y desapareció”. Pero quien nace cantautor siempre lo será, aunque se quede callado, aunque desaparezca de la vista del público, así que “un día vino a reconsiderar/ si algunos cambios no estarán prohibidos,/ si uno no es mas que lo que siempre ha sido/y ya no hay forma humana de escapar…”

No ha incluido ninguna de sus canciones clásicas, todos los temas son nuevos, pero en este disco, Humet demuestra que es el mismo que era, sus temas siguen representando lo que fue y lo que será siempre, una persona preocupada por lo que nos rodea cotidianamente, por lo que nadie quiere ver. Quien si no Humet podría retratar de una forma tan certera, mediante una canción, a la gente que tiene que venderse para sobrevivir, a la marginación, a los que están en la calle buscándose la vida como pueden. Le canta a un “Chapero de Fuencarral”, a quien trabaja en un bar de alterne “Para Aurora”, a un “Cantor callejero”, que tuvo un hogar y lo perdió por el camino. Humet siempre le ha cantado a quien no tiene voz, su principal éxito de público y por el que todo el mundo lo recuerda es “Clara”, donde cuenta la historia de una joven hundida por la heroína, un hecho muy frecuente en los años en que la compuso. Y dentro de esta tendencia quiero citar “Dama de una noche”, “El travesti”.

También ha sido habitual en su carrera cantar a su entorno, a su familia, a sus amigos, a sus experiencias personales, aquí incluye “Dentro de nada”, “Seda”, “El jugador”. Algunas de las canciones de la discografía de Humet que más me gustan van en este sentido, entre ellas algunos de sus temas mas conocidos “Terciopelo” “Gemma”, “Rodando, rodando”, “Su majestad”.

Y como no podía ser menos, una de las facetas de la canción de Humet que me entusiasma especialmente, es aquella en que el autor se vuelve hacia si mismo, yo diría su aspecto más intimista, aquí incluiría algunas de mis preferidas: “El Regreso”, “Quién tiene un sueño” y “Me paga ya la vida”. También en esta línea van algunas de las canciones históricas del artista y que le hicieron muy popular, como “El Invento”, “Solo soy un ser humano”, “Que no soy yo”.

Y muy a mi pesar, aquí me quedo, lo hago con una estrofa de “Me paga ya la vida”:

“Cuantas veces creí que ganaba si competía
y pasaba al que iba unos metros delante de mí.
Cuantas veces negué que viviera a la defensiva
y viví atenazado, hasta el día que reconocí
que no hay combate ni enemigo,
es contra mí que voy herido.”

Canciones del disco:

1. El Regreso
2. Cantor callejero
3. Dentro de nada
4. Seda
5. Chapero de Fuencarral
6. El jugador
7. Amigo corazón
8. Ay, mi bien
9. Quien tiene un sueño
10. Para Aurora
11. Me paga ya la vida
12. Hoy te vuelvo a ver

María Gracia Correa

Quique González-Personal

2007-09-20T08:53:00.000-07:00

Voy a empezar contando una pequeña historia, que como toda buena historia que se precie tiene visos de ser falsa.

A eso de principios de los años sesenta en USA una nueva generación de cantantes folkies (sí, la de Dylan) irrumpe en el panorama musical del ya por entonces mundo globalizado en que vivimos. Recogiendo el testigo de Pete Seeger o Woody Guthrie además de caracterizarse por poseer inquietudes literarias, revitalizan el folk. Hasta el punto de arrastrar con ellos a los viejos y olvidados bluesmen que ahora, es decir, en los sesenta, son recibidos como maestros con todos los honores (Son House, John Hurt, etc). Por aquel entonces la juventud globalizada anda también enloquecida por el rock’n’roll edulcorado de los grupos beat con mucho ritmo y muchos flequillos, pero poca enjundia en los textos. Seguramente a muchos se les pasaría por la cabeza que el que consiguiera aunar el ritmo y la fuerza del rock con unas letras más elaboradas y menos banales, como las de los singer-songwriters, lograría algo grande.

Posiblemente eso debió pensar Dylan cuando se electrificó, y, eso debieron pensar –afortunadamente- los mismísimos Beatles que desde que empezaron a escuchar al americano empezaron a merecer la pena. Y esto mismo debió de pasar por la cabeza –ya en nuestro país- de Joaquín Sabina cuando cambió el modelo folk Hilario Camacho de su estilo por el de Miguel Ríos (y esto último es conjetura) aunque manteniéndose fiel a sus letras. No obstante, para mí, tanto Dylan como Sabina no dejan de ser unos intrusos en el mundo del rock y creo que ellos lo saben. Por tanto la vacante en el trono de cantauroquero (valga el término) seguía sin tener nombre y apellidos hasta que llegó el bueno de Bruce Springsteen y se hizo con el poder sin problemas de un reino que en realidad no existía. Pues bien, según yo lo veo, en España a día de hoy, es Quique González quién puede reclamar sus derechos reales del auténtico y más genuino cantauroquero patrio.

Tiene Quique, como su compañero y colega Carlos Chaouen, la rara habilidad de escribir de tal modo que parece que no dice nada y al mismo tiempo lo dice todo en una sola canción. Son textos que resultan tenuemente oscuros pero eso forma parte de su encanto, de su misterio. Desde luego donde no hay concesiones es en el aspecto musical: desde la foto de la portada de éste su primer disco en que Quique se deja fotografiar con mi guitarra favorita: una Fender Telecaster, del 78 para ser más precisos, hasta el desfile de instrumentos que engrosan el fondo de armario de cualquier roquero de pro (guitarras acústicas y eléctricas, batería, bajo eléctrico, órganos, piano, armónica, amplificadores guitarreros…). Y para aliñar toda esta ensalada cuenta Quique en este debut con la producción de Carlos Raya, productor y músico roquero y guitarrero curtido en innumerables batallas musicales. Sin embargo, al hablar de este álbum no podemos olvidar que fue de la mano y gracias a la amistad de Quique con Enrique Urquijo (Secretos) como llegó a poder grabarse según tengo entendido. Por cierto que con éste comparte estilo en su modo de cantar así como de otro ilustre personaje de la misma generación de los años ochenta: Antonio Vega.

Canciones:

1.- Personal
2.- A veces se me olvida
3.- No te arrepientas
4.- Conserjes de noche
5.- Cuando éramos reyes
6.- Músico de guardia
7.- Se nos iba la vida
8.- De tanto que lo intenté
9.- Con vistas al mar
10.- El contestador
11.- Fito

Una ópera prima, publicada en 1998, que es, como su propio nombre indica, personal. Muy personal en realidad, porque el protagonista de las canciones suele ser el propio autor; hay excepciones claro, como “Fito” dedicada al músico argentino Fito Páez creo. Pero yo destacaré la canción que más me gusta porque me pone a cien por hora cuando la oigo: “Conserjes de noche”. Un canto arpado y agonal dedicado a la nostalgia de un amor urbano, demasiado urbano, por bromear un poco con Nietzsche…

“Tu siempre estabas dispuesta,
es domingo por la tarde
la suerte es una ramera de primera calidad
y los conserjes de noche
cuidan de los hostales
y todas las camareras que quisieron escuchar.
Es una historia que se escribe en las postales
con la necesidad de madrugar los lunes.”

abuineitor

Rodrigo-Todas sus grabaciones

2007-09-11T21:40:00.000-07:00

RODRIGO-Todas sus grabaciones (1975-1987)

Este cd resume (salvo porque acaba de publicar un trabajo nuevo) la obra del más dylaniano de nuestros cantautores, con permiso, eso sí, de don Andrés Calamaro, aunque en realidad es al revés. Una voz y una manera de escribir muy personal caracterizan el estilo del maestro Rodrigo García Blanca, el más refinado –escribiendo- a mi modo de ver de los “cuatro magníficos” CRAG, o, lo que es lo mismo: Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Es una bendita maravilla y un prodigioso milagro que a día de hoy exista en España una discográfica como Rama Lama que reedita discos tan raros e inencontrables como los que forman parte de esta publicación. Al mismo tiempo, me quejo de lo poco que esta discográfica se esmera en reproducir las ediciones originales, las portadas, de estos discos, sobre todo teniendo en cuenta que los potenciales y actuales compradores de su catálogo somos más coleccionistas que consumidores de música. Pero bueno, bien es verdad que siempre incluyen un texto informativo escrito por especialistas que resulta un complemento estupendo al contenido musical.

Este cd consiste en la reedición de nada menos que tres lp’s o long plays como se decía cuando yo era adolescente, de Rodrigo. Así, el primer cd (pues es doble) está dedicado a “Canciones de amor y sátira” de 1975 y el segundo a los discos “Rodrigo” y a “Solera reservada” de 1980 y 1987 respectivamente. Como fácilmente se comprenderá y dada la diferencia de años, las grabaciones resultan harto diferentes. La primera, es decir, el primer disco, es contemporáneo precisamente del mítico “Señora azul” de CRAG y goza de una similitud de sonidos con éste, no siendo parecido en cuanto produción, por cuanto, según yo lo veo, se echa de menos la mano de Rafael Trabucchelli. No obstante, algo queda del sonido Trabuchelli puesto que los fondos orquestales los firma Miguel Ramos que era precisamente el organista que solía trabajar con el genial productor italiano. La segunda apareció al principio de los “movidos” años ochenta y goza de la elegante producción de Joaquín Torres, de quien tengo excelentes referencias en mi discoteca por el “Subir, subir” que produjo también por aquellos años a Hilario Camacho, o por haber producido a Enrique Urquijo o a los increíbles 091. Finalmente “Solera reservada” aparece como consecuencia lógica de una revitalización de los CRAG a mediados de los años ochenta en los que como grupo editarán dos discos de sutil y quintaesenciado pop de autor para adultos o jóvenes con más de dos dedos de frente.

Temas:

Cd 1

1.- Victoria
2.- Don fulano de tal
3.- Ana
4.- Quiero que seas mi dama
5.- El leñador
6.- El gato
7.- Y así, mi amor
8.- Vete tranquila niña

Cd 2

1.- Laura
2.- En el sofá
3.- Doña Josefina
4.- Niña Luisa
5.- ¿Adónde vas Pilar?
6.- Una canción mientras tu duermes
7.- Rondar la madrugada
8.- Charo
9.- La abuelita Berta
10.- Déjame deshacerte la cama
11.- Solera reservada
12.- Amor primero
13.- De casamiento
14.- Cuarto menguante
15.- Boceto
16.- Canción del Atlántico
17.- Fiona
18.- Sellado en el secreto
19.- Fiesta de Carnaval
20.- Sortilegio de muerte

Rodrigo puede que sea el cantautor que más canciones a dedicado a mujeres y concretamente a mujeres con nombres propios: Victoria, Ana, Laura, Josefina, Luisa, Pilar, Charo, Berta y hasta Fiona, hala, como la princesa de Shrek. Esto hace que, junto a su delizadeza a la hora de escribir e interpretar, resulte uno de los más románticos y sentimentales autores que tenemos. Desgraciadamente parece que en este país no tienen la repercusión que merecen no ya discos, sino carreras artísticas tan sobresalientes como la de Rodrigo. Lo que si viniera de cualquier autor anglosajón de sexta categoría sería objeto de reseñas, promociones y comentarios elogiosos, y por supuesto conciertos a mansalva –aunque nadie se fije, ni siquiera los plumillas, en los contenidos de lo que canta porque no importa, si es en inglés estará bien- en nuestra tierra, aun siendo jamón de pata negra, es disfrutado por minorías dentro de minorías. En fin...

Me gusta especialmente el disco homónimo del autor porque además de que es de las tres mi producción favorita, creo que es donde Rodrigo está más comedido y equilibrado en su voz, lejos de los guiños dylanescos de la época de “Señora azul”. Además, en este disco todavía no se ha contagiado de ese sonido más nuevaolero de su siguiente propuesta, que incluye ritmos jamaicanos y canciones más pop (aunque eso sí con un pasodoble procelibato incluido cual rara avis) y arreglos de guitarras y teclados henchidos de blanca palidez y desvaída suavidad sonora. Lo mejor, sin duda, los textos, con ese estilo pictórico tan característico y tan único de Rodrigo y esto vale para los tres.

Me cuesta decir esto pero se trata de unas grabaciones de culto de un artista de culto. A ver si en breve pasara un ángel por España y trastocara las cosas y aunque Rodrigo siguiese siendo un cantautor de culto, gozara por lo menos del mimo y el reconocimiento que merece, como merecen muchos otros ilustres olvidados en nuestro país...

Y, por supuesto, los que no lo conocían y lo descubran por vez primera, disfrútenlo, no se arrepentirán.

abuineitor

Raimon-Recital de Madrid

2007-08-27T14:43:00.000-07:00

DISCO 1
1. La nit
2. So qui so (Joan Timoneda)
3. Qui ja ho sap tot
4. El País Basc
5. Al vent
6. Sobre la por
7. Sobre la pau
8. T'adones, amic
9. T'he conegut sempre igual
10. Inici de càntic en el temple (Salvador Espriu)

DISCO 2
1. Jo vinc d'un silenci
2. Quatre rius de sang
3. Es veu
4. 18 de Maig a la Villa
5. Indesinenter (Salvador Espriu)
6. La muntanya es fa vella
7. Quan jo vaig nàixer
8. Cançó del remordiment
9. D'un temps, d'un país
10. Diguem no
11. Sobre la por
12. Diguem no

Música: Raimon
Letras: Raimon, salvo allá donde se especifique
Grabado en directo el 5 de Febrero de 1976 en el Pabellón de Deportes de Madrid
Comentarios.

El Recital de Madrid es uno de los mejores discos en directo de la canción de autor de los años 70. Grabado el 5 de Febrero de 1976 en el Pabellón de Deportes de Madrid, el recital tuvo primordialmente una importancia política antes que musical. Dicho concierto se celebró en pleno inicio del intento de una apertura democrática a la que era opuesto parte del gobierno, al igual que su entonces presidente Carlos Arias Navarro (el denominado "búnker"), a pesar de haber concedido ciertas amnistías parciales a algunos presos políticos. El año 76 fue especialmente revuelto, especialmente por esa oposición a la apertura que el "búnker" llevaba a cabo mediante la represión policial, la huelga casi general que había en las principales ciudades, las manifestaciones pro-amnistía y, por si todo esto fuera poco, los atentados de ambos signos que no hacían presagiar un buen desenlace al cambio democrático. En este marco revuelto es en el que Raimon pretende hacer cuatro recitales en Madrid, siendo este disco el testimonio sonoro del primero de ellos.

Tanto el cantante como la organización quisieron impregnar el concierto con un marcado cariz político en el que se intentara simbolizar la unidad de las fuerzas políticas de izquierdas. Para ello, la organización reservó una fila 0 en la que se sentaron el socialista Felipe González, Simón Sánchez Montero, uno de los dirigentes del PCE; y el héroe sindical Marcelino Camacho, casi recién salido de prisión gracias a la primera amnistía parcial otorgada, entre otros líderes políticos y sindicalistas (algunos de los cuales no se portaron demasiado bien con el cantante de Xátiva al llegar al poder). La audiencia recibe a estos invitados al grito de "¡Unidad, unidad!". Para Raimon, por su parte, el concierto también está marcado tanto política como personalmente; personalmente porque fue la primera vez en ocho años que tocaba de nuevo en Madrid debido a la prohibición que le impusieron tras el recital ilegal que dio en la Facultad de Económicas (hoy Geografía e Historia) de la UCM; y políticamente, porque, como explica al principio del recital, éste le iba a servir para cantar todas aquellas canciones que le habían venido siendo prohibidas interpretar en público.

Ese ambiente de revuelta política se puede oír perfectamente en las voces del público: lo primero que se oye al reproducirlo son los gritos de "¡Unidad!", "¡Amnistía!" y "¡Libertad!" que lanza el público. Se nota también en la manera tan fervorosa con la que el público recibe las más significativas de Raimon, consiguiendo que el concierto fuera mitad mitin político, mitad recital musical. Lo que no recoge el disco, pero que explicaría Raimon después, fue que el que mandaba en los policías que allí vigilaban a la audiencia amenazó con gasear el local porque oía injurias al rey y vivas a la república; en esa ocasión, la sangre fría de Anna-Lissa, la esposa de Raimon (destinataria de aquel precioso "Com un puny") evitó una catástrofe al aconsejar al policía hablar con sus superiores antes de proceder.

El concierto transcurre entre los gritos de la audiencia enfervorecida, sintiendo la libertad por fin de gritar en los conciertos, con Raimon presentado cada una de las canciones y traduciendo total o parcialmente sus letras o las de Espriu o Timoneda. Dentro de todo su repertorio, hay una canción que escapa a la significación política del resto: se trata del poema "So qui so" del poeta catalán del siglo XVI Joan Timoneda, siendo prácticamente ésta la única canción de "amor cortés" que Raimon interpreta. El cantante de Xátiva comienza su actuación con una de sus canciones más antiguas, "La nit", una canción que muy al principio solía escapar a la tijera del censor gracias a su juego de símiles y metáforas y que consistía en una comparación entre la dictadura y la noche entendida negativamente. Desde ahí repasa toda su historia político-musical. Entre sus propias letras cuenta, entre otras, con canciones tan emblemáticas como "T'he conegut sempre igual", dedicada al perseguido político Gregori López i Raimundo; el poema solidario "El País Basc", una canción que se solidarizaba con el pueblo vasco al tiempo que denunciaba la represión que sufrían, fue uno de los más aplaudidos; la canción dedicada al "Che" Guevara, "Sobre la pau"; el canto a su tierra en "Quatre rius de sang"; y dos históricas de las más prohibidas: la épica "Al vent", que confiesa haber escrito a los 18 años con toda su inocencia, pero también con toda su fuerza, y "Diguem no", esa estupenda balada que denuncia y renuncia a un mundo violento e injusto. Muy significativa es la inclusión de "18 de Maig a La Villa" (18 de Mayo en La Villa), que expresa las emociones que tanto él como el público sintieron durante aquel recital en la Universidad Complutense el 18 de Mayo de 1968. Interpreta también dos canciones inéditas como son la queja de clase de "Jo vinc d'un silenci" y "Es veu", una irresistible balada cargada de esperanza. Canta también dos canciones hechas sobre los poemas de su poeta contemporáneo favorito, Salvador Espriu, que la audiencia madrileña había conocido gracias a él: "Inici de càntic en el temple", dedicada al poeta Joan Salvat-Papasseit, e "Indesinenter", palabra latina que significa "incansablemente". Además el cantor valenciano sufre una graciosa anécdota cuando quiere interpretar temáticamente "Sobre la por" y "Sobre la pau" seguidas: al arrancarse con la primera sufre un tremendo de amnesia: "Mig perdudes¡Qué equivocación!... Perdonad". Intenta recuperar los acordes al tiempo que explica que no la canta muy a menudo (es decir, que no le dejan). "¡Pues no la toco!", bromea, pero promete ensayarla en el descanso y tocarla en la 2ª mitad del recital que se recoge en el 2º disco, y efectivamente, aunque pretendía finalizar con "Diguem no" toca la canción que se le resistía.

No obstante, la audiencia insiste en que no acabe, y Raimon les explica que quiere tocar los cuatro recitales enteros, para lo cual tiene que estar en forma. Aún así ofrece un bis tocando "Una canción que vosotros habéis hecho vuestra porque la habéis cantado mejor que yo: "Diguem no".

Aun así, al día siguiente el ministro de la gobernación, Manuel Fraga Iribarne, al igual que haría con otros espectáculos, suspendió los otros tres recitales seguramente debido al informe policial de aquel señor que quería gasear el local. Este hecho aparece en el disco: se pueden observar en la portada una serie de cuatro números racionales que representan una cuarta parte de los cuales todos están tachados menos el 1/4, al tiempo que el diseño del título asemeja aquel temible sello de la gobernación civil que prohibía o limitaba los espectáculos y los textos.

Este disco, a mí entender, es uno de los más importantes de la canción de autor catalana y española en general, y uno de los directos más potentes. El hecho de que plasme, gracias al público, un momento político y social de especial relevancia para el país, le hace ser un documento importante no sólo a nivel musical, sino también histórico.

Gustavo Sierra

Francisco Espinosa-En boca de todos

2007-08-22T09:44:00.000-07:00

“Hay un momento, que toda canción,
busca el hechizo de oirse en la voz,
y estos acordes han llegado aquí
con el encargo de sobrevivir”

Este comentario que me atrevo a escribir a continuación es un tanto especial, porque el disco sobre el que hablaré es obra de uno de los colaboradores de este blog, un buen amigo y responsable de que yo esté aquí escribiendo sobre la música y la canción de autor que mas me gusta.

El disco se llama “En boca de todos”, me resultó muy curioso el título, pero no acabé de entender el sentido hasta que lo tuve en la mano y lo escuché. Antes diré algo del cantautor, no lo hago porque seamos amigos, sino porque creo que merece el reconocimiento. Fran Espinosa es una de esas personas que luchan con todas sus fuerzas por la canción de autor, lo hace no sólo como autor o compositor, sino apoyando a otros artistas, grandes y pequeños, defendiendo este arte en todos los foros posibles. Y por otra parte no olvida un componente importante de esto de la canción de autor, no se olvida de los aficionados, de los que se interesan por el tema como espectadores o de cualquier otra manera, tiene la capacidad de saber aglutinar a todas las personas con inquietudes respecto a la canción de autor. En ese camino me encontré con él. Su página web es una referencia fundamental para cualquier aficionado o profesional del tema, entre otras cosas dispone de la mejor sección de enlaces a páginas de cantautores de la red.

En cuanto al disco tengo que decir que tanto la letra como la música de todas las canciones están compuestas por Francisco Espinosa, sin embargo, solo una de ellas es cantada por el autor, la última, “Agonía maldita”. El resto de las canciones son interpretadas por sus compañeros de viaje, cantautores y músicos de varias partes del mundo, voces distintas, unas dulces y delicadas, otras recias y duras, en solitario o en grupo, todas con personalidad, con la fuerza de gente que cree en lo que hace.

El disco se publicó en 2006 y consta de 19 canciones, 17 en castellano y 2 en catalán. Como siempre, me falta espacio, así que solo destacaré las que personalmente mas me interesan. El tema inicial se titula “Me entrego a la razón” y es cantado por Olga Andrés, su primera estrofa dice mucho del artista, al menos eso pienso: “Espantando sentimientos / que se agitan con pasión / lanzo mi canción al viento / y me entrego a la razón”

La segunda “Luna de Agosto”, es una canción que anda acompañándome en este largo agosto sevillano, cantada por Alonso Núñez, una voz dulce para una canción que evoca nostalgias. Otra de mis preferidas es “El tiempo de los besos robados”, con Gerardo Peña, su estribillo “Hoy que estás conmigo …¡quedate, no te vayas!”.

Me gusta especialmente el tema que canta Malabache, está en catalán y es una de las primeras letras que conocí de Francisco Espinosa, “Visc només amb tu” (solo vivo contigo), una canción preciosa y un acompañamiento de piano genial. Y también quiero señalar “Hay un momento”, cantada por Nery González, una de cuyas estrofas encabeza mi comentario.

Y desde luego no puedo dejar de mencionar una canción que va en una línea diferente al resto del disco, una canción basada en la ironía, está cantada por Carlos de Abuin, es muy divertida, habla del peligro de los móviles y no precisamente por las radiaciones que emiten, se llama “Y se portó”…¡Vaya si se portó!

Pero para terminar lo hago con llegendes (leyendas), cantada por Xavier Pintanel, porque una de las facetas de la canción de autor que creo que no se debe olvidar, que le da gran parte de su sentido y la devuelve a sus origenes, es la función social, la facultad de pinchar a quienes la escuchan, y hacer recordar que las cosas son como son, y no como parecen ser, que decía Carlos Cano en una canción.

Llegendes (Leyendas)

“Sempre conten les llegendes (Siempre cuentan las leyendas)
històries, temps era temps, (historias de mucho tiempo atrás)
de dracs mágics i princeses, (de dragones y princesas)
de bruixes i encantaments. (de brujas y encantamientos)

Pèro el que mai ningú ens explica (Pero lo que nadie nos explica)
Són històries de debò (son historias de verdad)
Del carrer, del dia a dia (de la calle, del día a día)
I de gent com tu i com jo. (y de gente como tu y como yo)

De una feina que no agrada (de un trabajo que no nos gusta)
D´una vida que se´n va, (de una vida que se va)
D´una dona maltractada (de una mujer maltratada)
D´un amor que no vindrá. (de un amor que no vendrá)
D´això no se´n vol parlar” (de eso no se quiere hablar)

Canciones del disco:

1. Me entrego a la razón (Olga Andrés)
2. Luna de Agosto (Alonso Núñez)
3. Viviendo un poema (Joaquín Lera)
4. Azul (Alejandro Santiago)
5. Hoy que me voy (Javier Prieto)
6. El tiempo de los besos robados (Gerardo Peña)
7. Visc només amb tu (Malabache)
8. El mar y tu (José Manuel Lattus « Chiclo »)
9. Quien estuviera (Ivan y Josito)
10. Hay un momento (Nery González)
11. Y se portó (Carlos de Abuín)
12. Aquí prosigo (Norge Bautista)
13. Vuelvo a ti (Diego Andrés)
14. Sobreviviré (Juanjo Montecinos)
15. Volveré a despertar (El factor sorpresa)
16. Llegendes (Xavier Pintanel)
17. Que se vayan (Fran Reca)
18. Estar sin ti (Nueva Luna)
19. Agonía maldita (Francisco Espinosa)

María Gracia Correa

Miguel Dantart-Bipolares

2007-08-19T22:42:00.000-07:00

A mediados de los años noventa –como es sabido- una nueva generación de cantautores irrumpe en el panorama musical de este país. Nacidos al abrigo de pequeños bares madrileños que empezaron a incluir actuaciones en directo entre su oferta musical enlatada nocturna, y, que contrastaban con aquellos cantautores de los setenta que hacían sus primeras armas en universidades, colegios mayores, y demás lugares y eventos más o menos politizados. Una generación que, dicho de paso, no tuvo que bregar con la omnipresente movida nacional como fue la generación de cantautores de los años ochenta, que, salvo en el caso de algún ilustre nombre, lo tuvo bastante difícil para acceder a un público deseoso de disfraces y música sin demasiados compromisos, no ya políticos, sino en muchas ocasiones, ni siquiera intelectuales.

Así pues, en los noventa, cantautores como Miguel Dantart, ni tenían que partirse la cara con un régimen totalitario ni tenían que resultar pintorescos o cantarle a temas tan “profundos” como a sus agüitas amarillas o al marcapasos de una tal Marta. Quizás por eso, artistas como Miguel pudieron ser más libres que nunca y mucho más personales y cantautores que nunca; sirviendo en la mesa del banquete público un sentir y un parecer más propio que nunca del mundo que les rodeaba.

Miguel empezó apoyado por una multinacional, con todas las ventajas e inconvenientes que esto supone (entre las ventajas una que siempre le envidiaré y así se lo he hecho saber más de una vez, la de haber tenido por colaboradoras en su primer disco a las extraordinarias Vainica Doble). Aquel disco, ahora descatalogado (si alguien sabe donde puedo encontrar un original que me lo diga) tuvo gran repercusión pero sin embargo no consiguió suministrar a la audiencia una rápida secuela por cuanto el disco del que nos ocupamos “Bipolares” que fue su continuación, tardó seis años en salir. Claro que, la culpa la tuvieron unos estudios universitarios que llenaron la pausa entre los dos álbumes...

Entre los que nos dedicamos a la canción de autor suele ocurrir que nos perdamos en uno de estos dos extremos: o bien nos da por cantar temas serios y nos pasamos de trágicos, o bien nos da por lo contrario y nos pasamos de graciosos. En el caso de Miguel Dantart creo que consigue ese apetecible equilibrio entre lo trágico y lo cómico dando a sus canciones esa pátina de, digamos, “buen rollo”, o mejor, moderado optimismo vital que siempre admiro en obras ajenas. El otro ejemplo que se me ocurre así, de pronto, de este tono en un disco es el “No cambies por nada” de mi siempre reverenciado Hilario Camacho.

Temas:

1.- Mundo alborotado

2.- Amor de mis amores

3.- El arte que repartes

4.- Pequeño cine estudio

5.- Mil caras

6.- Las cosas bonitas...

7.- Desde el exilio

8.- Yo no sería igual

9.- Amapolas sagradas

10.- Tírame un beso

11.- De par en par

12.- La procesión va por dentro

Destaco “Mundo alborotado”, “El arte que repartes”, “Las cosas bonitas...”, “Mil caras” o “Tírame un beso” porque son canciones que con sus ritmos sincopados y sus letras tan particulares me amigan otra vez con las alegrías de este valle de lágrimas que es el día a día. Y por supuesto “Pequeño cine estudio”; con sus toques electrónicos, la hermosa y poética letra y el estribillo poderoso, y, muy especialmente, por el contenido de ese estribillo:

“Hoy te traigo un souvenir
del país de una cabeza,
con cien pájaros que rezan
por tu aparición.
Aunque tú nunca sabrás
Llevas vidas tan secretas
Que has crecido como yedra
Por mi habitación”.

El disco está grabado tocando las bases con un grupo en directo –los demás instrumentos son overdubs (perdón por el palabro)- lo que le da una frescura singular, el grupo quiero decir. La producción corre a cargo de Javier Campillo ex –Tam Tam Go, notable grupo de los 80 por cierto, que de todo hubo en la viña del señor.

abuineitor

Hilario Camacho-De paso

2007-07-30T11:51:00.000-07:00

Por razones que sería largo explicar vamos a comentar este disco a medias Antonio Gómez y yo.

Descubrí la música de Hilario, como muchos, por la famosa serie de tv "Tristeza de amor". Años después tras varios avatares biográficos acabé encantautorizándome; lo cual hizo que me interesara, en esta ocasión, más intensamente por el género, aproximándome a la obra de artistas por los que hasta entonces había pasado de puntillas.

Hace algunos años me compré, exponiéndome a las crudas eventualidades del destino, un recopilatorio de Hilario Camacho titulado "Lo esencial". Allí, en concreto, encontré una canción, sin la cual ya no podría vivir que se titula "El agua en sus cabellos", además de otras que también llamaron mucho mi atención. De éstas, varias habían sido extraídas del disco que nos ocupa "De paso". Así pues, un día u otro yo tenía que acabar poseyendo ese cd, porque, afortunadamente, existe una reedición en digipack estupenda y muy fácil de encontrar, ya que el vinilo original se publicó en 1975 y ese sí que debe ser inencontrable. Pues bien, hace una semana (he tardado mucho lo sé) por fin me hice con este portento.

Tras una semana de asiduo asalto al equipo de música y a los cascos, carátula en mano, puedo prometer y prometo que me encuentro absolutamente rebasado por el embrujo de este álbum. No hay nada que no me guste en él, por gustarme me gusta hasta como huele... Me parece una obra maestra en muchos sentidos, no solamente de música de autor, que también lo es, sino de hippismo con eñe, de folk nacional, de rock ácido, de improvisación jazzística, de interpretación vocal e instrumental, de elegancia poética, de producción desinhibida y libre etc.

Ahora que ya lo tengo, je je, puedo decir (qué morro) que como me entere que alguno de los que denominan a sí mismos como cantautores, no tenga este cd o no lo haya escuchado todavía, le denuncio a la Santa Hermandad para que lo manden a servir al rey como galeote.

Pero, en fin, y bromas aparte, como de los intringulis del meollo del acontecimiento, sabe más Antonio Gómez, como que formó parte del mismo, concluyo aquí mi intervención y paso a darle "De paso" paso, para que continúe con el comentario.

abuineitor

Recojo el testigo que me pasa Carlos, que cuando dice que yo sé más del disco de Hilario debe referirse a que, por razones cronológicas, me tocó vivir muy de cerca tanto el proceso de creación de algunas de sus canciones como, después, su grabación.

A mi también me parece que "De paso" es probablemente el mejor de los discos de Hilario Camacho, aún aceptando eso de que sobre gustos no hay nada escrito. Intentaré explicar brevemente por qué me lo parece destacando en primer lugar el momento en el que fue grabado, cuando Hilario tenía 27 años y se encontraba en plena creatividad. Había tenido dos años antes la experiencia de grabar su primer LP de la mano de Alain Milhaud, con una esplendida producción que marco un hito en su momento, pero también había vivido un proceso de independencia y de crecimiento artístico que le exigía liberarse de toda tutela y grabar el disco que realmente ansiaba hacer.

La posibilidad la encontró en el sello Gong, de Movieplay, recién creado y en el que grabarían buena parte de los cantautores más destacados del momento (Pastor, Labordeta, Pablo Guerrero, Elisa Serna, Adolfo Celdrán, Batallán, Carlos Cano, Antonio Mata, La Bullonera, Lole y Manuel, Triana, y la edición en España de la Nueva Trova Cubana y la Nueva Canción Chilena, entre otros).

En los años anteriores, Hilario, además, había ido evolucionando sus formas musicales con el gran eclecticismo de toda su vida, siempre aprendiendo para lo que cumplieron un papel fundamental dos de los músicos que entonces le acompañaron y que están en "De paso": el guitarrista Jean Pierre Torlois, y el pianista Jesús Pardo. A la hora de la grabación se les unieron el saxofonista Jorge Pardo (que no estoy seguro si era el primer disco en el que participaba, pero que por ahí andaría, porque era un chaval), el percusionista Xavier Estrella y el batería José Antonio Galicia, junto al bajista Quique Quintana. Era prácticamente una representación de lo mejor del jazz más joven que se estaba haciendo entonces en Madrid, y ese aire nuevo que ellos aportaron en unos arreglos colectivos se nota en el disco.

"De paso" contiene, y eso es lo fundamental, un puñado de canciones que Hilario había ido escribiendo en los años anteriores (alguna, como "El agua en tus cabellos" ya la cantó en el primer recital de lo que luego sería el grupo Canción del Pueblo en noviembre de 1967) entre las que se encuentran unas cuantas que no dudo de calificar de obras maestras, y que, coincido en ello con Carlos, debería estudiar cualquier aficionado a la canción de autor que se precie. Está, sobre todo, esa joya de la música popular que es "Volar es para pájaros", con letra de Pablo Guerrero, que desde mi punto de vista es la exposición más completa que nunca ha hecho Hilario en una de sus canciones de su propia personalidad, de la permanente lucha que en él y en sus composiciones ha existido entre la realidad y el deseo. Pero, es que, junto a ella figuran "Dolores, Dolores", "El agua en tus cabellos", "Princesa de cera" y "Cuerpo de ola".

O los dos instrumentales, que muestran una faceta de Hilario como músico e instrumentista, que sólo practicó en esta ocasión y, como colaborador, en un disco del asturiano Daniel Vega de aquella misma época.

He dejado aparte "El peso del mundo", basada en el poema de Ginsberg y en la que queda más patente que en ninguna otra de las composiciones del disco ese aire de "hipismo con ñ" que dice Carlos y que, efectivamente podría ser la ideología general del álbum. Personalmente no es el tema que más me gusta del disco, casi la única pega que yo le pondría. Tal vez se trate de que me resulta demasiado evidente en ella ese toque jipi, tanto en la letra como en la música, en la que colaboró Jean Pierre, y las canciones de Hilario nunca han sido evidentes.

En la carrera de Hilario "De paso" es un disco fundamental, un final y un comienzo al mismo tiempo. Un final porque en él llega a un punto de evolución de su música en el que encuentra un modo de hacer personal e intransferible, un estilo propio; y un principio porque a partir de él Hilario va a desarrollar ese estilo a lo largo de toda una carrera que habría de dar excelentes frutos artísticos.

En la música española, "De paso" es un disco seminal, a partir del cual surgen posibilidades creativas que antes no existían y que habrían de germinar en cantautores posteriores.

1. Tiempo al tiempo
2. Volar es para los pájaros
3. Dolores, Dolores
4. El agua en sus cabellos
5. Testimonio
6. Verónica
7. Princesa de cera
8. Pequeña muerte
9. Cuerpo de ola
10. El peso del mundo

Antonio Gómez

Jorge Drexler-Eco

2007-07-28T11:30:00.000-07:00

Con los años confirmo que no siempre se está preparado para leer un libro, escuchar un disco o descubrir un artista. Cada uno de ellos tiene su momento y a veces... nunca llega. Tardé años en prestarle atención a Madame Bovary, más aún en leer El Principito (que siendo niña me parecía un tostón y ahora me encanta), y varios años en la facultad de periodismo en escuchar a Jorge Drexler.
Recuerdo que fue mi amigo Angel Carmona, periodista, músico, y desde hace años colaborador en la revista Rolling Stone, quien me habló por primera vez de Drexler. Por aquel entonces publicaba "Frontera", y no me gustó nada. Supongo que estaba en otro momento musical, algo que nunca entendió Carmona, ya que para él era el artista más delicioso que había llegado a sus oídos en aquel momento. Era 1999.
Dos años después llegaba "Sea" y alguién creyó que podía gustarme y acertó. Me gustó y me ayudo a sobrellevar una época oscura emocionalmente. Era un disco lleno de luz y era lo que necesitaba.
En 2003 aterrizó "Eco" y Drexler pasó a ocupar un lugar importante en el altar de mis artistas de cabecera. En definitiva con "Sea" el uruguayo me enamoró y con "Eco" se confirmó este amor tardío.
Entre disco y disco tuve además la oportunidad de conocerle, charlar con él, entrevistarle y comprobé de cerca el talento de este médico metido a músico que había llegado a España de la mano de un admirador: Joaquín Sabina. Le conocí antes del Oscar y le volví a ver un año después del galardón. Ví el mismo hombre ilusionado y enamorado de la música, capaz de mezclar en una sola canción de tres minutos el folclore de su tierra, con los loops más modernos y estilizados del sonido siglo XXI. Y es eso precisamente lo que escucharemos en ECO.
ECO nació a medio camino entre San Lorenzo de El Escorial (Madrid), Montevideo y EEUU. Once canciones (en una primera edición), de aparente sencillez, que fueron reeditadas una y otra vez, hasta que la discográfica exprimió todo el jugo que pudo a un álbum en el que finalmente incluyó el tema oscarizado "Al otro lado del río" de la película del brasileño Walter Salles: "Diarios de una motocicleta". Reediciones, por cierto, que perjudicaron a los que impacientes habíamos comprado el disco recién salido del horno, todo hay que decirlo.
Fue un disco casero, trabajado desde su hogar, rodeado de guitarras y con su ordenador. El mismo que le mantiene siempre en contacto inmediato con su equipo de trabajo en Montevideo, su ciudad. Sobre su forma de trabajo ésto era lo que decía (en la entrevista que le realicé al publicar este disco): "Cuando escribo canciones las mando a mi equipo de producción en Uruguay en Mp3 y ellos me devuelven las primeras aproximaciones también a través de la red. Internet es una herramienta maravillosa, con el único inconveniente de que genera adicción. Me gusta tanto lo que hago que a veces no distingo entre trabajo y ocio. La guitarra es mi trabajo, es una herramienta de exploración personal, pero también es un juego".
Drexler es un inmigrante privilegiado, al menos así se siente por poder ir y venir a su tierra sin problema de papeles. Se trata de no perder sus raíces y también se convierte en el sano ejercicio, junto con la lectura de la prensa diaria, de tener los pies en el suelo.
Cada una de sus canciones son reflejo del momento vital del compositor. Así "Eco" llegó con el 11-S, la posterior invasión a Irak, la crisis del cono sur, de donde es él,... temas suficientemente graves para inspirar conciliadoras canciones como "La milonga del moro-judío". Por eso y porque una noche de copas en Madrid su amigo Sabina le regaló unos versos (escritos en un posavasos) del desaparecido Chicho Sánchez-Ferlosio, que rezaban: "Yo soy un moro-judío que vive con los cristianos, no sé cuál es mi tierra, ni cuáles son mis hermanos (...)".

1. Eco
2. Deseo
3. Todo se transforma
4. Mi guitarra y vos
5. Transporte
6. Milonga del moro judío
7. Polvo de estrellas
8. Se va, se va, se fue
9. Don de fluir
10. Fusión
11. Salvapantallas

Su primer single fue "Todo se transforma", un reclamo de justicia cósmica, o lo que ahora se ha puesto tan de moda y muchos llaman karma. Especial atención para "Guitarra y vos", por la consecución de geniales versos recitados sin apenas respiro.
Les dejo con esta preciosa canción un rico aperitivo de lo que pueden escuchar.

Beatriz P.Otín

Silvia Comes-Faro

2007-07-27T11:20:00.000-07:00

El currículum artístico de Sílvia Comes es, como mínimo, brillante. Inicia su trayectoria acompañando al laureado cantautor catalán Lluis Llach en las giras "Un núvol blanc" y "Un pont de mar blava" como voz solista. Como compositora e intérprete graba dos discos maravillosos junto a la cantante y actriz Lídia Pujol. En ambos trabajos el dúo "Sílvia Comes y Lídia Pujol" intercalan textos de cosecha propia (en catalán y en castellano) con otros de poetas como Gil de Biedma, Luís Cernuda, J. A. Goytisolo, Walt Whitman, William Blake y también algunos componentes de la generación beat norteamericana. El dúo acabará disgregándose tras el álbum "Al entierro de una hoja seca van dos caracoles" (2000). En este paréntesis discográfico S. Comes trabaja como compositora y cantante en el mundo del teatro y colaboraciones de diversa índole artística.

Pero no es hasta después de casi siete años que Silvia graba su debut en solitario bajo el luminoso y evocador nombre de "Faro".

Con "Faro" la cantante catalana se desmarca de sus anteriores trabajos con Lídia Pujol y, a un tiempo, sugiere hacía dónde se dirige a partir de ahora. Todas las piezas, textos como músicas son de su autoría. Comes deja atrás la variedad sonora de sus anteriores entregas con L. Pujol por un sonido global mucho más homogéneo.

Ante todo,"Faro", es un disco de excelentes canciones con un arropamiento musical exquisito. De temática heterogénea, Silvia Comes radiografía la médula de nuestros sentimientos y existencia cotidiana en diez piezas que nos dejan el alma vibrando de pura emoción y belleza. Pero no es un álbum contemplativo y hedonista sin más, posee un hondo calado estético, ético y reflexivo.

La propia Sílvia Comes comenta que "con Faro no pretendo ser la guía de nadie si no más bien reconciliar a la gente que la escucha con las cosas buenas y malas de la vida". El disco es francamente deleitable y, además, cumple muy bien con esa función catártica de la que habla Sílvia.

Abre el cedé "Carta de amor", un mensaje con destinatario incierto pero directo al corazón:
…

Por amarte estoy mejor
he limpiado mi reverso.
Domesticaste una flor
Mi cotidiano universo.
Te quiero/ me quiero
te quiero/ me quiero
como nunca me he querido antes.

"Días d" describe acertadamente la contradicción vital de nuestro tiempo con destellos de existencialismo:

"Días de guerra al natural,
días de tragar saliva,
días de sol artificial,
y de lluvia corrosiva.
…
Días de amor superficial
de humedades relativas.
Días de darte todo igual,
y de nadar a la deriva."

En "Calle" hace un retrato de la soledad, el anonimato y el insolidario individualismo de los transeúntes de las grandes ciudades:

"Calle, calle, calle, calle
y no oigo a nadie."

"Mie 2" es el ejemplo de canción-catarsis más clara. Sólo reconociendo y nombrando nuestros miedos podemos asumirlos y reconciliarnos con ellos.

"Miedo al paso de las horas
a los cambios repentinos
a la mínima demora…
al dolor en mi organismo
a manías castradoras
a sufrir casi por vicio
a la mano estafadora.
…
Pero si tú sigues ahí,
si eso es cierto,
nada me da miedo a mí
ni yo misma me doy miedo…"

Una de mis preferidas es "Tu estufa, mi frío", Comes describe admirablemente lo que ocurre cuando uno tiene lo que el otro necesita y paradójicamente se da el desencuentro.

"Tú con tus trapos, yo con mi polvo
tú pides peras, yo riego el olmo
tú con tu hacienda, yo haciendo hucha
tú con tus armas, yo con mi lucha
tú con tu sed, yo con mi grifo
tú exiges red, yo monto un circo"
…
Tu estufa, mi frío
Tú con lo tuyo, yo con lo mío."

La producción musical corre a cargo de Gonzalo Lasheras (Luis Eduardo Aute, Jorge Drexler, Javier Corcobado, Duncan Dhu o Esclarecidos) y la propia S. Comes.
Los arreglos, a cargo de Antonio Saúco (4 temas), Eduardo Laguillo (5) y la propia Comes en la pieza "La carabina", son de un equilibrado preciosismo y se mueven próximos al jazz clásico ensalzando en todo momento la tersa y seductora voz de Sílvia.

El selecto grupo de músicos que acompañan a esta vital cantautora son:
Gonzalo Lasheras: guitarras; Antonio Saúco: pianos y órgano ; Eduardo Laguillo: pianos, órgano, programación y percusiones varias; Marcelo Fuentes: bajo; Matthew Simon: trompeta y fiscornio y Vicente Climent a la batería.
El resultado final es un disco de carácter intimista y sobrio con un sonido muy cuidado. Un disco sinceramente recomendable.
Y es que Sílvia Comes es una de las mejores voces del panorama estatal, compone melodías delicadas sin llegar a ser empalagosas, escribe buenas letras y tiene una poderosa voz llena de matices expresivos.
Uno de los mejores discos publicados en este 2007 que esperemos tenga la acogida que se merece.

Título de canciones:

Carta de amor
Días d
La espera
Calle
Mie 2
Radiografía
La carabina
Tu estufa. Mi frío
15-17
Mujer en ruinas.

Grabación, mezclas y producción artística: Gonzalo Lasheras en Estudios Serendipity, Madrid.
Dirección musical: Gonzalo Lasheras y Sílvia Comes.
Producción ejecutiva: Sílvia Comes.
Masterización: Raphaël Jonin - Estudios Dyam, París.
Todos los temas escritos por Sílvia Comes. Fotografías: Sílvia Comes.
Diseño: Studi Juste Calduch. Edita Stres Music. Distribuye: K Industria Cultural. © (2006).

Francisco Martín Soler

Bebe-Pafuera telarañas

2007-07-19T21:08:00.000-07:00

Descubrí a Bebe, como no podía ser de otra manera, a través de dos mujeres.

La primera vez que supe de ella estábamos tomando un café (bueno yo un té) en una cafetería mi amiga Beatriz P. Otín y quien esto escribe, y en la tv del local pasaron su videoclip de "Malo". Entonces yo no tenía ni idea de quién era y era la primera vez que escuchaba –y veía- algo suyo. Recuerdo que, Beatriz, siempre tan erudita y tan bien informada de todo lo que a música se refiere, me hizo su ficha artística en un plis plas.

La segunda vez que la escuché fue en el coche de otra amiga y compañera de penas y alegrías musicales, Cristina López, porque tenía puesto el disco de Bebe. Aquí ya se picó mi curiosidad tras escuchar "Ella" que me pareció una melodía, sobre todo el estribillo, muy agraciada y atrayente. Además, y de acuerdo con lo que entonces me dijo Cristina, es una canción que da mucha marcha para afrontar las cosas, una especie de himno de liberación y en pro de la autoestima, y bien cierto es que siempre que la pongo me sube la moral más allá de las lindes de los mismísimos Campos Elíseos o del ultimísimo cielo dantesco.

Pero el disco son muchas más cosas: un suave ritmo ¿bossa? nos acomoda en nuestras butacas cual prefacio de los capítulos que vendrán después. Partes de un cancionero que pretende (y lo consigue) darnos una muestra de los variados registros musicales en que puede desenvolverse Bebe. Y es que esta mujer es ante todo una intérprete de colosal fuerza. Se nota que es actriz. Tanto, que es capaz de sostener la última canción del cd "Razones" solo con su voz y resultar convincente sin hacer alardes de agudos ni de garganta a prueba de bombas.
Otra característica singular del disco es el acento al cantar de Bebe. Esta mujer nacida en Valencia y criada en Extremadura (me siento muy cercano a ella en esto porque yo soy igual de apátrida pues nací en Zaragoza y me crié desde siempre en Madrid) canta con el acento de su tierra adoptiva y consigue una gracia especial que a mí personalmente me encanta (por internet circulan videos de una Bebe previa cantando sin acento alguno por cierto) y me parece uno de los grandes hallazgos de este cd.

Hubo quien comparó a Bebe, con cierto desdén, con la propuesta de Amparanoia. Sinceramente creo que juegan en diferentes ligas pero es que además ni siquiera creo que el jolgorio rítmico de Amparo sea algo a minusvalorar. Bebe Bebe con mayor seguridad de los hontanares de esa obra maestra que es el "London calling" de los ingleses The Clash y cita con gracia en los créditos a la francesa Françoise Hardy quien supongo le habrá influido a la hora de cantar, con ese tono de niña pequeña y ese toque de ingenuidad perversa.

1. Men señará
2. Ella
3. Con mis manos
4. Siempre me quedará

5. Malo
6. Ska de la tierra
7. El golpe
8. Revolvió
9. Como los olivos
10. Cuidándote
11. Siete horas
12. Tu silencio
13. Razones

Dos cosillas antes de terminar. Por un lado reseñar la buena y desprejuiciada producción de Carlos Jean, que creo da una vuelta de tuerca a lo que hasta ahora se había hecho con cantautores. Por otro indicar que Bebe, como bien es sabido, se permite el lujo de despreciar a ese desleal compañero que es el éxito. Olé tus... bueno tus lo-que-sea, pero olé. La lástima es que –por ahora- muchos somos los que nos quedamos huérfanos de un segundo disco.

En fin, que mi canción favorita es "Como los olivos" por la fuerza que tiene... porque me encanta cuando dice tan a su manera aquello de: "te robaré algún cabello para amarrarlo a las trenzas de mi pelo". Bonito ¿verdad?.

abuineitor

Benedicto-Pola unión

2007-07-18T10:05:00.000-07:00

Pola unión: (1976)

1. Os compañeiros (Benedicto)
2. María Soliña (Celso Emilio Ferreiro-Xavier García del Valle)
3. Nosa Señora da Guía (tradicional/ arreglos: Benedicto)
4. Cantar do berce pró víspera de emigrar (Benedicto)
5. Latrica Marica (Benedicto)
6. Dorna (Benedicto)
7. Si vas ó convento de Herbón (popular)
8. Berros de loita (Xosé Manuel Cabada Vázquez/ Benedicto)
9. Enterro do neno probe (Luis Pimentel/ Benedicto)
10. Pola unión (Manuel Curros Enríquez/ Benedicto)

Hace algún tiempo leí el nombre Benedicto como el pionero de la canción de autor gallega en algunos libros conocidos sobre la canción de autor de los años 60 y 70. Concretamente en uno de ellos se hacía eco de la sorpresa de que fuera él el primero o de los primeros cantautores españoles en hacer una canción contra la guerra del Vietnam. Tiempo después, cuando empecé con esta aventura por la red, me encontré con un blog de opinión suyo, en el que estaba un correo de contacto. Después de haber escuchado su música fui incapaz de evitar el ponerme en contacto con él, si bien es cierto que al principio, con una idea preconcebida de alguien que había cantado, grabado discos y dado actuaciones a lo largo del país y del extranjero, poco más que casi le traté de usted: bien equivocado estaba, pues descubrí que por debajo, o mejor dicho, encima del cantante estaba una persona amable, amistosa, sincera y humilde, sin que por ello se disfrace de falsa modestia. Desde entonces hemos mantenido una relación cordial de amistad, aunque sea "por correspondencia". De esta manera, uno ya no puede escuchar sólo su música desde un aspecto técnico o sentimental (en lo referente a los sentimientos que despierta), sino con un enorme cariño bien fundado.

Pola unión es el 1er LP grabado de Benedicto, y supone su reconciliación y reencuentro con la música tradicional de su tierra (al igual que le pasó a todos los miembros de Voces Ceibes), debida muy especialmente a su trabajo junto a José Afonso, aquel gigante de la canción popular portuguesa, al que acompañó durante buena parte de los primeros 70: por eso la inclusión de algunas viejas tonadas populares como "Si vas ó convento de Herbón", "Nosa señora da Guía" (la cuál, según cuenta, fue un descubrimiento del hijo de Zeca, quien hizo la versión portuguesa "Chula da povoa) o la melodía que abre "Dorna". Utiliza los versos de algunos de los mejores poetas en lengua gallega como Curros Enríquez, Pimentel, C. E. Ferreiro, y, se podría decir, reivindica a un poeta bastante desconocido como era Cabada Vázquez y su llamada a la insurrección de los campesinos gallegos; por otra parte, rescata la 1ª musicación que se hizo del poema "María Soliña" de C. E. Ferreiro por parte de Xavier González del Valle (se puede escuchar en el recopilatorio Noticias da Nova Canción Galega). Y por supuesto, las letras del mismo Benedicto, que, dicho sea de paso, tampoco tienen nada que envidiarle a los grandes poetas galaicos: de todas ellas, "Os compañeiros", un canto de solidaridad y una alabanza a la clase trabajadora y campesina, es mi favorita, sin desmerecer, por supuesto, a temas como el tiernísimo "Cantar de berce pró víspera de emigrar", en el que aborda, al igual que todos sus paisanos, el triste tema de la emigración gallega imitando las melancólicas tonadas tradicionales galaicas como el alalá. También el canto a los trabajadores de la mar en "Dorna". Tampoco se puede obviar la magnífica labor de producción del gran Alberto Gambino, que además de cantar sus propios temas, produjo la mayoría de los discos de canción de autor de los años 70; su trabajo impregna el disco con su talento y profesionalidad, sin que ello signifique el desplazamiento ni el soterramiento del cantante o del productor. El disco es una obra de la Transición: la elección del título no es azarosa, y es una llamada a la unidad de los gallegos (y de los otros pueblos también) para construir (o mejor dicho reconstruir) la democracia; como obra de la Transición, abundan referencias políticas, especialmente regionalistas (me vas a permitir usar esta palabra para entendernos). Sin embargo, es mucho más que eso, mucho más que el típico disco de la Transición (si es que hay alguno típico): es un canto a la solidaridad, al amor, al pueblo que trabaja, lleno de ternura unas veces, otras de amargura, sin que falte por ello la temática amorosa ... No es tanto política como esto.

Podéis oír algunos de sus temas en su blog: Chiscando un ollo

Gustavo Sierra

Javier Maroto-Luz

2007-07-16T13:33:00.000-07:00

No hay mejor manera de comenzar el día que diciendo "¡Buenos días!" y es así como Javier Maroto, cantautor madrileño, presenta su primer disco llamado "Luz".
La primera vez que disfruté esta canción fue en directo en el ciclo de música de autor "Canciones al filo" en Collado Villalba. Tras escucharle dando los buenos días, escribí el segundo capítulo: hacerme con su disco y descubrir en casa qué ocurría después de esa matinal composición. Y así me topé con trece preciosas canciones (más un corte de tomas falsas) donde brillaba la voz de Javier con frescura y descubría ricas melodías, consecuencia seguro de un complicado engranaje y una cuidada formación de conservatorio.

Numerosas colaboraciones, entre ellas, destacar quizás por su veteranía, la de Pablo Guerrero, quien nos regala estos preciosos versos:

"No ocupa sitio el canto de los pájaros, ni la risa del agua en la verde laguna, ni la mirada que vuela hasta el final del mar, ni la noche de estrellas que rodea el mundo. No ocupa sitio mi cuerpo cuando está en el tuyo".

Y es que en "Luz" encontramos numerosas amigos, por lo que dictan los créditos y delatan las fotos, y es así como es "Luz", consecuencia armoniosa de buenos músicos y mejores entendedores.

Tengo que reconocer que la primera vez que escuché a Maroto me recordó al Pedro Guerra de "Golosinas"; en una segunda escucha descubrí más matices y a la tercera... un cantautor de contundente personalidad delatada en sus letras donde cabe el amor, la amistad, la familia, la compasión o la denuncia.

1. buenos días
2. mirar tu risa (con Álvaro Fraile)
3. si no le escuchas
4. jumilla la uva
5. denis
6. soneto besado (con Sandra Crivelli)
7. el camino de María
8. despedida para un ángel
9. hay quien espera
10. no ocupa su sitio (con Pablo Guerrero)
11. el colgao (con Vega y Miguel Angel Ur)
12. luz
13. tomas falsas
14. entre hermanos

Se cumplen ahora tres años de las primeras grabaciones de este disco, y coincidiendo con este aniversario leo en su página que se marcha a Buenos Aires a iniciar una gira de conciertos con el cantautor argentino, Hernan Lerner, y a grabar el que será su segundo disco: "Al revés".

Desde Autaria sólo puedo decir, ahora, antes de que se marche, que ya esperamos con impaciencia su regreso de "al revés".

Desde el silencio a la musicalidad, pasando las hojas de su libreto y eligiendo cualquiera de las canciones que las llenan, porque por generosas... se hacen nuestras.

-- Beatriz P.Otín

Olga Román 2

2007-07-07T10:24:00.000-07:00

La parte aterciopelada de Joaquín Sabina tenía nombre de mujer: Olga Román. Y utilizo el imperfecto porque hace poco leí que el tandem Román-Sabina se decía hasta luego, después de 14 años. Década y media arropando al ronco de Úbeda en escenarios y discos como "Esta boca es mía", "19 días y 500 noches", "yo, me, mí, contigo" o "Nos sobran los motívos".
Con la música como leitmotiv fue también la voz coral de Luis Eduardo Aute (1983-1984) antes de su aventura americana y más recientemente y haciéndo honor a su versatilidad, de Fito y los Fitipaldis, Jorge Drexler, Extremoduro o Pablo Guerrero. Por añadir líneas a su currículum: es voz de cine en "El amor perjudica seriamente la salud" o "El principio de Arquímedes".
Sin embargo y más allá de ser la segunda voz por excelencia, Olga Román, con una asentada mayoría de edad musical re-cumplida, es Músico. Un gran músico.
Nos enfrentamos a una mujer creativa, una señora, una artista que ha sabido destacar cuando ha tenido que hacerlo y mantenerse en un segundo plano, tan discreta ella, cuando las circunstancias así lo escribían. Quizás por eso y por el gran talento que riega sus dos disco: "Vueltas y vueltas" (2001), con preciosos temas que afloran de lo profundo del corazón a la lágrima (que con pudor ocultamos), y "Olga Román2", editado en 2005, donde revalida como compositora junto a Juan Uría... se convierte en una artista que debe brillar con luces de neón para que no nos pase desapercibida.
En este segundo disco, con dos ciudades en su carnet de identidad: Madrid y Buenos Aires, descubrimos un corazón, el tuyo o quizás el mío, quien sabe, que muere y resurge con fuerza de las cenizas. Bellas melodías de pop, jazz, toques de blues y aromas brasileños (esos que tanto le gustan) con los narra el proceso de recuperación de un corazón roto que con el tiempo como medicina imprescidible... se hace fuerte, se asoma a la vida y finalmente se cura.
En "Olga Román2" además encontramos dos antojos de su autora: Jorge Drexler y Carmen París. Dice Olga: "Las dos aportaciones han sido maravillosas y han hecho crecer las dos canciones. Son dos artistas que me gustan mucho y a los que admiro y respeto".
Debo reconocer, si se me permite esta licencia, que las dos canciones corales me encantan: es la suavidad del uruguayo Drexler vs. la fuerza de la mañica Carmen París, ¿qué más se puede pedir?. Será debilidad personal.
El disco es una producción ejecutiva de Olga Román para "Vueltas y vueltas, producciones", y se puede conseguir a través de su página web y con suerte en Fnac.
Os dejo este rosario con once misterios.

1. la cuestión
2. brindis
3. como si nada
4. ahora ya vez
5. apareces (con Jorge Drexler)
6. eso y todo lo contrario
7. un día particular
8. era el mar
9. me asomo (con Carmen París)
10. dime por qué
11. otro tiempo llegó

De Olga se pueden decir muchas cosas, pero quién mejor que Sabina que tantos años la compartió con nosotros:

¿Olga Román? Pregúntale a cualquiera
que no venere el cielo de su boca
de su desván, pomelo con caderas
del dulce desconsuelo que provoca.

Cuando en plazas de toros imposibles
pega su voz a mi como una lapa
sus coros rompen techos y fusibles
y el don de su despecho se destapa.

Su bola de cristal llena de dientes
es un peligro para las morenas
tontas de la ton tómbola amarilla.

¿Olga Román? No ejerzo de vidente
pero poned su charme en las antenas
y yo estaré apludiendo de rodillas.

Beatriz P. Otín

Cecilia-Un ramito de violetas

2007-07-04T06:18:00.000-07:00

En una reciente entrada en este blog sobre la estupenda cantautora María José Hernández, decía Francisco Espinosa que en España existen y han existido pocas cantautoras, y que, las que hay, no alcanzan o alcanzaron un excelente nivel por lo general, comparadas con sus pares, los cantautores. Cuando leí esto, rápidamente pensé para mí: “puede ser... excepto Cecilia claro” (bueno confieso que también pensé en Elisa Serna y en las Vainica Doble pero estas últimas son otra historia, además, a ellas les gustaba que las consideraran ¡rockeras!). Y pensé esto, porque en mi opinión no ha habido -ni aun hoy hay- ninguna como ella, tan elegante, sencilla y seductora en todos los sentidos, y con tanta sagacidad, perspicacia y ternura escribiendo canciones.

No voy a contar la vida de Cecilia, ni quién era, ni hablaré de su lamentable muerte. Primero porque creo que es de sobra conocida y segundo porque prefiero centrarme en su breve manda musical, que es lo que cualquier artista –de los de verdad- desea, esto es, ser recordado por sus obras, no por sus yates.

Publicó Cecilia su tercer vinilo en 1975 con el mismo título de la que ha sido su canción, que también se incluía en el disco, más famosa: “Un ramito de violetas”. Este disco supuso un gran reconocimiento popular y en gran medida su consagración tras “Cecilia” su primer lp de 1972 que incluía su primer gran éxito “dama, dama” y su segundo lp del año siguiente “Cecilia 2” menos conocido. La producción del disco estaba arreglada, dirigida, por el conocido músico Juan Carlos Calderón con quien, por cierto, iría poco después al festival de la OTI representando a España con “amor de medianoche” quedando en un dignísimo segundo lugar. De esta producción y sus arreglos solamente diré que es muy buena, como no podía ser de otro modo estando Calderón detrás, y que las soberbias canciones se enriquecen con la distinguida instrumentación, muy orquestal y generalmente apropiada al tema, salvo quizás por esos mariachis de “mi querida España” que a mí personalmente me chirrían un poco.

Títulos:

1. Mi querida España
2. Decir adiós
3. Sevilla
4. La primera comunión
5. Nuestro cuarto
6. Esta tierra
7. Mi pobre piano
8. Un ramito de violetas
9. Don Roque
10. Tu retrato

Las canciones de este disco siguen la línea de otras canciones publicadas anteriormente y ahondan en los temas favoritos de Cecilia, como la descripción de un país –el nuestro- y de sus personajes más característicos y descompuestos, que ya en los años setenta, cuando son escritas, constituyen un anacronismo. Quizás en esta manera de escribir, de elegir los temas, tenga que ver el hecho de que nuestra admirada cantautora pasó su infancia viajando por el mundo (era hija de diplomático) y así pudo adquirir una visión cosmopolita y sutilmente crítica de lo que estaba pasando en nuestro país.

Destacan composiciones como “mi querida España” o “esta tierra” donde se habla de España siempre con amor; con referencias, creo, en la primera, al triste suceso bélico del 36, a lo que parece, uno de los temas que más la obsesionaban y dolían, y, con esos ambiguos versos en la segunda que tanto me impresionan cada vez que los escucho:

“Y yo, que no tengo patria ni bandera
Me moriré de pena si muere esta tierra.”

Otra gran canción, es “Sevilla”, con una letra que es un estimable poema (una especie de romance con muchas libertades en la métrica) y cantada con una gran dulzura y afección. También son dignas de ser señaladas “la primera comunión” (nada que ver con la popular copla de Juanito Valderráma, pues se trata ésta de un compacto retrato costumbrista) y “Don Roque” que hablan de esa España profunda y de sus añosos personajes protagonistas de lo cotidiano de que hablábamos más arriba, que tan bien pintaba Cecilia con su voz.

Por supuesto también incluye el disco su mayor éxito, como dijimos, que es la inevitable “un ramito de violetas”, una hermosa y cabal canción, que cuesta escuchar sin prejuicios por lo tan conocida que resulta, tanto en la versión de la propia autora como en la de las versiones que se han hecho por otros artistas. Personalmente creo que la gran popularidad de esta canción ha hecho más mal que bien a la figura de Cecilia porque ha impedido que sean escuchadas y admiradas muchísimas otras tan sobresalientes como ésta, pero en fin, es lo que hay.

La portada del disco (afortunadamente es fácil de encontrar porque está editado en cd por Sony) fue dibujada por la propia Cecilia así como los dibujos que ilustran las canciones en el interior (que por desgracia en la edición en cd que tengo no están) que gustaba de pintar en un estilo naif muy colorista y con bastante gracia y donaire.

En fin, que retomando el inicio de este comentario o reseña, me gustaría acabar repitiendo lo que dije, es decir, que hemos tenido al menos una cantautora de altísimo nivel, Cecilia, solamente comparable, a mi juicio, con autores de la calidad de Serrat, por ejemplo, con quien por cierto creo que hay una gran cercanía y semejanza de estilo; y aún diría más: Cecilia es incluso más completa que nuestro querido maestro cantautor catalán, en tanto en cuanto que su voz fue, y todavía es, gracias a la magia del disco, mucho más atrayente y cautivadora, puro sortilegio musical.

abuineitor

Paco Ibáñez-Canta a Brassens

2007-07-01T09:03:00.001-07:00

Paco Ibáñez ha hecho magníficos discos a lo largo de su extenso recorrido musical. El inencontrable disco donde interpreta –en una cara del disco- a Pablo Neruda acompañado por el grupo Cuarteto Cedrón es el disco de Ibáñez más rico instrumentalmente. Sólo a partir de la década de los 90 encontramos dos discos donde el cantautor valenciano recurre a varios instrumentistas para colorear algo el sonido austero que le caracteriza. En el año 1979 nos regala un disco a medio camino del espléndido canto a Neruda y su primer disco a dos guitarras musicando a Lorca y Góngora: ese disco tan brillante no es otro que el de “Paco Ibáñez canta a Brassens”.

Este disco lo escuché por primera vez cuando tenía 16 años y llegó a mis oídos como una nevada en el mes de Julio. El disco rompía la linealidad compositiva de Ibáñez y su austeridad sonora. Aún recuerdo la eufórica ansiedad que corría por mis venas al ponerlo en el tocadiscos. Y con los años… nada. Paco Ibáñez vacuna sus discos contra los efectos adversos del tiempo y si ha cambiado algo, es que ahora lo disfruto aún más que a mis 16 años.

Nos hallamos ante un disco muy especial dentro de la carrera musical de este mito de la canción por diversas razones:
Es el único de toda su trayectoria que dedica por entero a un poeta; canta a un poeta de lengua no hispana por vez primera y, por primera vez, el cantante deja de ser juglar en el sentido estricto del término –no musica ningún poema- y se convierte en intérprete de su adorado mentor y maestro espiritual: el gran cantautor y poeta francés Georges Brassens que cantó a la irreverencia, a la filantropía, al erotismo y a la cordialidad desde su íntimo ideario anarquista. Paco Ibáñez se consagra a dicho espíritu y lo materializa magistralmente en este genial y sincero tributo al gran poeta de la chanson.

Para un proyecto de tal envergadura P. Ibáñez cuenta con la complicidad del propio Brassens y las acertadas adaptaciones al castellano del poeta provenzal Pierre Pascal. En la parte musical le avalan los arreglos de guitarra de Jean-Luc Maréchal y su sobrino Maximiliano Ibáñez, y el inefable contrabajo de François Rabbath que brilla por su lirismo y sensibilidad. El trío aporta una rica paleta armónica y rítmica no exenta de elegancia y solidez.
La profunda y aguardentosa voz de Paco recorre con soltura y sabiduría una a una las maravillosas canciones de G. Brassens haciéndoselas suyas con esa facilidad que tiene para hacer suyos los versos ajenos.

Para mi uno de los mejores discos en castellano dedicados a la gigantesca figura de G. Brassens. Dos datos curiosos, el mismo Brassens cantó en castellano tres de las adaptaciones de P. Pascal , “La mala reputación”, “El testamento” y “La pata de Juana” ; así como el cantante de rock Loquillo cantó “La mala reputación” en 1989 en el disco “A por ellos que son pocos y cobardes” pidiéndole permiso a Paco para versionearla. Os dejo la estrofa final de tan mítica canción:

“No hace falta saber latín / yo ya sé cual será mi fin,
en el pueblo se empieza a oír,/ muerte, muerte al villano vil,
yo no pienso pues armar ningún lío/ con que no va a roma el camino mío,

No a la gente no gusta que / uno tenga su propia fe,
Todos vendrán a verme ahorcar, / salvo los ciegos, es natural”.

Canciones:

1- Saturno (Saturne)
2- Canción para un maño (Chanson pour l’auvergnat)
3- La mala reputación (La mauvais réputation)
4- Juan Lanas (Bonhomme)
5- Tengo cita con usted (Je rendez-vous avec vous)
6- Por una muñeca me hice chiquitín (Je me suis fait tout petit)
7- Pobre Martín (Pauvre Martin)
8- La bella y el manantial (Dand l’eau de la claire fontaine)
9- La pata de Juana (Le cane de Jeanne)
10-El testamento (Le testament)

Grabación y mezcla Estudio Adam, ingeniero de sonido: Madelyne et Philippe Beacaump, Fotos: Rogelio Ibáñez.
Diseño y dibujos: Tony Gayán.
Edita PDI.-1979.

Paco Martín Soler

Andres Calamaro-Alta suciedad

2007-06-24T01:52:00.000-07:00

Siguiendo el hilo del comentario escrito por Antonio Gómez sobre Carlos Montero y los cantautores que emigraron a nuestro país a empezar o recomenzar una carrera artística me decido a escribir éste. Y es que es un buen ejemplo, quizás el que mayor éxito ha logrado dicho sea de paso, de carrera retomada en España, por un artista foráneo. Corría el año 1990 cuando Andrés Calamaro hace las maletas para venirse a Madrid en gran medida huyendo de la hiperinflacionada situación económica de Argentina. Al llegar aquí, se une a Ariel Rot, argentino como él y ex_Tequila, a Julián Infante, otro ex_Tequila, y a Germán Vilella, para formar el popular grupo de rock Los Rodríguez. Aunque el origen del grupo es previo, creo. Recuerdo que por aquellos años –quizás un poco antes- Julián, a quién tuve la suerte de conocer, me invitó, y al grupo en que yo tocaba entonces, a un concierto de varios grupos al aire libre en que iba haber participado él, pero justo ese día venía Ariel Rot de Argentina en avión y Julián se fue a buscarle (estaba muy ilusionado con verle porque hacía mucho que no lo veía) y al final no aparecieron ninguno de los dos.

El caso es que tras unos años de gran éxito el grupo se separa y Andrés, que ya había grabado varios discos en solitario antes de venir a nuestro país, vuelve a grabar de nuevo con su nombre, lo que, en rigor, se puede considerar su primer disco en solitario en España. Sin embargo, la grabación del disco, no se llevará a cabo aquí; se hará a caballo entre Nueva York, Nueva Jersey y Miami, con el productor de Los Rodríguez , Joe Blaney, y con músicos negros curtidos en grabaciones de Aretha Franklin, Tom Waits, John Lennon, etc. Así pues, éstos, imprimirán su sello y su natural alma negroide, musicalmente hablando claro, a la bigarrada propuesta de Calamaro, lo que hace que sus canciones a ritmo de funk y de rock, de zydeco y soul, rumba y tango, reggae y psicodelia, folclor y tex-mex, cobren una extraña unidad y coherencia, gracias a su labor y a la característica voz de Andrés, omnipresente.

Temas:

1. Alta suciedad
2. Todo lo demás
3. Donde manda marinero
4. Loco
5. Flaca
6. Quién asó la manteca?
7. Media verónica
8. El tercio de los sueños
9. Comida china
10. Elvis está vivo
11. Me arde
12. Crímenes perfectos
13. Nunca es igual
14. El novio del olvido

Personalmente creo que de los que he oido hasta la fecha, este es el mejor disco que ha parido. El sonido se erige como una torre enladrillada con exóticas delicias y la dignidad y la clase de las canciones no decae jamás. Desde “Flaca” ese homenaje a su admirado Dylan (por no hablar del aspecto del cantautor en la portada y fotos interiores cual Dylan de los años setenta) pasando por la hermosa, poética y triste “Media verónica” o la irónica ranchera-blues de “El tercio de los sueños” hasta la fina joya, el delicado tesoro del disco que, para mi gusto constituye “El novio del olvido”, este es un cáliz musical del que se apura hasta la última gota sin darse uno cuenta. Mención aparte merecen las apariciones estelares de Palito Ortega (sí, el de “la felicidad oh oh oh oh...”) o del profesor universitario y afamado conocedor del mundo cultural de las drogadicciones Antonio Escohotado (por cierto que fue profesor mío, un tipo muy interesante) que se marca una larga parrafada locutada sobre un pastoso reggae de casi ocho minutos.

Ya dije que hasta la fecha para mí es lo mejor que ha hecho Andrés. Un cd que satisface plenamente tanto al cantautor que creo que hay en mi, como al rockero que me identifica. Un disco irrepetible y que creo contrasta -para bien- con lo que en los últimos tiempos ha hecho, volcado como está en el universo de las versiones de clásicos a las que siempre ha sido tan aficionado (comentábamos mi amigo Alejandro Romano y yo que no a todos les ha gustado mucho sus revisiones de canciones tan populares, más de un argentino ha debido decirse así mismo aquello de “si el Polaco Goyeneche levantara la cabeza...”). Pero bueno, pese a todo, sigo pensando que todavía puede superar este gran disco “Alta suciedad”. Talento y sabiduría le sobran, sin duda...

abuineitor

Joan Isaac-De profundis

2007-06-21T08:10:00.000-07:00

“De profundis” es el último disco, por el momento, de Joan Isaac. Su título hace alusión a la obra de Oscar Wilde, y como en esa obra, Joan Isaac hace en su trabajo un repaso sobre la condición humana, en toda su amplitud. Todas las letras y las músicas están compuestas por él. El disco está realizado en formato de Digipack; los músicos que lo acompañan son de primer orden, y la fotografía es de Juan Miguel Morales, que como retratista de cantautores es único, muestra de ello es su libro “Retratos de cantantes”, editado por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

La traducción de los textos ha estado a cargo de un poeta y escritor gaditano, José Manuel García Gil, que a modo de presentación del disco escribe un prólogo titulado “Verdad y Experiencia”. Lo que se expresa en esta introducción refleja la genuina personalidad de Joan Isaac:

“…..En la vida diaria ocurren siempre cosas, pequeñas historias, a veces cataclismos, alguien muere, uno se condena o se redime de una culpa, nos encontramos solos en la orilla de una ciudad de la que nada sabemos todavía. La fragilidad, el amor en la rutina, la muerte de un amigo, el frío del tiempo o el paso del invierno. De esas pequeñas historias está hecha la música de Joan Isaac, lo estuvo en esencia desde siempre, desde aquellas primeras canciones militantes de hace muchos años. Ellas son la columna vertebral de la verdadera poesía...”.

Esta es la mejor presentación de Joan Isaac y de su trabajo, yo no podría añadir nada, pero hablaré un poquito de sus canciones.

El CD empieza con una frase de Oscar Wilde que engloba el sentido del disco:” Qui assumeix el risc de les profunditats assumeix el propi risc…”. La primera canción creo que es una de las mejores, “T´estimo en la rutina” , una verdadera y sincera canción de amor, no trata de ese amor tan aireado y grandilocuente al que canta la mayoría de los autores, es sobre un amor corriente, el amor en el que la generalidad de la gente se instala, el de todos los días, con sus momentos de ilusión, de pasión, de desengaños y decepciones, la vida cotidiana reflejada en cada estrofa.

Todas sus canciones tratan de la vida, canta a la fuerza y a la ilusión de la juventud en su tema “A Paula”; a la ternura hacia la vejez, que nos vuelve de nuevo niños, en “Els infants”; al paso inexorable del tiempo “I passa, passa el temps”; al romanticismo y a los riesgos en “Em parlaves de l´amor”; a la llegada del invierno en al alma, “Hivern”. Se ríe de la catadura de quien pone precio a todo y sobresale a costa de pisotear a los demás en “L´Home model”. Habla sobre los sueños en “Havana dreamin´”, solo quien haya conocido La Habana podrá adivinar lo que encierra esta canción.

Cuenta el disco con dos colaboraciones, Ana Belén en “Manfred”, la historia de Man, el hombre que murió de pena frente a la tragedia ecológica y humana provocada por el chapapote del Prestige; y Lluis Llach lo acompaña en “Cala la nit a San Remo”.

Termina con una canción impresionante, “Adéu-siau Josep Maria”, donde juega con una expresión frecuente. Solemos decir “me muero de” para cualquier cosa, pero lo que de verdad nos mata un poco es la pérdida de alguien a quien queremos, es un homenaje y una despedida a un amigo.

Quiero terminar este comentario hablando de una canción que considero especial, “Tot és fràgil”. Tanto la letra como la música están hechas con una delicadeza y una sensibilidad increíbles; habla sobre la fragilidad. Todo es frágil, sobre todo la vida, y quiero escribirla aquí completa, es mi modesto reconocimiento a su autor, que el año pasado estuvo a punto de demostrarnos, personalmente, hasta que punto todo es frágil.

Tot és Fràgil

Com el vol indecís, d´un sospir
Que arriba amb esma al pit, les tardes tèbies.

Com la llum dels capvespres d´abril,
que claregen les nits de Primavera.

Tot és fràgil, massa fràgil.
Tot ès frágil, frágil, frágil

Com l´estranya saviesa dels vells
O el dibuix d´un ocell sobre les roques.

Com la flor que s´ha obert d´improvis,
la riquesa, l´oblit, la bellesa.

Tot és fràgil, massa fràgil.
Tot ès frágil, frágil, frágil

Com el temps que s´amaga als miralls
o el misteri profund d´un incendi d´estrelles

Com la vida que tinc a les mans,
com un germà que he abraçat en l´absència.

Tot és fràgil, massa fràgil.
Tot ès frágil, frágil, frágil

Este disco fue publicado por Discmedi en enero de 2006 y presentado en concierto en Febrero de ese mismo año en el Petit Palau de Barcelona, estas son las canciones:

1. Introducció
2. T´estimo en la rutina
3. Els infants
4. Havana dreamin´
5. Manfred
6. Cala la nit a San Remo
7. A Paula le falten més hores
8. Em parlaves d l´amor
9. Tot és fràgil
10. Hivern
11. L´home model
12.I passa, passa el temps
13.Adéu-siau, Josep Maria

Mª Gracia Correa

María José Hernández-Círculos concéntricos

2007-06-20T05:44:00.001-07:00

¿Y de cual de los tres discos voy a escribir?. Eso es lo primero que vino a mi cabeza cuando decidí escribir hoy sobre María José Hernández, ya que creo que es muy difícil cualificar cual es el mejor de los discos de esta cantautora aragonesa.

La primera vez que supe de su existencia fue hace años, cuando un amigo mexicano me envió un correo recomendándome encarecidamente que visitar su página web y escuchara sus canciones y su voz. Creo que siempre le estaré agradecido, ya que descubrí en ella una gran cantante, una magnífica compositora y una excelente persona.

Por desgracia, en el mundo de la canción de autor en España hay un porcentaje diminuto de mujeres. Además, por si fuera poco, las que hay tampoco es que tengan en su mayoría un excelente nivel (sé que esto puede sonar tal vez machista, pero créanme, por desgracia es así, ya me gustaría a mí poder decir lo contrario, debe ser que las mujeres se decantan por otro tipo de música). Además, las más famosas han sido las que o no han escrito nunca nada, o que han escrito poco, como es el caso respectivo de Ana Belén y de Rosa León, para mi gusto, las dos mejores voces españolas de autor.

Bueno, el caso es que este, el tercer disco de María José, es un excelente disco, cuidado, mimado desde el primer minuto en que se puso a escribir, hasta el último minuto de grabación. Trabajadísimo, ha contado con una producción de lujo, el detalle de colaboradores es exquisito, gente como Gonzalo Lasheras, Billy Peterson, Javier Coble, Marcelo Fuentes, Joaquín Pardinilla, Ernesto Cossío, Tito Dávila, Josué Barrés y José Luis Seguer.

María José es una cantautora honesta, una “trabajadora” de la música, pero a la vez derrocha inspiración. Las músicas exquisitas, las letras tienen una solvencia muy difícil de encontrar en estos días. No se arruga ante nada, ya que en las temáticas se atreve con casi todo y además se compromete, arriesga su piel en cada verso.

Hay canciones como “Siempre”, en la que nos hace un duro relato social, una crítica sin complejos al día a día que vivimos, o canciones como “Si tienes sed”, canción en la que rebosa el compromiso, que nos aleja de las medias tintas. Hermosísimas canciones de amor como “Las estaciones” o “A veces preguntan” y “Puedo”, una maravilla rebosante de sensualidad. Todo esto sin olvidarnos de la que da título al disco, “Círculos concéntricos”, en donde María José dice , que todo es circular y es concéntrico. De lo íntimo a lo universal, de lo cotidiano, a lo cósmico todo se deja envolver por el pulso cíclico de la vida.

Si por si fuera poco, María José nos permite escuchar en línea todas las canciones de sus discos a través de Internet, así que déjenme que les recomiende que las escuchen y si les gustan, que compren el disco, que no se arrepentirán.

Canciones:
- Círculos concéntricos
- Siempre
- Las estaciones
- Si tienes sed
- Versos y rabia
- Imagínate
- Puedo
- Mujer de arena
- La punta del iceberg
- A veces preguntan
- www.cariño.com
- Niña buena

María José Hernández, una gran cantante, una magnífica compositora y una excelente persona.

Francisco Espinosa

Carlos Montero- Lo mejor de Carlos Montero

2007-06-19T10:00:00.000-07:00

Hace un par de semanas se presentó el tercero de los libros “…Y la palabra se hizo música. La canción de autor en España”, de Fernando González Lucini, dedicado en este caso a aquellos cantautores que, aún habiendo nacido en Latinoamérica, tuvieron una importancia decisiva en los creadores españoles del género. En el texto, se hace especial referencia, como es de suponer, a aquellos que viajaron a España, por motivos bien políticos o de intentar hacer una carrera en nuestro país, o mezclados ambos.

Estudia Lucini en el libro la obra de cantautores como Claudina y Alberto Ganbino, Quintín Cabrera, Rafael Amor, Carlos Montero, Olga Manzano y Manuel Picón, Alberto Cortez, Indio Juan, Pony Micharvegas, Omar Berruti, Gonzalo Reig y algunos más, que siendo originalmente de Argentina, Chile o Uruguay desarrollaron su carrera en España. Coincidieron los presentadores del libro en la SGAE, que esta edición es un acto “de justicia”, porque viene a reconocer el carácter español de estos cantautores, que desde que llegaron se integraron en lo que se estaba haciendo aquí, participaron en conciertos conjuntos, cantaron, colaboraron y compusieron con artistas españoles y, en definitiva, son parte integrante de la canción española.
Un acto de justicia, además, porque si el olvido de los poderes públicos, mediáticos e industriales fueron en ciertos momentos crueles con los cantautores españoles, lo fueron aún más con los procedentes del otro lado del Atlántico. A ellos se les negó el pan y la sal y en los últimos años se han visto sometidos a un doble extrañamiento: el de los países de los que proceden y de los que tuvieron que emigrar o exiliarse porque les perseguían como ciudadanos, y el del país en que se integraron como una parte más de su cultura, que les ha rechazado como artistas.
Por eso es para mí un acto de respeto, admiración, justicia y cariño escribir en esta página, dedicada a los cantautores españoles, de uno de ellos, quizás uno de los más destacados creadores que ha dado la música latinoamericana en nuestro país. Se trata de Carlos Montero, cuyos trabajos alrededor del tanto constituyen una refundación del género original, revolucionaria y de una calidad absoluta.

Nacido en Buenos aires en 1938, Juan Carlos Zamboni, verdadero nombre de Carlos Montero, estudió guitarra clásica y se integró desde niño en el mundo del folklore argentino. Llegó a Europa en 1959 formando parte de una compañía folklórica en la que también estaba Alberto Cortez, y en 1964 se instaló en España. Desde my pronto se integró en la música española como arreglista e instrumentista en discos de Aute (entre ellos esa obra maestra que es “24 canciones breves”), Mari Trini, Adolfo Celdrán, Patxi Andión, Luis Pastor, Pablo Guerrero, Carlos Cano, Gontzal Mendibil y muchos más.

Su trabajo creativo propio lo inició en 1961 con el disco “De la huella” (Movieplay), todavía en el terreno del folklore, donde cantó temas compuestos sobre textos del excelente poeta argentino, también residente en España, José Alberto Santiago y uno de Patxi Andión. Tras dos discos del mismo estilo, ambos excelentes, como el primero, en 1973 grabó “Tangos a mi manera” (Movieplay), que supuso una auténtica revolución en el tango, por desgracia sin apenas trascendencia en el género y sin discípulos, que bien merece considerarse como lo más importante sucedido en la música porteña desde la aparición de Astor Piázzola.

Si el bandoneonista hizo avanzar el tango mediante una evolución formal y musical marcada por el acercamiento al jazz y a ciertas expresiones de la música clásica, el camino tomado por Montero fue distinto. Él decidió fijar la vista en el tango clásico, de finales de los años 20 a los 50, fundamentalmente, para hacer una relectura radical desde el parámetro de la canción de autor. Es decir, convirtiendo ese “pensamiento triste que se baila”, que dijera Discépolo, en una especie de “pensamiento profundo que se escucha”. Para ello, Carlos Montero, sacó a primera línea las letras del tango, que –pese a la grandeza de sus cantantes-- habían estado escondidas bajo la preponderancia de los arreglos orquestales, y mostró a quien quiso oirlo la perfección de sus estructuras, la belleza de sus metáforas, la sabia utilización del lenguaje popular, la profundidad de los sentimientos que narran, la hondura de los personajes que retratan y el concepto del mundo y la vida que expresan.

Además, la desnudez de la guitarra que utiliza habitualmente como único acompañamiento, aunque también haya introducido a veces saxos o bandoneones en alguno de sus discos, no es, contra lo que podría parecer, una limitación musical. Carlos Montero es tan excelente guitarrista, que en sus manos el instrumento (toca una guitarra especial de ocho cuerdas y una caja algo mayor de lo habitual que se hizo fabricar especialmente) es capaz de conjugarse perfectamente con las letras para extraer y acentuar todas sus posibilidades expresivas. Así, puede marcar las armonías, puntear las melodías o establecer contratiempo y diálogos musicales que alcanzan una categoría artística poco común.

Se podría recomendar cualquier de la casi una decena de discos que ha dedicado a dar su propia “manera” a los tangos, reinventándolos en cada ocasión, pero para muestra vale un botón y bien está escuchar “Lo mejor de Carlos Montero”, que el sello de RNE publicó en el año 2000.

CANCIONES

1.- CAMBALACHE (Enrique Santos Discépolo)
2.- EN ESTA TARDE GRIS (José Mª Contursi / Mariano Mores)
3.- EL DÍA QUE ME QUIERAS (Alfredo le Pera /Carlos Gardel)
4.- INFAMIA (Enrique Santos Discépolo)
5.- MALENA (Homero Manzi /Lucio Demare)
6.- MADRESELVAS (C. Amadori /Francisco Canaro)
7.- QUIERO VERTE UNA VEZ MÁS (José Mª Contursi /Mario Canaro)
8.- GARUA (Enrique Cadícamo / Anibal Troilo)
9.- EL CORAZÓN AL SUR (Amalia Blázquez)
10.- MELODÍA DE ARRABAL (Alfredo Le Pera –Mario Batistella /Carlos Gardel)
11.- MARIA (Catulo Castillo /Anibal Troilo)
12.- CRISTAL (José Mª Contursi / Mariano Mores)
13.- SUR (Homero Manzi / Anibal Troilo)
14.- NOSTALGIAS (Enrique Cadícamo /Juan C. Cobían)
15.- LA ÚLTIMA CURDA (Cátulo Castillo /Anibal Troilo)
16.- ¿QUÉ VACHACHÉ? (Enrique Santos Discépolo)
17.- NINGUNA (Fernández Siro / Homero Manzi)
18.- AL MUNDO LE FALTA UN TORNILLO (Enrique Cadícamo / José M. Aguilar)

El disco no tiene desperdicio, como todos los suyos, pero son especialmente recomendables algunas obras maestras del género, como “El día que me quieras”, “Malena”, “Garúa”, “Sur”, “Nostalgias”, “La última curda” o “¿Qué vachaché?”. Es decir, casi todas, porque no quiero cerrar esta recomendación sin destacar los dos tangos que abren y cierran la grabación: “Cambalache” y “Al mundo el falta un tornillo”, cuya situación en el CD son ya una declaración de principios. Se trata, quizás de los dos tangos que mejor expresan una crítica dura y descarnada a la sociedad en la que se hicieron, a finales de los años 20, y que, pese a la distancia, siguen siendo de una actualidad dolorosa.

Desde el “Qué el mundo fue y será una porquería / ya lo sé… / en el quinientos seis / y en el dos mil también…”, con que empieza “Cambalache”, hasta ese “…Al mundo le falta un tornillo, / que venga un mecánico / pa’ ver si lo puede arreglar”, que cierra el disco, está toda la filosofía vital y toda la belleza de un género, el tango, y las de un artista, Carlos Montero, argentino y también español. Reivindiquémoslo como nuestro, que saldremos ganando.

Antonio Gómez

Carlos Cano-Algo especial

2007-06-18T06:15:00.000-07:00

Este disco fue grabado en el Teatro Monumental de Madrid en noviembre de 1994, se trata de la grabación en directo de un concierto, se publicó en 1995. El nombre de este trabajo, como el propio autor explica en el libreto del CD, se refiere al color de su sonido, sin embargo se convirtió en algo muy especial, sobre todo para él, pero también para sus admiradores, ya que lo terminó justo antes de que un aneurisma de aorta lo pusiera entre la vida y la muerte.

Afortunadamente, en aquel momento ganó su batalla, sobrevivió, o más bien, volvió a nacer, y lo hizo en Nueva York, provincia de Granada. De ello queda constancia en una canción que es un canto a la vida, y que publicó en su siguiente disco “El color de la Vida”. En la canción “Habaneras de Nueva York” explica esta historia a su manera, a la manera de un artista andaluz, empieza con estrofas llenas de ternura poética:

“Nací en Nueva York, provincia de Graná una noche de luna
….mi pobre corazón de tantos desengaños se paró,
por culpa del amor yo nací en nueva York
….hoy se que lo primero es decirle a la vida que la quiero”

y acaba mezclándola con la ironía disfrazada por la guasa propia de mi tierra, y que Carlos Cano tanto utilizaba para hacer entender esta particularidad nuestra, de disfrazar las penas con la alegría, de aparentar que nos tomamos la vida a broma:

“Oigan señores, un momento, aquí se acaba el cuento.
De todos me despido, les quedo agradecido.
Adios “gus vai” me voy pa mi “house”.
Saltando de alegría. ¡Viva la cirujía!
¡Que potra! ¡Vaya suerte! Contenta va la gente.
Moviendo las caderas se acabarán las penas.
Pa tí pa mi lo que pasó. Pa tí pa mi que situación…”

Cinco años mas tarde, esa enfermedad le ganó la partida, fue el 19 de diciembre del año 2000, nunca olvidaré el momento en que escuché la noticia por la radio, no me lo podía creer. Carlos Cano fue nuestro mejor embajador, él mostraba por todo el mundo la Andalucía en la que yo creo, la de verdad, no la que se enseñamos a los turistas. Formaba parte de mi vida porque crecí y sigo viviendo escuchando sus canciones, desde las primeras, la “Verde y blanca”, “El Salustiano”, “Viva la grasia de Andalucía…con pasaporte de emigración” hasta las últimas, publicadas, ya desgraciadamente, como homenaje de sus compañeros de profesión, bajo el nombre “Que naveguen los sueños”.

No he podido hablar del contenido de este disco, “Algo Especial”, porque especial es toda la discografía de Carlos Cano. Este comentario es mi pequeño homenaje particular al artista. Pongo al menos las canciones incluidas en el CD, y solo me paro en una de ellas, creo que de las menos conocidas, una canción delicada, “De color rosa”:

“Quiero color rosa de la tarde
aquel aniversario de Jonh Lennon
decirte vida mía por ejemplo:
La soledad no existe es un rumor,
una sombra, una duda, una quimera,
(toca madera) una superstición,
esa noche de amor que nunca llega,
otra salida para la canción”.

Canciones:

1. Voz presentación
2. Elisa
3. La estrella perdida
4. Me llaman sudaca
5. De color rosa
6. La Metamorfosis
7. Que desespero
8. Romance a Ocaña
9. Mi refugio son tus ojos
10. La bien pagá
11. Habaneras de Cádiz

Mª Gracia Correa

Lluis LLach-Viatge a Itaca

2007-06-11T10:18:00.000-07:00

No sé bien explicar el vértigo que siento al sentarme a escribir sobre este mítico disco, ni la responsabilidad que pesa sobre mí.

Cuando Lluis Llach publicó este disco, yo tenía 12 años, Franco aún vivía y yo no tenía ni la más remota idea de quién era él, aunque en ese mismo año había caído en mis manos mi primera guitarra, que mis padres me habían regalado. Tres años después, en 1978 yo había comenzado a musicar casi toda la poesía que caía en mis manos, sin tener ni idea que eso que yo intentaba hacer era algo que ya hacían mucho mejor que yo otros músicos.

Primero fue aquel mítico “Gener-1976”, disco también de Llach cuando yo comprendí que aquella era la música que a mi me gustaba, lo que yo quería oír, a lo que me quería dedicar. Inmediatamente después cayó en mis manos el “Campanades a morts” y poco después ya escuché este impresionante “Viatge a Itaca”, que curiosamente era un disco anterior a los otros dos.

Nos encontramos con un formato de disco que Lluis Llach repetiría varias veces después (Campanadas a morts, El meu amic el mar, Verges-50, I amb el somriure la revolta…), donde había una primera cara del disco (entonces de vinilo) con un único tema, a veces es una única canción dividida en partes y una “Cara-B” donde aportaba canciones que apenas nada tenían que ver con lo anterior, como es este caso.

Con este disco inauguró también aquello que muchos en aquel entonces llamaron “poemas sinfónicos”, ya que la música contaba con una enorme expresividad y aportaba múltiples sonidos muy cercanos a las sinfonías, muchos más cercanos a la música clásica en general que a la canción popular, referente principal hasta aquel momento.

Con este disco podremos considerar que el cantautor de Verges (Girona) alcanzó su mayoría de edad musical.

La “Cara-A” el disco incluye el “Viatge a Ítaca” completo, dividido en 4 partes, que forman un todo. Con letra de Kavafis, traducidos al catalán por Carles Riba, nos encontramos con un magnífico tema, navegando entre lo épico y lo poético, con argumentos corales.

“Viatge a Ítaca” ha sido una obra viva, ya que a lo largo de los años ha ido creciendo, madurando y adaptándosele como una segunda piel, como unos rasgos que ya jamás le podrán abandonar, ya que sin esta obra, LLach no sería Llach.

Para la grabación del disco contó con lo músicos que en aquel momento le acompañaban en sus conciertos, Laura Almerich, Tete Matutano, Martí Soler, Quique Cano, Santi Arisa, Manuel Camp, además de otros muchos, necesarios para una obra de esta dimensión.

Quedarnos tan sólo en la primera cara del disco, sería un pecado que jamás nos podríamos perdonar, ya que además de dos excelentes canciones como “Escriu-me aviat” (escríbeme pronto) y “Fins el mai” (hasta el nunca), nos encontramos con una de las canciones míticas suyas, “Abril-74”, inspirada en la “Revolución de los claveles” que acababa de vivir Portugal, una de sus temas más cantados, más coreados y más aclamados de su discografía.

CANCIONES

1. Ítaca
2. A força de nits
3. Escriu-me aviat
4. Fins el mai
5. Abril 74

Los arreglos corren a cargo de LLuis LLach y Manel Camp, un magnífico compositor y arreglista que le acompañó durante muchos años.

Francisco Espinosa

Alberto Pérez-Tiempo de baile

2007-06-09T18:53:00.000-07:00

De los míticos cantautores que formaban el trío de "la Mandrágora" quizás sea Alberto el más desconocido y al que más se le ha perdido la pista. No resulta nada infrecuente que alguien te pregunte por él como si estuviese retirado de los escenarios o como si ya no se dedicara a la música. Pero nada más lejos de la realidad; al menos en lo que a actuar en directo se refiere. En este sentido doy fe de que goza de una excelente salud musical, puesto que no le faltan conciertos, que, por cierto, son manejados por él con la misma calidad, profesionalidad y entrega de que siempre ha hecho gala. Es posible que lo que ocurre es que parte de su público potencial no sepa de sus actividades porque se prodiga poco en grabaciones, asi como en presentaciones y en galas varias y saraos de esos “en los que hay que estar”... a lo cual se añade la falta de una página web actualizada en donde dar noticia de sus diferentes actividades y conciertos, etc.

"Tiempo de baile" es quizás el único disco (salvo "La Mandrágora" por supuesto) que todavía se puede encontrar de Alberto Pérez. Se grabó en 1997 en Madrid responsabilizándose de la producción el propio cantautor. Se trata de un disco de lujo, mejor dicho de lujos varios. En primer lugar porque el protagonista es él, claro, y esto ya es un lujo. En segundo lugar porque prologó el álbum con un dócil y sapiente texto, nada menos que la escritora Carmen Martín Gaite. En tercer lugar porque colaboró en las letras de todas las canciones el esforzado y talentoso (y ya legendario) cantautor Chicho Sánchez Ferlosio. En cuarto lugar porque en plena era de electrónicas, de samplers y de programas de ordenador que hacen virguerías editando el sonido, el disco resulta que está grabado por una vasta orquesta (en realidad cuatro según me indica el propio autor), de las de siempre, con sección de metales y todo, y encima en directo, hala, venga, con un par. Yo la verdad creo que no se puede dar más por menos. Trabajos como éstos merecerían -sin duda- una mayor difusión de la que gozan, aunque solo fuese por el esfuerzo hilemórfico que hay que llevar a cabo para construirlos partiendo desde cero.

Contiene el disco 10 surtidas piezas de autor que corresponden a sendos 10 tipos de ritmos bailables que no se repiten en ningún caso; así hay un calipso, un beguine, un swing, un son, un rock, un vals, una bossa, un merengue, un bolero (cómo no, tratándose de Alberto) y un pasacalle, por este orden. Vamos que en mi opinión, dada esta rara particularidad, pienso que además de en la discoteca de todo aficionado a la canción de autor, debería también haber una copia de este cd en cualquier escuela de baile que se precie.

1.- No sé por qué
2.- Aquella noche
3.- Chica
4.- El son de Raquel
5.- El pinchadiscos
6.- Aunque no sepa decirte
7.- Volver de un sueño
8.- Déjeme usted
9.- El eco del vacío
10.- La perrita Tina

De todas estas canciones subrayaré mis tres preferidas: “El pinchadiscos” que me recuerda a aquel rock´n´roll primitivo de los pioneros de los años cincuenta, cuando todavía era un recién nacido que se ejecutaba con contrabajos, pianos y saxos, y demás instrumentos que derivaban de las formaciones orquestales de la época. El divertidísimo merengue titulado “Déjeme usted” que trata de un tipo al que personajes diversos, como un policía, un vecino o el padre de la novia, no dejan de incomodar y que no puede parar de bailar. Y por último la historia de la díscola perrita Tina, tema éste que suele cantar en sus conciertos todavía y que siempre es recibido con entusiasmo por el siempre encantado y bien seducido público.

En fin, poco más me queda por decir, salvo que éste es un disco admirable, de buena crianza y grandes virtudes artísticas y musicales. Y es que estamos hablando de un músico -de un artista- con todas las letras, con las mayúsculas más grandes que podamos trasoñar con nuestra imaginación. Lo que no es poco, dados los tiempos que corren.

abuineitor

Adolfo Celdrán-Jarmizaer, Jarmizaer

2007-06-08T06:33:00.000-07:00

Jarmizaer
Oasis de sonidos.
Cuatro sílabas claras
Un nombre en el desierto.
Una palabra al alba.

Este es el segundo comentario que se dedica en Autaria a la discografía de Adolfo Celdrán, no hablaré por tanto de quién es este autor, pero si quiero hacer un comentario sobre lo que representa y del importante papel que sostuvo en unos momentos muy críticos de nuestra historia.

Cuando yo empecé a escuchar sus canciones fue después de la publicación de un disco, que yo creo que se podría calificar de mítico, en lo que a canción de autor se refiere, “Denegado” (1977), trabajo en el cual Adolfo Celdrán incluía todas aquellas canciones que, anteriormente, la censura de la época le había prohibido cantar. Yo no podía saber entonces que aquel sería su último disco en muchísimo tiempo. Mucha gente como yo, que en aquellos años comenzábamos a estudiar, empezamos también a darnos cuenta de que existía gente que cantaba sobre temas sociales, sobre injusticias, sobre la realidad que no veíamos, porque estaba oculta. Con él descubrí a Bertolt Brecht, recuerdo que lo escuchaba en la radio, mientras estudiaba, en un programa de radio que se llamaba algo así como “Cantapueblos”, donde lo descubrí a él y también a otros cantautores comprometidos.

La idea que yo tenía fijada de Adolfo Celdrán es la que puede tener cualquiera que no conozca este trabajo del que voy a hablar, la de un cantautor comprometido con la poesía y con la justicia social en un tiempo determinado, los años 70. Con una voz llena de fuerza, que era capaz de movilizar a la gente cantando a voz en grito el “No nos moverán” y que nos aconsejaba que miráramos bien a quien votar, que no nos dejáramos engañar y que los generales tenían mucho poder, pero también tenían un problema y es que la gente podía pensar. Y con su voz y sus canciones muchos aprendimos a pensar.

Su voz y esas canciones las tengo grabada en lo más profundo, así que cuando vi en 2004 que se reeditaba “Silencio” me faltó tiempo para comprármelo y buscándolo me encontré que había publicado un nuevo disco en estos últimos años, pensé que se trataría de algo parecido a lo que ya conocía, pero no fue así.

El disco se llama “Jarmizaer, Jarmizaer” y se publicó en 2001. El Adolfo Celdrán que aparece en este trabajo es el mismo, por supuesto, y no podían faltar canciones donde prestara su voz a los grandes poetas. Así, Federico García Lorca y Antonio Machado están presentes por medio de tres canciones, y tampoco ha olvidado incluir una canción donde se habla de justicia social, que rememora unos hechos sucedidos en Valencia en el año 1801, “Pep de l´Horta” se titula.

Pero este disco, en su concepción, es un trabajo de carácter intimista, en el que el cantautor habla de su mundo inmediato, de su ciudad, de historias cotidianas, de sentimientos y decepciones, de cosas de la calle. Todas las letras compuestas por Adolfo Celdrán y con la colaboración de Gaspar Payá y Germán Torregrosa en lo que se refiere a las músicas.

Lo primero que me sorprendió cuando escuché el CD, fue el aire andaluz de muchas de sus canciones. Sin embargo, lo que más me llamó la atención, es que el disco empezara y terminara con la misma canción, pero interpretada a un ritmo distinto y con distinta instrumentación, da gusto escuchar las dos versiones, y poder comparar una con otra, y lo creo un acierto, por su originalidad. En la versión que inicia el disco utiliza guitarra flamenca, cuatro y cajón, y supongo que esos son los instrumentos que le dan el aire andaluz. Por el contrario en la versión que lo finaliza, lo mas llamativo son los coros que introduce.

Me gustaría hablar de todas y cada una de las canciones pero no puede ser, así que solo diré que “Ella llevaba trenzas” es una de mis preferidas, se podría decir que es una canción de sueños y desencantos, una canción en la que estoy segura que mucha gente se puede reflejar. Y en contraposición a la sentimentalidad de esa canción otra que habla de historias de la calle, de escenas que hasta hace poco eran corrientes de ver, al menos por las calles de Sevilla, y que acompaña con música del sur, guitarras flamenca y española y cajón.

Pero quiero terminar destacando una canción que considero especial, que para mi es de una delicadeza increíble, en ella la voz de Adolfo Celdrán adquiere una dulzura que no puede notarse en otras canciones, es preciosa por su aparente sencillez y su fragilidad, se llama Azul, interpretada solo con guitarra y piano, una auténtica delicia escucharla.

Canciones:
1. Jarmizaer
2. Ella
3. Preciosa y el aire
4. Samba de verano
5. Ella llevaba trenzas
6. Imaginaste
7. Sentir tu piel
8. Azul
9. Pegasos
10. Abril florecía
11. La cabra
12. Por las calles estrechas
13. Pep de l´Horta
14. Jarmizaer, Jarmizaer

Mª Gracia Correa

Juan Antonio Muriel-Seguir viviendo

2007-06-04T05:20:00.000-07:00

Hablar de la música de Juan Antonio Muriel conlleva inevitablemente volver a traer hasta mi cabeza una gran cantidad de recuerdos. Posiblemente él será el cantautor que más veces he escuchado cantar en directo. Al menos un par de veces al mes me acercaba a escucharle en alguno de los “garitos” en los que cantaba en Madrid. ´
Este malagueño trajo un nuevo aire a la canción de autor, unos sonidos que muy probablemente tenían algo que ver con sus raíces, con la música de su tierra, algo que en aquel momento no había.

Pese a ser alguien muy habitual en el circuito de la canción de autor, no fue hasta 1982, cuando se presentó al Festival de Benidorm, que empezó a ser conocido entre el público. Pese a ser segundo en el festival (el primer puesto fue para Fernando Ubiergo, chileno, cantautor también, que se presentó con “Yo pienso en ti”), su canción fue la gran triunfadora, ya que fue la más oída tras el festival. La canción era “Princesa”, que él había escrito junto a Joaquín Sabina. Fue entonces cuando la canción se empezó a escuchar, no había día en el que no sonara un par de veces en la radio. La aceptación fue tan buena, que al poco tiempo la grabó también Sabina, que antes no lo había hecho (sabemos del buen ojo del jienense para subirse a la ola del éxito cuando esta sube).

Este disco, “Seguir viviendo”, nace para “acompañar” a “Princesa”, ya que fue entonces cuando se grabó, pese a que la canción ya era cantada por Muriel desde hacía bastantes años. Creo honestamente que el disco no está a la altura de las espléndidas canciones que hay en él. Desconozco la historia de su grabación, pero me temo que se debió grabar de forma algo precipitada y con poca mano del propio Juan Antonio, ya que los arreglos (para mi gusto, claro) no encajan muy bien con las canciones.

Pese a esto, podemos hablar de un gran disco, ya que las canciones, que son lo esencial, son magníficas. Además de “Princesa”, temas como “Agua clara”, “Una vez más”, “Pa que me entiendas” o “Aunque digan que el amor ha muerto”, componen un exquisito cartel.

Las canciones son:

1- Princesa
2- Caminar
3- <> que me entiendas
4- Agua clara
5- Una vez más
6- Sobre los tejados
7- Los gatos y la luna
8- Aunque digan que el amor ha muerto
9- Seguir viviendo
10- Libertad.

Un disco mítico, muy recomendable, de un cantautor que por desgracia hace años que apenas escuchamos, ojalá que pronto volvamos a tenerle en nuestros escenarios de forma constante.

Francisco Espinosa

Esteban Valdivieso-Poetas de todas las Al-Andalus

2007-05-30T14:48:00.000-07:00

Esteban Valdivieso es un cantautor de corte clásico, y al referirme a él como clásico quiero decir que forma parte de esa generación de cantautores que nos acercó a los grandes poetas, que nos dio a conocer la poesía mediante la música. De aquellos que siempre han sabido demostrar, con el único acompañamiento de su guitarra, la importancia de las canciones.

Este artista tiene una larga trayectoria como autor y como músico, o quizá debería decir como trovador. Sus inicios están relacionados con la aparición de un movimiento cultural que se desarrolló en Andalucía durante los años 70 y que se llamó “Manifiesto Canción del Sur” con cuna en Granada. De allí surgieron grandes autores, pero pocos nombres saltaron a la popularidad, y aquel movimiento, como otros similares en otras comunidades autónomas, se dispersó y acabó desapareciendo. Algunos de aquellos artistas siguieron trabajando y luchando por sus canciones, sin ningún tipo de apoyo y probablemente con todos los impedimentos del mundo. Sólo Carlos Cano, de todos los cantautores relacionados con aquella corriente, se vio reconocido públicamente.

Esteban Valdivieso es uno de los autores que participó de aquel movimiento y que no se rindió, prueba de ello es que ha sido uno de los artistas mas representados en la recopilación “La Palabra Más Tuya” que la Fundación Autor publicó en 2006, donde se incluyen 10 canciones suyas, algunas de ellas interpretadas por Aurora Moreno y por Carlos Cano. Pero ha sido en estos últimos años cuando se ha embarcado en la aventura de editar discos en solitario, el primero en 1998: “Fumar en Berlín”, el segundo en 2000: “Estabas tu en el humo” y el tercero en 2006: “Poetas de todas las Al-Andalus”.

Comentaré este último trabajo por ser el más reciente. Pero antes que nada tengo que pararme en la presentación del disco, por lo especial de su diseño, ya que además de muy cuidado, es muy particular. Al abrir la carpeta, lo que se encuentra es una celosía interior troquelada, muy al estilo andaluz. A través de ella se accede al CD, parece como una invitación, como la puerta que hay que abrir para entrar en ese mundo, algo mágico, de Al-Andalus.

Podría hablar de la riqueza instrumental y de la categoría de los músicos que han colaborado en la grabación del disco, y de la calidad de la música, compuesta en su totalidad por Valdivieso, pero no me quedaría espacio para hablar de las canciones.

1. Será porque ya vengo de vuelta
2. Mansiones de Andalucía
3. Lupe
4. Coplas de la niña que le costaba mucho trabajo nacer
5. La primavera besaba
6. Sorpresa
7. Canción A veces
8. Vuelvo al Sur
9. Moaxaca “Paraiso”
10. Nana a Elena y Luis Esteban
11. Esta ciudad
12. Noche canalla
13. Cuantas noches vencí a la luna
14. Quisiera estar sólo en el Sur
15. Happy Ending

En este trabajo Esteban Valdivieso ha optado por incorporar canciones basadas en textos de poetas o escritores que, en algún momento de la historia, han llegado a representar a las tierras de Al-Andalus. Creo que las canciones incluidas en el CD son una muestra de que la poesía y la música son capaces de atravesar las barreras del tiempo y las culturas. Así, encontramos textos de poetas andalusíes del siglo XIV, de los grandes poetas contemporáneos: Federico García Lorca, Antonio Machado, Luis Cernuda, Gil de Biedma, y también de poetas granadinos actuales, algunos de los cuales han sido creadores de lo que se ha venido en llamar “La Otra Sentimentalidad”, como Alvaro Salvador, Javier Egea, Luis García Montero. Por supuesto también se añaden canciones compuestas por el propio autor, y haciendo un guiño hacia otros sures, incluye su interpretación de “Vuelvo al Sur” (letra de Pino Solana y música de Astor Piazzolla).

No sabría que canciones destacar de este trabajo, pero si diré que una de mis preferidas es la que inicia el CD, “Será porque ya vengo de vuelta” con letra de Alvaro Salvador:
“Será porque ya vengo de vuelta……..Será porque los años no pasaron en vano y dejaron su carga de sabia perspectiva limando la vehemencia pero no la ilusión..”

Tampoco quiero dejar de hablar de una canción basada en un poema precioso de Javier Egea, “Noche canalla”, en la que se refleja, como en gran parte de los escritos de este poeta granadino, la búsqueda de la esperanza y de la ternura en contra de la soledad y de la crudeza de la realidad. Este texto acompañado de la música y de la voz de Esteban Valdivieso me parece inmejorable y quiero terminar con algunos de sus versos:

“Yo no sé si la quise pero andaba conmigo
me guiaba su risa por la ciudad tan gris.
Ella tenía en su boca colinas de Ketama
Y el cielo de sus ojos me pintaba de añil.

A pesar de sus ojos he salido a la calle,
a pesar de sus ojos me ha tocado vivir.
En un barrio de muertos me trajeron al mundo.
Esta noche canalla no respondo de mi.”

María Gracia Correa

Javier Krahe-Valle de lágrimas

2007-05-28T18:07:00.000-07:00

Si tuviera que quedarme con un cantautor de este país no dudaría ni un segundo en citar a Javier Krahe en primer lugar. Canciones como las suyas, tan bien escritas, son las que para mi constituyen el mejor paradigma de lo que es un texto de autor. Canciones que además tratan de los más variados temas y que son abordados por añadidura desde una perspectiva escandalosamente personal. Lo bueno es que, como los buenos caldos, Krahe va mejorando con los años; es decir, que es de esos raros -rarísimos- artistas que siempre tienen lo mejor por crear porque a cada nueva obra se revalorizan. Así es que, el disco que voy a comentar -el primero- ha de verse como un sabroso vino joven, ornado ya con poderosos aromas y sublimes sabores, pero que todavía no ha llegado a la perfección de un reserva o gran reserva de cualquiera de nuestras increíbles denominaciones de origen.

1.- Villatripas
2..- Don Andrés octogenario
3.- El lirón
4.- La hoguera
5.- ¿Dónde se habrá metido esta mujer?
6.- El tío Marcial
7.- Raúl
8.- San Cucufato
9.- La oveja negra
10.- Marieta

Javier Krahe hace al revés que el resto de músicos, y así, cuando llega el verano, en lugar de patearse el país haciendo bolos, él, que ha hecho los que tenía que hacer en invierno, coge y se va de vacaciones. Buena política, sí señor. Vamos que si la mayoría de los músicos se comportan como cigarras, va Krahe y nos sale hormiga... hasta para esto es listo el tío. Debió de ser, por tanto, en Zahara de los Atunes, y en verano, cuando Javier preparó junto a Alberto Pérez (cómplice mandragoreño) y Fernando Anguita (contrabajista) las canciones de "Valle de lágrimas". Por cierto que estos dos músicos resultan fundamentales para la grabación del disco. El segundo porque con su contrabajo lleva el peso rítmico de las canciones dada la ausencia de percusiones. El primero, Alberto Pérez, porque además de ser el guitarrista -excelente guitarrista por cierto- se encarga de los fantásticos arreglos del disco. Debo confesar que desde que escuché disco cuando se publicó allá por 1980, ya llamaron mi atención. Que si un kazoo por aquí, un cello por allá, un clarinete por acullá, un trombón, una armónica, un oboe, una segunda guitarra, una flauta, etc, vamos una abigarrada paleta de sonidos, siempre elegantes y oportunos al tema que se canta.

De las canciones me gustaría llamar la atención que aquí todavía no encontramos al actual Krahe, formalmente impecable, "pluscuamperfecto" tanto en rimas como en métrica. En este disco la métrica brilla por su ausencia (tampoco importa demasiado por supuesto) e incluso pese a que las rimas consonantes son muy buenas, nos topamos con algún que otro desliz: "Venus/menos" en "Villatripas" o "práctico/plástico" en "El tío Marcial". Sin embargo, en cuanto a contenidos, las canciones hablan por sí mismas de su maestría. Por ejemplo, "Villatripas" es una historia divertidísima y muy socarrona. "La hoguera" un emocionante y relajado anatema a la pena de muerte. "¿Dónde se habrá metido esta mujer?" una cómica burla -y una crítica magnífica- al machismo cutre que, hoy por hoy, todavía tienen que sufrir muchas féminas. Y qué decir de "Don Andrés octogenario" en mi modesta opinión, una de las mejores muestras de humor negro que se han escrito -sino la mejor- en español; de hecho no solamente es mi canción favorita del álbum sino una de mis favoritas en general, y a mi edad ya he escuchado unas cuantas...

Krahe, partiendo de este primer disco, con los años, ha llegado a un punto, en que además de escribir de forma maravillosa y con gran ingenio, trata tópicos que casi ni lo son, porque casi nadie los trata y que, cuando él lo hace, siempre es desde un punto de vista propio y muy peculiar, y se nota que con mucha enjundia detrás. En definitiva, que en él se aúnan -perfiladísimos- dos rasgos muy difíciles de ver juntos en un autor, como son la forma y el contenido; y es que, normalmente, el que escribe bien suele no tener nada interesante que contar, y viceversa, el que narra muy bien suele fallar en el estilo. Pero Krahe pasa esta prueba del algodón cum laude. ¿Para cuando un doctorado honoris causa para él?.

abuineitor

Javier Bergia-Cedaceros 4

2007-05-23T06:01:00.000-07:00

Dijo un poeta: "mi única patria es mi infancia". Cedaceros 4, el último disco de Javier Bergia es un homenaje al pasado. Un homenaje al ayer. Un homenaje al blanco y negro de las fotografías familiares. Un homenaje al amor adolescente. Un homenaje a la amistad de juventud. Un homenaje a los sueños que tuvimos y que nunca se cumplieron. Un homenaje a nuestros padres, a nuestra educación, a nuestros traumas, a nuestra vida.

Bergia consigue que algo tan particular como su vida, se convierta en algo universal… compartido… consigue que nos identifiquemos con sus historias.

Me gusta Cedaceros 4, entre otras cosas, porque Bergia retrata un Madrid que todos conocemos de una manera distinta a todo lo que se ha cantado sobre esta ciudad:

"Nochebuena, como siempre en la Plaza Mayor/ cuanta gente, calamares en cada rincón" o "y un Madrid en gris y negro/ con monóculo y sombrero/ dando palmas al sereno/ con su chuzo y el llavero"o "mediodía en un viejo café de Madrid/ camarero una copa y té de jazmín"… resumiendo, Madrid está muy presente en Cedaceros 4 (empezando por el título, una calle en la que Bergia vivió y en la que hoy ya no existe ni siquiera el edificio en el que habitaba)

Bergia concede algunos guiños al pasado más reciente en algunas canciones. Hay una de ellas que es dura de escuchar, ya que resume muy bien el triste mundo en que vivimos hoy. Desde aquel horrible 11 de Marzo de 2004 hasta las terribles situaciones que se viven en África, o en Cuba.

Guiños a Pablo Guerrero en "Reflejos Perdidos", por cierto, una de las canciones más optimistas que uno ha escuchado en los últimos tiempos. "La radio salta y dan las siete en el despertador/ Mayo viene con flores/ Junio con nuevos colores"

Bestial la canción "Epílogo" en la que Javier homenajea a su padre de un modo muy emotivo. La vida fue injusta con tantas buenas personas que tuvieron que exiliarse…

La colaboración de Ismael Serrano en la canción "Dulces años", es muy emocionante. "Cualquier tiempo pasado fue mejor" dice el refrán, y en esta canción Bergia recuerda con emoción "aquella vida sin tener que decidir", aquella vida en la que "no había que dormir, ni importaba el porvenir". Eso sí, la canción está recubierta de ese sentimiento tan crudo, pero tan real que se llama Nostalgia. Una nostalgia que duele, pero que nos hace recordar que, al menos, hemos vivido… hemos aprendido… hemos tenido experiencias… Como canta Ismael en la canción "Fueron días felices, que ya no volverán"… aunque Bergia le contesta muy optimista que "hay que echarle narices, otros días vendrán".

Estoy intentando, inútilmente, analizar todas las canciones de Cedaceros 4, sin darme cuenta del enorme error que estoy cometiendo. Las canciones las tiene que descubrir el oyente. La emoción de escuchar por primera vez una canción que emociona es irrepetible. Espero que estas pistas, estos pequeños detalles que he desvelado en este texto, ayuden a los amigos lectores a conseguir el disco y escucharlo con tranquilidad. Podría hablar de los malabarismos melódicos de Bergia. De los juegos de voces y los musicazos que han acompañado a Bergia en este viaje al pasado. Podría hablar del fantástico libreto con fotos de la vida familiar de Bergia. Podría hablar de la portada y el diseño de Moncho Otero. Pero no voy a hablar más. No voy a escribir más de Cedaceros 4. Me dispongo a escucharlo/disfrutarlo de nuevo. Hagan ustedes lo mismo. No se arrepentirán.

1.- Aquellos días
2.- Mitos y pautas
3.- 4 Gotas
4.- Cedaceros 4
5.- Por los mares de Cupido
6.- Nochebuena
7.- Epílogo
8.- La sopa boba
9.- La gula
10.- Dulces años
11.- Melancolía
12.- Bordado sobre tapiz
13.- Corazones de trapo
14.- Clavos rotos
15.- Reflejos perdidos

Víctor Alfaro

Joan Baptista Humet-Gemma entre fulls

2007-05-21T05:32:00.000-07:00

“I són fulls,
fulls que algú deu haver arrencat,
fulls d'un llibre
que s'escriu a la ciutat.
Amb dibuixos i paraules diferents,
amb un altre riure
i amb un altre accent.”

“Y son hojas,
hojas que alguien debió arrancar,
hojas de un libro
que se escribe en la ciudad.
Con dibujos y palabras diferentes,
con otra risa
y con otro acento.”

Este disco que se ha reeditado en 2005 con el nombre de “Gemma entre Fulls” no se corresponde con el original, ya que se han incluido las primeras canciones de Humet, que solo fueron publicadas en singles y nunca formaron parte de ningún LP. Así en este CD del que hablo aparecen 15 canciones, cuando el LP original tiene 9. Se recogen, de esta manera, todas las canciones de su primera época, compuestas y cantadas en catalán. Hay que decir que Joan Baptista Humet, de cultura bilingüe, ha compuesto tanto en catalán como en castellano con la misma capacidad. En su discografía se alternan trabajos en una y otra lengua, estando previsto que su próximo disco sea en catalán:

Gemma/El Llaurador (SG, Columbia 1970)
Busco una flor/Tonades (SG, Columbia, 1970)
Kristine/No m´importara pas gens (SG, Columbia, 1972)
Fulls (LP, Columbia, 1973)
Diálogos (LP, Movieplay, 1975)
Aires de Cemento (LP, Movieplay, 1977)
Fins que el silenci ve (LP, Movieplay, 1979)
Hay que vivir (LP, RCA, 1981)
Amor de Aficionado(LP, RCA, 1982)
Solo soy un ser humano (LP, RCA, 1984)
Solo baje a comprar tabaco (CD, Validance, 2004)

Creo que Joan B. Humet ha sido, desde sus inicios, un cantautor sin etiquetas, que siempre se la ha jugado. Nunca ha sido un cantautor de masas pero siempre ha tenido una gran cantidad de seguidores fieles que nunca le olvidaron a pesar de su repentina y voluntaria desaparición del mundo de la música. Es bien conocido que Humet alcanzó una gran popularidad por sus canciones en castellano, sin embargo yo creo que su obra en catalán es muy especial. Según el propio autor, y yo estoy de acuerdo en eso, su mejor obra, la mas cuidada, y mas innovadora en el momento en que se hizo, fue “Fins que el silenci ve” (Hasta que llegue el silencio).

En cuanto a los singles incluidos en este CD, destacaría Kristine, porque es una curiosidad. Esta canción ganó el premio en el festival “Dorna” de Vigo en 1971, pero la canción que ganó, o al menos la que se promocionaba en aquel momento, no tenía nada que ver con la versión que se publicaría posteriormente, cuya letra habla de una mujer en busca de su independencia. En aquella época supongo que no sólo no hubiera ganado, sino que ni siquiera la podría haber cantado, ya parece mentira que lo dejaran cantar en catalán. También se incluye en esta edición un tema que lo hizo muy popular en Catalunya, “Gemma”, dedicado a su hermana.

La versión original de Fulls fue publicada en 1973, y contiene 9 canciones, todas con letra y música compuestas por Humet, con arreglos de Josep Mª Bardagí y Rafael Ferro. Empieza con la canción que da título al LP. Escuchar este tema es la mejor introducción, una canción de una sensibilidad increíble, habla sobre niños de una escuela en las afueras de una ciudad, Terrassa, y era una situación real. Humet en aquellos momentos colaboraba dando clases a niños en esas zonas del extrarradio, poblada por emigrantes, fundamentalmente procedentes de Andalucía, mi tierra, y por eso le tengo especial aprecio a esta canción. Tanto la letra como la música son extraordinarias, algo admirable sobre todo sabiendo que eran sus primeras canciones y que tenía poco más de veinte años.

Como el propio Humet explica en su web, “Fulls” es un disco muy sentido, su primer trabajo de larga duración y en él ya se apuntan las dos líneas principales que marcarían todos sus trabajos posteriores. Por una parte desarrolla una faceta intimista, cantando al amor y a los sentimientos contradictorios, “Per una dona”, “Per què no puc?”, y por otra expresa sus percepciones sobre lo que significa la opresión política y la marginación social, “Cantiga”, “Carta per a ningú”.

La reedición de “Fulls” viene a ser, como dice el músico y periodista Josep Mª Francino, no sólo un acierto, sino también un acto de justicia para todos los que aman la música.

Canciones de “Gemma entre Fulls”:

1 Fulls
2 Busco una flor
3 Tonades
4 Gemma
5 El llaurador
6 Kristine
7 No m'importarà pas gens
8 Cantiga
9 Plora
10 Per una dona
11 Si te m'en vas
12 Per què no puc ?
13 Carta per a ningú
14 Poc a poc, al fi
15 Encara és vostra

Mª Gracia Correa

Luis Ramiro-Castigado en el cielo

2007-05-15T11:59:00.000-07:00

"Pidiéndole al silencio que baje la voz", "esa noche duró lo que duran las cuatro estaciones" solamente por versos tan formidables como estos merece la pena adquirir "Castigado en el cielo" el debut de Luis Ramiro en la industria discográfica. Un cantautor joven, un cantautor, que, posiblemente sin él pretenderlo, abandera una nueva generación de autores que toma el relevo de la generación anterior, la de los Javier Álvarez y los Ismael Serrano, la de Inma Serrano y Rosana, por citar algunos de los más populares.

Sin embargo, Luis no es ningún desconocido en el circuito de actuaciones de Madrid, ni siquiera fuera de esta ciudad. Luis -bien lo se- lleva ya un dilatado período de tiempo dando conciertos errabundo, sin desmayo, con la ubicuidad de aquel que está dispuesto a hacer escuchar su propuesta allí donde quieran prestarle una mínima atención. De alguna manera, pues, este cd puede verse como la culminación de un largo y en ocasiones tortuoso camino de aprendizaje a través de la música en directo y de la publicación de (al menos que yo sepa) tres maquetas previas.

Crea Luis su estilo tomando como punto de partida a algunos cantautores muy concretos a los que a él le gusta citar: Joaquín Sabina, Carlos Chaouen, ... desde el punto de vista estrictamente musical las referencias vienen del lado de la electrónica y el pop experimental de la década de los noventa: Radiohead, Bjork... No obstante, a pesar de este extraño cóctel, la cosa funciona, quiero decir, no solamente suena, sino que el resultado tiene entidad propia, es muy personal y muy muy interesante. A pesar de ello, a mi modo de ver, lo que hace más actual -más moderno- el disco, no es la producción o la instrumentación, sino la propia personalidad de Luis; sincera, transparente y diáfana como una cala de la Costa Brava en la que el fondo resplandece contra un cielo impoluto. Una personalidad única, irrepetible, emergente cual orgulloso y firme vapor a través de una robusta fumarola que se expresa en cada giro de sus versos. Así pues, lo que finalmente se manifiesta como lo más de nuestro tiempo, lo más actual, son precisamente sus letras. En ellas habitan las dependientas de Zara, el messenger, los mensajes en los foros, la Gran Vía de Madrid, el asfalto de la ciudad, los chiringuitos de playa, semáforos en rojo, discos piratas, Mcdonald's... etc.

Temas:

1.- Per-fec-ta
2.- K. O. Boy
3.- Flor de invernadero
4.- Ahora
5.- Miguelito III
6.- 4 estaciones
7.- Cuerpos a la deriva
8.- La sirena
9.- Descafeinado
10.- Humano
11.- Anclado en la estación
12.- Castigado en el cielo

Hay canciones excepcionales en el disco, muchas de ellas sobradamente conocidas por los seguidores del cantautor: "descafeinado" por ejemplo, o ese bonito cuento que se llama "la sirena". Pero me gustaría mencionar dos que me parecen geniales: la primera "k. o. boy" que como canción pop es perfecta (creo que están grabando un clip para ella, lo merece desde luego) y sin duda alguna ese pedazo de tema que es "anclado en la estación" preciosa hasta la médula, con una ambientación bellísima y un Luis Ramiro sublime, tierno, melancólico, haciéndonos cómplices de la historia sin necesidad de pegar un solo grito. Chapeau!

Por poner alguna pega diré que aunque me gusta mucho todo el cd -incluido el título- la portada no mucho; pese a que la foto es muy chula, a veces tengo la sensación (puede que por el gesto) de que parece que Luis se haya escapado de una película de Eloy de la Iglesia, y por supuesto no es el caso: Luis es un pedazo de pan.

En fin, que me alegro por ti Luis. Mi más sincera enhorabuena por tu gran disco. Deseandito me dejas escuchar el próximo. No tardes en grabarlo.

abuineitor

Joan Isaac-Viure

2007-05-09T11:38:00.000-07:00

Podria viure sense lluitar per allò que crec que ens correspon:
Un aire nou per respirar....
Però encara sento cada matí, un sol que neix entre els meus dits
Una claror que em fa aixecar, Viure! Viure!

Se ha reeditado “Viure”, un trabajo, a mi entender, clave en la discografía de Joan Isaac. Este disco editado por Ariola en 1977 representa la segunda de sus publicaciones en LP. Consta de diez canciones, cada una de ellas una joya, auténtica poesía comprometida con los tiempos en que se hizo esta obra. Las letras fueron versionadas en castellano por J.M. Caballero Bonald, lo que da una idea de su calidad, y en cuanto a la música, no sabría como expresarme para describir su valor, ya que mi visión es la de una simple aficionada a la canción de autor, pero solo es necesario echarle un vistazo a los artistas que intervienen en la grabación para ver la categoría musical del disco, Jordi Vilaprinyó, Josep Mª Bardagí, Rafael Escoté entre otros.

El disco comienza con la canción que le da título, Viure, una preciosidad y como dice F. González Lucini en su libro “Y la palabra se hizo música”, con esta canción, como con todas sus canciones, Joan Isaac sabe transmitir latidos, pinceladas de vida. La segunda canción, Un día partiré, tiene esa delicadeza propia de este artista y para mi es el contrapunto a Viure, la recuperará en un CD publicado en el año 2000 “De Vacances”

En “Viure”, Joan Isaac incluye por primera vez la más emblemática de sus canciones, A Margalida, canción que posteriormente incluiría en el disco “Planeta silenci” publicado en 1998 y que significó su vuelta al mundo de la música y de los escenarios. También fue incorporada en el disco “Només han passat 50 anys”, que se grabó en vivo en 2004, en el Teatre Nacional de Catalunya, en un concierto memorable al que afortunadamente yo pude asistir. A Margalida es una canción dedicada a la compañera de Salvador Puig Antich, una canción que ha dejado de ser suya para convertirse en popular, y que Joan Isaac lleva por todos los escenarios por donde va. En todos sus conciertos le rinde su particular homenaje y la canta, generalmente, precedida por la lectura de una pequeño fragmento de la carta de Salvador Puig Antich a su compañera Margalida, consiguiendo siempre emocionar al público.

Uno de los temas recurrentes de Joan Isaac a lo largo de su obra es la insistencia en explicar la importancia de LA CANCIÓN. Siempre defensor de la canción de autor, en este disco incluye dos temas que hacen referencia a ello, tres reflexions i una suplica y per això canto cançons. En ellos habla de la fuerza de las canciones, de su función social, esto hecho en unos momentos en que la canción de autor y la poesía hecha música tenía una importancia vital en la sociedad, y como decía Gabriel Celaya y cantaba Paco Ibáñez, la poesía era un arma cargada de futuro. Posteriormente, en su obra Joan Isaac ha seguido componiendo canciones sobre el tema, pero ya visto desde un punto de vista mas interior, cambiando las tornas para explicar lo que significan las canciones para quien las hace, y ahí está una canción preciosa que se llama “Fer cançons” publicada en 2000 en el CD “De vacances”

La calidad que demuestra Joan Isaac en “Viure” no es una excepción en su carrera, tanto en lo que respecta a los trabajos publicados en su primera época, como los publicados en la segunda. En todos destaca el cuidado y el esmero puesto en las canciones y en la presentación de los trabajos. En todas sus canciones publicadas, desde las primeras hasta las últimas, lo que prima es, por encima de todo, la calidad de los textos y su contenido poético y es increible la capacidad de llegar a la gente y de emocionar.

Salvando la distancia entre dos épocas completamente distintas en lo social, la obra de Joan Isaac ha evolucionado de una manera natural, desde sus primeras canciones llenas de la ingenuidad y de la fuerza de su juventud, en unos tiempos socialmente difíciles, hasta las actuales, desprovistas ya de esa ingenuidad, con otra fuerza distinta pero igual de impresionante, la fuerza de la madurez. Su letras, como su voz, han ido creciendo y perfeccionándose con el tiempo. Su último disco hasta el momento “De profundis” es una verdadera joya de la canción de autor actual, muy distanciada en el tiempo de “Viure”, para mi, ambos trabajos son fiel reflejo de los tiempos en que están hechos.

Pienso que Joan Isaac representa en todo su sentido a la canción de autor, la que caracteriza y describe en cada momento la sociedad que nos envuelve. Lo hace desde la autoridad que le da la experiencia de ser uno de los grandes autores desde sus comienzos y haber sabido evolucionar con su tiempo.

CANCIONES :

-Viure
-Un dia partiré
-Tres reflexions i una súplica
-Els poetes
-El desencant
-A Margalida (dedicada a margalida, amant eterna d'en Salvador Puig Antich, es trobi on es trobi)
-De tu he aprés
-Per aixó canto cançons
-Historia d´un diari
-Records d´un vençut

Mª Gracia Correa

Paco Ibáñez-A flor de tiempo

2007-05-03T09:21:00.000-07:00

Sin ánimo de resultar polémico, me arriesgaría a decir que la canción de autor de nuestro país nació en Francia. Es más, el padre espiritual, en mi modesta opinión, tiene nombre y apellido francés, a saber: George Brassens. . Este genial hombre es el culpable de que Paco Ibáñez dejase de cantar canciones de Jorge Negrete y se fijara en los textos de nuestros grandes poetas; es el culpable de que unos jóvenes músicos catalanes que se hacían llamar Els Setze Jutges (responsables de lo que luego se llamó nova cançó) escribieran canciones en catalán con nuevos contenidos; es el culpable de que nuestro querido Jose Antonio Labordeta se dedicara a cantar e incluso de que se dejase crecer el bigote.

Anduvo Paco Ibáñez por París en tiempos en que Brassens se hallaba en su mayor gloria. De hecho, la carrera artística de Paco comenzó en el país vecino, que no visitó -musicalmente hablando- nuestro país hasta el año 1968. En París, al año siguiente, los estudiantes franceses que habían tomado a Paco como un símbolo de la libertad reprimida (de hecho es hijo de exiliados y por eso vivía en Francia) y acuden al Olimpia en la capital gala, donde Paco da -paradójicamente- uno de los conciertos más memorables de toda nuestra historia musical. En ese concierto, por cierto, estrenó por vez primera una canción de Brassens traducida, que formaría parte después de un disco completo dedicado al cantautor francés.

"A flor de tiempo" se publicó en 1978, y constituye su siguiente producción precisamente tras el disco del concierto en el Olimpia parisino. Está ilustrado con dibujos de su hija y la producción -del propio Ibáñez- es de lo más espartano que he escuchado nunca. Porque Paco es así; una guitarra -sin amplificar-, un micro y venga, a hacer tomas. A mi me encanta verlo en directo, dicho sea de paso. En una época digital, henchida de adelantos tecnológicos, llega, pone una silla en el escenario, apoya su pierna encima y ni cables ni nada, un par de micros y adelante, tirando millas. Bueno, como decía, el disco sigue su línea de canciones a lo crudo, con su voz ronca y bien templada, con su guitarra española arpegiando a lo Atahualpa Yupanqui. La "novedad" de este álbum radica en que hay un vuelco hacia la poesía más popular -menos culta- de nuestra literatura. Así, nos topamos con cuatro romances, de los cuales, tres, nada menos, son de autores anónimos que pertenecen a nuestra tradición romancera, que, apostillaremos, constituye un tesoro nacional maravilloso del que deberíamos sentirnos muy orgullosos (yo por lo menos, modestamente hablando, lo estoy). Por otro lado, el cantautor, musica dos fragmentos del "libro del buen amor" que a mi personalmente me alucinan. El texto del Arcipreste de Hita ya es un dije de nuestra literatura, pero es que, por ejemplo, escuchar cantar a Paco aquello de "Aristóteles lo dijo, y es cosa verdadera," equivale a escuchar la voz del pueblo, si es que el pueblo -en abstracto- tuviere voz propia; revuelve las entrañas y regocija a nuestros espíritus e instintos más primitivos.

Paco Ibáñez, ya lo hemos dicho, forma parte de aquellos "locos en sus viejos cacharros" que inventaron la canción de autor en nuestro país. Solo por eso habría que tenerle en nuestra más alta consideración. Pero, además, representa como nadie lo más intrínseco a nuestro carácter hispano. Virtudes (de los vicios hablaremos otro día, que también los tenemos claro) como: austeridad proverbial, fidelidad sin excusas y valor para nunca claudicar frente al oponente. En cualquier otro país -Francia sin ir más lejos o Estados Unidos de América- mencionarían su nombre siempre con orgullo y veneración; aquí, como siempre, ya es otra cosa. "Spanish is different" que dijo alguien...

Canciones:

1.- Triste historia
2.- Romance del conde Niño
3.- Romance del pastor desesperado
4.- Consejos para un galán
5.- Una paloma blanca
6.- Romance del desterrado
7.- Romance del prisionero
8.- El cuento de la lechera
9.- El pastorcito
10.- Aristóteles lo dijo

abuineitor

Esmeralda Grao-Exactamente igual que tu

2007-05-02T14:45:00.000-07:00

La voz de Esmeralda Grao es un huracán que arrasa la tierra por donde pasa y convierte en páramo el más delicado vergel. Cuando Esmeralda canta tiemblan los puntales de las catedrales de la música; las aves se confunden y se pierden en sus rutas migratorias trazadas durante milenios; los canes desobedecen a sus amos; la luna se olvida de girar a nuestro alrededor... La voz de Esmeralda brama y ruge como las olas de un océano que estrella su dolor contra los acantilados de un misterioso país. Es fuerte como la vida, valiente como el amor, pero, tan suave y tan dulce como el sabor de una venganza largo tiempo anhelada. La voz de Esmeralda es un regalo, un tesoro, una fuente de exóticas frutas, un manjar que se paladea hasta el delirio; un ramo de flores fragantes, un cristalino hontanar que nace inesperado en medio de un erial.

1.- Exactamente igual que tú
2.- Temblarás
3.- Igual que un gato
4.- Dame la vida que te quede
5.- En el lío
6.- Soy una mestiza
7.- De la ruina salvas
8.- Cada vez que estoy sin tí
9.- No quiero verte más
10.- Volveré a ser lluvia
11.- Tristemente
12.- Ser libre al fin

Tras un primer disco "tan dentro" grabado con todos los medios (productor, discográfica..) pero en el que no tomaba las decisiones, Esmeralda, se decide por fin a grabar un segundo en el que ella toma la batuta y produce, dirige, pincha y corta y por supuesto canta, como solo lo sabe hacer ella. Esmeralda ha sabido labrarse un camino -paso a paso- hacia la libertad personal, admirable. Prueba de esta libertad son las mixturas estilísticas de este cd. Se trata de uno de esos raros discos en que las notas, los ritmos y los sonidos de diferentes culturas -sonidos étnicos- confluyen en una inexplicable armonía de conjunto. Lo más atractivo, sin duda, son los aromas orientales y flamencos, portentosos y embriagadores, construidos y despachados con una sinceridad y una emotividad que quita el aliento. Aunque también hay pop, un pop muy, pero que muy, bien hecho. Y es que esta mujer se atreve con todo; lo mismo le da cantar flamenco, que rock, blues, baladas, etc. La versatilidad de su garganta raya lo inmaculado, lo perfecto.

Quizás sea por esto, que esta cantautora (que ha prestado también temas a otros intérpretes) de Alicante puede presumir como pocos de una amplia experiencia como vocalista de muy diferentes y conocidos músicos: Joan Manuel Serrat, Celia Cruz, Marta Sánchez, Caco Senante, Nacho Cano, Hilario Camacho, etc. También ha sido requerida para interpretar papeles en conocidos musicales. Puede presumir además de haber ganado el prestigioso festival de Benidorm en su edición de 1994, justo cuando acababa de aterrizar por la capital de España. Y es que se nota a la legua que nos hallamos ante una artista, no solamente con vocación y chispa, sino con unas tablas, unas cualidades naturales excepcionales y una educación musical que para mi quisiera.

Del disco destacaría la primera, la que da título al cd: "exactamente igual que tú" que me deja ko cada vez que la escucho. También brillan con bríos propios "temblarás"
o "soy una mestiza" ésta última dedicada cariñosamente a sus progenitores. Ya pueden estar orgullosos de su hija...

abuineitor

Joaquín Lera-Síntesis

2007-04-24T14:16:00.000-07:00

Sé que alguno de vosotros pensará, “este tío sólo escribe de los discos de sus amigos”, pues no es cierto, el que piense eso estará equivocado, ya que la relación personal con todos ellos ha surgido posteriormente a la admiración que durante años he tenido por su música.

En este caso concreto, la cosa está clara, escuché por primera vez a Joaquín Lera cantar en directo hace más de 25 años, mientras que nuestra reciente amistad se remonta a hace tan sólo unos 3 años, es más, casi toda la música que tengo suya, ya la había comprado hace tiempo. Al pensar en hablar de un disco de Joaquín, en vez de decantarme por “Cometas”, su más reciente trabajo, me he decantado por “Síntesis” por varios motivos, el primero ha sido porque “Síntesis” me lo compré hace 10 años, cuando salió a la venta, mientras que “Cometas” me lo ha regalado Joaquín, ya siendo amigos, por lo que quise que primara en esta crónica el gusto musical por encima de la amistad. El segundo de los motivos es porque he tenido más años para escucharlo, por lo tanto lo conozco mejor y me gusta algo más.

La primera vez que escuché a Joaquín, me pareció un fuera de serie, con una magnífica voz, unas estupendas canciones, frescas y con mensaje y con una sorprendente forma de tocar la guitarra, ya que es zurdo, toca con la izquierda, pero con una guitarra de diestro, es decir, con el bordón abajo y la prima arriba. Os podéis imaginar que los acordes se convierten en algo surrealista. Tan sólo conozco otro caso de alguien que toque así la guitarra, se trata del cubano Santiago Feliú.

Joaquín además de cantautor, es un excelente músico de estudio, ha elaborado infinidad de trabajos para series, para publicidad y para distintos medios, ha compuesto una gran cantidad de canciones por encargo para otros músicos. Cuando Joaquín Sabina decidió cortarse el pelo, afeitarse la barba y ponerse frente al espejo con aquella pistola en la sien en “Ruleta rusa”, allí estaba Joaquín para cantar con él en “Eh, Sabina” y "Pisa el acelerador".

Han cantado canciones suyas gente como Manolo Tena, Sergio y Estíbaliz, Danny Daniel, Joaquín Sabina, Alberto Cortez, etc.

Mocedades grabó varias canciones suyas, llegando a obtener un disco de oro con “Sobreviviremos”, que fue uno de los grandes éxitos del grupo.

Este es un disco con unas excelentes canciones, prácticamente no hay ninguna canción “descartable”. Yo suelo considerar que un disco es “magnífico” cuando llego a encontrarme 2 ó 3 canciones de las que considero “fueras de serie”, pues bien, en este disco tenemos al menos 5 canciones de las de primerísimo nivel, como “Comprometido”, “Delicadeza”, “Calle Preciados”, “Un puñadito de cosas” o “Pagaré”.

Las colaboraciones son impresionantes, participan los tres hermanos de Joaquín que le acompañaron en el grupo “Ventolera” a mediados de los ochenta, Justo, Héctor y Carlos Lera. Cantantes de primer nivel como Luis Farnós (el mecánico del swing), Manolo Tena o Juan Antonio Muriel (autor junto a Sabina de “Princesa”) ponen sus voces en este proyecto junto a Pilar Carbajo (exviceversa de Sabina) , Rosalía Fernández, Nieves Fernández, Chelo Lera y Lu Garx, como músicos, además de los mencionados, nos encontramos con gente del nivel de Jaime Ortega, Eduardo Barbero, José Manuel Lorenzo, Toni Moltó, José Luis Torres, Tito Duarte, Juanjo Solana, José Mari Guzmán y Pepe Marchante.

Los temas son:
1- Los Internautas
2- Comprometido
3- Vacaciones sin maleta
4- Delicadeza
5- La semilla de un poema
6- Que si tú, que si yo
7- Calle Preciados
8- Edison Blues
9- Sirenita de ébano
10- Todos tienen pies
11- Un puñadito de cosas
12- Se salen del tiesto
13- Pagaré
14- Clónicos
15- Alma

Un magnífico disco, lleno de cariño, delicadeza, mestizaje de ritmos y sonidos, tan sólo por escuchar las voces africanas de Héctor, hermano de Joaquín o el “bolerazo” titulado “Un puñadito de cosas”, mereció haberse gastado el dinero en este disco. Por fortuna ya los discos en CD no se rayan de tanto oírlos. Por cierto, este el primer disco del que hablo que fue editado en CD, ¡qué moderno me estoy volviendo!.

Francisco Espinosa

Hilario Camacho-No cambies por nada

2007-04-22T10:18:00.000-07:00

Hilario ha sido uno de los más grandes cantautores de este país. Su todavía reciente fallecimiento consternó a gran parte del mundo de la música, por lo inesperado y por lo enigmático de su despedida. Quizás la gran pregunta de su adiós nunca se pueda responder; quizás es que las preguntas que de verdad importan nunca tienen respuesta. Es igual. Por fortuna, Hilario, no se fue del todo, permanecerá por siempre -además de en el corazón de todos aquellos que le amaron y apreciaron- en la memoria colectiva de este país, por haber sido el autor de temas tan perfectos y emblemáticos de la canción de autor como "tristeza de amor" o "Madrid amanece" o "negra noche" por mencionar solamente algunos.

Cuando se publicó en el 2003 "no cambies por nada" (para muchos el verdadero último disco del cantautor) Hilario Camacho llevaba cinco años sin publicar un disco de estudio, aunque, bien es cierto, que, habían salido a la venta un par de recopilatorios con lo más conocido, o clásico, de su repertorio. Este disco supone un cambio de estilo y de intenciones con respecto a su obra anterior, pero supone, además, un punto de inflexión extraño en el sentido de que Hilario -que acababa de pasar por una separación sentimental- se encontraba sereno y relajado (no fue una separación traumática como él declaró en una entevista: quedaron como amigos) y con muchas ganas de reinventar su propio personaje otra vez. Para ello, Hilario echó mano tanto del sello de nueva creación Kainós, como de un productor, Joss, vinculado a la música dance, a la electrónica (un maquinitas, decía de él Hilario). Esto representa una pequeña revolución en el sonido, digamos "clásico" de Hilario, y no pudo ser más acertado...

En la producción -que con cierta ironía según veo se titula "no cambies por nada"- aparecen por vez primera samplers (muestras) y programaciones, pero también una gran preponderancia de guitarras, españolas, acústicas y eléctricas. No en vano, en el disco toca Antonio Amores "woody", un guitarrista de campeonato, que se adaptaba como un guante a la música y al modo de trabajar de Hilario, y con quien compartió muchos y muy memorables conciertos. En cuanto a las letras, también se detecta un tono de optimismo y de alegría vital, de amor por el amor y hacia el amor, que expresan un sentir, un humor amable en claro contraste con otros trabajos mucho mas melancólicos previos del cantautor. El toque electrónico también se deja ver en las fotos -excelente trabajo de Antonio del Junco "Toi" por cierto- en las que vemos un minimalismo frío y una devoción por el negro dignas del más radical grupo de krautrock setentero alemán; Hilario parece una especie de profeta del cantautorismo del nuevo milenio, todo cuero y elegancia, piel y sobriedad, temperamento y saber estar (en el 2004, cuando conocí a Hilario, me confesaba su admiración por la estética de Gary Numan).

Cortes:

1.- Te llevo dentro
2.- No cambies por nada
3.- Eclipse lunar
4.- Donde tu amor me lleva
5.- Noches de fuego
6.- Clave secreta
7.- El lado bueno de la vida
8.- Labios que besan
9.- Di que sí
10.- Y así te ví volver
11.- Un hombre en la ciudad

El disco empieza con una versión de un tema del "punta paloma" de Kiko Veneno. Sigue el que da título al cd "no cambies por nada" en que rapea el propio Kiko con su peculiar manera de cantar. En seguida llega una canción de amor sublime que no me canso de oir; se trata de "donde tu amor me lleva". Una melodía redonda, rotunda, una delicia de voz, una letra que es una poesía como un pino de grande. El sexto tema es por derecho un clásico del cancionero hilariano a pesar de su relativa juventud: "clave secreta". Dice la letra entre otras, cosas como estas:

"La vida es el tiempo
que fluye en mis venas,
libertad y condena,
la vida es amor."

Un tema en el que se preguntaba por lo que somos cada uno de nosotros, especialmente para nosotros mismos, ahí es nada. Una canción profunda y vertiginosa como una ignota sima abisal. Una joya... Tras otras propuestas, en verdad alegres y esperanzadoras, reflejo del estado de ánimo de Hilario, cierra el album una delicada adaptación de un fado del gran fadista portugués Carlos do Carmo. La sencillez del arreglo colabora a que la canción -cantada con la impecabilidad marca de la casa- componga una despedida de una majestuosidad sin límite.

Para mi este cd es muy especial. Es un disco que me sube la adrenalina vital y renueva mis energías cotidianas. Es un cd que me sirve de referencia continua dada la maestría con que está realizado. Pero, sobre todo, es un disco al que guardo un cariño inmenso por cuanto que lo tengo dedicado por el propio Hilario. Porque, y parece que fue ayer, estuvo en sus manos durante los breves momentos en que trazaba la dedicatoria y su firma. No olvidaré nunca ese día, cuando le conocí, cuando vino a ayudarnos, a apoyarnos -a un grupo de jóvenes cantautores- de forma totalmente desinteresada y con la generosidad de que siempre hizo gala. Gracias maestro. Gracias otra vez, estés donde estés.

abuineitor

Gato Pérez-Sus primeros años en discos EMI

2007-04-20T09:22:00.000-07:00

LAS GARRAS DEL GATO

La última vez que estuve con Gato Pérez fue cenando en un restaurante de Las Ramblas, abajo a la izquierda, famoso por su envidiable cocina. Al salir del local con Antonio Resines (el cantautor, no el actor, que habrá que aclararlo muchas veces) e intentar entrar en el coche que teníamos aparcado allí cerca, se nos acercaron dos muchachas, casi adolescentes, que intentaron convencernos de mantener con ellas comercial carnal por un módico estipendio. Las rechazamos, insistieron, y cómo yo era el que no conducía y quedaba por la parte de la acera, conmigo se cebaron metiéndome mano repetidas veces. Al final nos fuimos de allí, orgullosos de nuestra virtud y resistencia al pecado. Cual no sería mi sorpresa al día siguiente, al ir a pagar en el hotel, cuando comprobé que las dos mujeres me había birlado todos los billetes que llevaba en la cartera, que, sin embargo, no habían sacado de mi bolsillo. Ni que decir tiene que Resines se partió el pecho de risa.

Traigo aquí esta anécdota no para alabar las sin duda loables condiciones profesionales de las dos prostitutas, artistas del choriceo fino, tan preferible al robo a punta de navaja o al atraco a lo grande de los especuladores inmobiliarios, sino porque Gato Pérez fue un maestro en el arte de retratar en canciones ese mundo de la Barcelona suburbial y marginal al que pertenecían mis diestras ladronas.

Esta mal plagiar, aunque sea a uno mismo, pero es que no encuentro palabras más adecuadas para explicar esta condición de retratista urbano de Gato Pérez que las que escribí algo así como en 1984 en la revista “Música Popular”: “La rumba, y la muy particular maneta que tiene Gato Pérez de entenderla, y desarrollarla es algo más que un descubrimiento musical, es un elemento crucial en el entendimiento de su obra y hasta cierto punto una elección no sólo estética, sino también ética. Es la música de un sector social muy determinado, que queda perfectamente definido en sus canciones y alrededor del cual se estructura su alternativa artística y me atrevería decir que hasta vital. Es la representación de la Cataluña (el mundo) que ama Gato Pérez: la de los gitanos de los barrios marginales, la de los pageses, trabajadores noctámbulos, camioneros, travestis, rumberas, prostitutas, gente de la farándula, bares de mala nota, descargadores de muelle, taxistas, pequeños maleantes, que forman un microcosmos humano que lucha, como él mismo, por integrarse en una sociedad muchas veces clasista y hostil. Es la música de los siete barrios y del barrio chino, y él la plantea como una forma de tirar hacia delante con la vida, pisando el terreno de lo cotidiano, el del arte de todos los días”.

Aparte de un retratista preciso e inspirado del mundo que le rodeaba (de aquellas partes del mundo que él escogía para identificarse en ellas), Gato Pérez es probablemente uno de los mejores contadores de historias de la historia de la música popular, un férreo constructor de canciones, en textos y músicas, capaz de aunar estilos y formas estéticas diferentes para dar a luz un estilo personalísimo y único, el distintivo de los grandes artistas. Además, y escribiendo de esto podríamos desgastar por completo las teclas del ordenador, es, también probablemente, el cantautor que más y mejor ha reflexionado sobre su oficio y sobre su propio trabajo (“Gitanitos y morenos”, “Sabor de barrio”, “Orquesta de plata y oro”, etc…).

El 18 de octubre de 1990 un infarto mató a Gato en Caldes de Montbui. Aún no había pasado 40 años desde que nació en Bueno Aires el 11 de abril de 1951. Había llegado a Barcelona con 16 años y pronto se metió en el mundo de la música. Fue jefe de promoción de la discográfica catalana Edigsa, toco el bajo con La Trinca y montó varios conjuntos, comenzando a tener cierta resonancia con Slo-Blo, en el que, en compañía de su inseparable Rafael Zarita Zaragoza, hacía un country-rock de buen pulso. Grabó después dos discos formando parte de Secta Sónica, uno de los más interesantes grupos de lo que se llamo música laietana. Luego le dio tiempo a editar nueve discos en solitario.

En la antología que he escogido para poner música del Gato a este comentario (por lo demás el único CD suyo que he encontrado a la venta en unos grandes almacenes, lo que me apena y cabrea) se reúnen temas de tres discos que grabó en EMI: “Atalaya” (1981), “Prohibido maltratar a los gatos” (1982) y “Flaires de Barcelunya” (1982).

Aunque faltan canciones que a uno le gustaría que estuvieran, no sobra ninguna. Algunas de ellas (“Gitanitos y Morenos”, que es mucho más que un tema de baile que han adoptado todas las orquestas de España, “Ebrios de soledad”, un dolorido homenaje a la amistad, “Se fuerza la máquina”, premonitoria denuncia de la dura vida del músico, “Granito de Sal”, canto a una rumbera comparable al “Malena” de Homero Manzi y Lucio Demaré, o “La rumba de aquí”, estremecedor testimonio vital) rozan la obra maestra. El resto van de las excelentes a las buenas.

CD 1

1.- Gitanitos y morenos (Xavier P. Pérez/Francisco Gijón)
2.- El chocolate de Marcelino
3.- Mi perro
4.- La diputada
5.- Ebrios de soledad.
6.- Rumba Twist
7.- Tiene tumbao
8.- Orquesta de plata y oro
9.- Garrotín del Tránsito
10.- Se fuerza la máquina
11.- Atalaya
12.- Santa María (Popular de Puerto Rico)
13.- Granito de sal
14.- La rumba de aquí
15.- Vuelve el virus
16.- Encuentro cercano

CD 2

1.- Vino del sol
2.- Todo sexo femenino
3.- Quisiera ser poeta, quisiera ser cometa
4.- Tic-tac
5.- La luna en el mar
6.- Los favoritos
7.- Sin ser valiente
8.- Els morenus d’en Martínez
9.- L’hereu de Can Bruguera
10.- La dama d l’ovni
11.- Mariner de Rivera
12.- Tanguillu canicular
13.- Rumba Laietana
14.- Al carrer de la cera
15.- Senyor Botiguer (Jaume Sisa)
16.- Passejant pel Vallés
17.- BCN, BCN

La reedición, que cuenta con un buen folleto y con un texto de Antonio Subirana, aunque sin letras, la realizó Rama Lama Music (2002).

Antonio Gómez

Pedro Guerra-Bolsillos

2007-04-20T09:07:00.000-07:00

La industria discográfica pone a veces uno de sus mayores acentos en crear artistas cliché, con actitudes cliché y que conecten con los gustos e incluso con la forma de pensamiento globalizado de la mayoría.

Muy listos no nos deben de considerar estos ejecutivos agresivos (o muy mal estamos haciendo nosotros el papel de consumidores de discos, pirateados o no), cuando la gran mayoría de las músicas con letra que escuchamos por la radio hablan de AMOR. Y no de amor universal, ni a la tierra, ni a nuestro amigo o hermano, sino sencillamente del tan traído amor de parejitas, del “sintinopuedovivir”, del “memueroportushuesosmorena”, del “besamecomomebesasteaquellanoche”; y además de la manera menos original posible.

Supongo que más de un productor considerará que la música sirve para poco más que para bailar o relajarnos después del duro batallar diario o en el mejor de los casos para mejor coger el sueño de las nocturnas horas.

¿No les parece contradictorio? Me explico y pongo un ejemplo con todos mis respetos a Bisbal, al que le deseo larga vida: “bulería bulería, corazón del alma mía!”...pero qué coño es eso? Qué tiene que ver la bulería con el corazón del alma mía? Qué alguien me lo explique! Acaso tiene más sentido hacernos cantar cosas incongruentes o cuando menos políticamente correctas? Acaso no nos representa más hablar de las hipotecas, de nuestra historia, de nuestro sentido del humor y, ¿por qué no? de la inmigración, de la desinformación, del conformismo político de las nuevas generaciones (me incluyo....)??

En medio de todo esta vorágine musical salió hace ya algún tiempo “Bolsillos”, uno de los más interesantes discos de Pedro Guerra. Si pensaban que este artista era sólo ese dulce canario que cantaba tiernamente al amor de maridos de peluqueras...agárrense: Pedro Guerra toma posiciones en este disco en el cual de las 14 canciones 10 son de clara denuncia social: el consumismo, la juventud aletargada de pensamiento crítico, las gustos globalizados, los crímenes de nuestra reciente historia política...

Olé por Pedro: ejemplo donde los haya para la nueva generación de cantautores.

Ah, por cierto! Creo que el single promocional de “Bolsillos” fue precisamente una de las 4 canciones políticamente correctas: “Menguante”. Cosas del mundillo del “artisteo” y de los mass media...supongo.

1.- El circo de la realidad
2.- Canciones
3.- Tendencias
4.- Dios
5.- El hombre blanco
6.- Bolsillos
7.- Topo
8.- Si tu quisieras
9.- Mapa de carreteras
10.- Huesos
11.- Menguante
12.- Maquila
13.- Life vest under your seat
14.- Síndrome de Altamira

Javier Maroto

Chema Lara-Queda tiempo de sobra

2007-04-19T08:30:00.000-07:00

Tal día como hoy, 19 de abril de 2005, salía grabado mezclado y masterizado de los estudios Ritmshot de Pozuelo el primer disco de Chema Lara: Queda tiempo de sobra.

"Tú hazlo: existirá". Abro "Queda tiempo de sobra", el primer disco en solitario del amigo Chema Lara y me lapida esta contundente frase que invita a trazar mis primeros pasos en autaria, esta ciudad imaginaria que bulle entre el ayer y el hoy de la música de autor. A veces necesitamos sentencias como ésta para despertarnos, para dar un paso hacia delante, y es muy posible que Lara, sevillano de nacimiento y serrano por derecho, adoptase esta frase para cerrar definitivamente su etapa en el grupo "Perversa" y aventurarse en la creación de su primera obra. Seguro que alguien le animó en un momento dado y le dijo "Si lo haces existirá".

No sé si Chema encaja con la definición de "cantautor" al uso. Suena a funky, rock, jazz... suena también acústico, pero hoy en día... ¿a quién llamamos cantautor? Lo que tengo claro es que este músico de vocación y periodista de carrera, es autor de doce deliciosas canciones que con calma se dejan descubrir y nos revelan un gran talento compositivo y una veteranía musical que no es propia de un debutante.
Más allá de palabras bonitas que acumuladas y sin argumentos sonarían a retórica barata, su música encoje el corazón y sus letras emocionan. Sin olvidarme de ese aderezo tan especial que creo reconocer como marca de la casa Lara, y que consiguen moverte los pies debajo de la mesa como en "Algo de Sal", "Guirigay" o "Comerse la rabia". Si hay en mí algo de ciclotímica es posible que lo despierte discos como "Queda tiempo de sobra", donde se pasa de la emoción contenida de "Si te vas" al subidón de "va amaneciendo ya" o "despertar de nubes". Canciones que cada uno de nosotros podemos adoptar como nuestras, cuidarlas y dejarlas crecer para que otros también las disfruten.

Junto a Chema su amigo Garret Wall, que vierte su talento en "Va amaneciendo ya" y "Elisabeth".

qdtds

01. Algo de Sal
02. Instinto
03. va amaneciendo ya
04.Tutiturú
05. Despertar de nubes
06. Si te vas
07. Guirigai
08. Elisabeth
09. Futuros de espuma
10. Destruyendo esperanzas
11. Comerse la rabia

Y un tema fantasma, que si esperas unos segundos te ofrecerá el tema que da nombre al disco:

12. Queda tiempo de sobra

Lara pertenece a estas nuevas generaciones de músicos que se ven obligados a ser "Juan Palomo" y producir incluso su propio disco. Amante de las nuevas tecnologías, aprovecha lo que éstas le brindan (y actualmente priva el momento musical que vive la industria) para promocionar su música, su disco, sus canciones. Así descubrimos su página web y su blog, e incluso su propio espacio en Myspace, donde escucharemos temas del disco que nos ocupa.

Pero si realmente alguien tiene interés en conocer el sonido Lara, le invito a que le busque en directo con su banda. La próxima cita será el 11 de mayo de 2007, a las 22h. en el Café Babel de San Lorenzo de El Escorial (Madrid).

Beatriz P.Otín

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzman-Señora Azul

2007-04-18T12:07:00.000-07:00

Si se me permite, es éste un disco de culto. En gran parte esto es debido a la discontinuidad guadianesca de CRAG como grupo, que, cual ave fénix, acostumbra a resucitar cada diez años o así. Eso sí, solamente en parte, porque la razón de fondo reside en que este grupo nunca ha disfrutado de un éxito mayoritario, aunque, a cambio, constituye uno de esos pocos conjuntos idolatrados por sus seguidores y que, además -misteriosamente- logran en un tris que nuevas generaciones de admiradores les busquen un lugar privilegiado en su corazón. Y yo soy uno de esos.

A casi nadie se le escapa que estos cuatro grandes músicos tomaron como modelo a Crosby, Stills & Nash (& Young). Y tanto es así, que hasta parecen haberse dejado influir en su estética (¿no se parecen los bigotes y patillas de Cánovas a los de Crosby?). Como los anglosajones, los cuatro eran músicos experimentados y muy solventes. Así, Cánovas había tocado la batería con los progresivos Módulos, un grupo buenísimo por cierto; Adolfo, había sido guitarrista y vocalista de Los Iberos; Rodrigo provenía de los míticos Pekenikes; Guzman (junto a Rodrigo) acababa de dejar Solera... Vamos que sabían perfectamente lo que se hacían cuando en 1974 sacan este "señora azul" con la entonces pujante discográfica Hispavox. Sin embargo, como ya he dicho arriba, no obtuvieron un gran éxito (era la época del "Eva María" y de "un rayo de sol") aunque sí unas muy buenas críticas, quizás porque se adelantaron a su época con una propuesta distinta y sobre todo muy inteligente. Por eso, pese a la buena acogida de la crítica, según he leído, acabaron reciclándose como músicos de la banda de Karina.

Estos son los títulos de las canciones:

1.- carrusel
2.- sólo pienso en ti
3.- el río
4.- don Samuel Jazmín
5.- si pudieras ver
6.- nuestro problema
7.- buscando una solución
8.- supremo director
9.- María y Amaranta
10.- el vividor
11.- señora azul

Me gustan mucho las más conocidas: "sólo pienso en ti", una preciosa balada folk cantada y escrita por Rodrigo, o "señora azul" esa canción de la que siempre se ha dicho que era una crítica a la censura franquista, teoría que los miembros de CRAG siempre han tenido que desmentir, porque se trata de una simple crítica a los críticos -valga la redundancia- prepotentes, pero que también es una gran canción -sin más- dónde se destapa, por ejemplo, Cánovas (el batería) con una voz negroide increíble al final de la canción. También hay sitio en este lp para hacer crítica social o mejor, costumbrista, en temas como "don Samuel Jazmín" o "si pudieras ver" o "el vividor". Y luego está ese dulce atrevimiento, dada la época, de "María y Amaranta" sobre una historia de amores lésbicos.

Cuando se habla de este disco a menudo se alaban las canciones, como yo acabo de hacer, pero también es costumbre obviar el trabajo del muy popular entonces Rafael Trabucchelli, productor y director musical del proyecto. Los arreglos y la producción son excelentes y muy variados. Desde el saltarín sintetizador del primer tema, o el elegante arreglo de cuerdas de "sólo pienso en ti", pasando por xilófonos, pianos, guitarras slide o los triunfales vientos de "señora azul" la paleta sonora resulta variada y muy bien traída, según yo lo veo. Trabucchelli fue un productor fundamental en la música de nuestro país -responsabilidad suya fue el éxito del "himno a la alegría" que cantó Miguel Ríos- especialmente en la década de 1965-1975, fraguando en los estudios de la compañía Hispavox en Madrid, lo que se dió en llamar el "sonido Torrelaguna" (por la calle en que estaban situados, cerquita de casa de mis padres por cierto, yo siempre miraba el edificio de Hispavox con una mezcla de miedo y respeto total) o "sonido Trabucchelli", para lo cual se ayudó de músicos de la talla de Waldo de los Ríos.

Para acabar, me gustaría cerrar este capítulo musical con una referencia a lo que en mi opinión es posiblemente lo mejor del disco. A saber, el gran talento y el buen gusto demostrado a lo largo de toda la grabación por Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán en los arreglos vocales y por supuesto en la interpretación de los mismos. "don Samuel Jazmín" o "señora azul" sirven de ilustración a lo que digo. Qué pena que cosas así ya no se hagan en este país.

abuineitor

Javier Batanero-Tentaciones de metro

2007-04-16T09:30:00.000-07:00

Cuando me enteré que Javier Batanero había publicado su primer disco, salí raudo y veloz a comprarlo. Le había conocido hacía algo más de un año, tocando en el ya por aquel entonces célebre Rincón del Arte Nuevo de Madrid y me había parecido un excelente cantautor. Además, por si fuera poco, muchas de sus canciones poseían un toque irónico, un aire satírico muy interesante, recuerdo entre otras aquella canción en la que nos iba explicando cómo hacer una tortilla de patata o aquella otra dedicada a “San Canuto”.

Posteriormente me lo encontré en distintos sitios, en conciertos en los que no le esperaba, como aquel que le invitó a cantar Luis Pastor. Fue en 1985 cuando ganó el Primer Certamen de Canción de Autor convocado por el Instituto de la Juventud, cuando grabó este disco del cual hablamos, ya que el disco fue el premio por ganar aquel concurso.

No sabría deciros si fue un acierto o un desacierto que Batanero contase con Javier López de Guereña para la dirección musical del disco, ya que por un lado, consiguió que no se pareciera a lo que había sido Javier Batanero hasta ese momento, pero por otro lado, volviendo a escuchar el disco hoy, tras más de dos décadas, nos deja un poso exquisito entre los labios, una frescura (muy posiblemente no intencionada) que se agradece una barbaridad.

El disco cuenta con excelentes colaboraciones, como Antonio García de Diego, Gabriel Castellanos y el propio López de Guereña a las guitarras, Reverendo a los teclados y al piano, Andreas Pritwitz al saxo, Antonio Calero a la batería, José Nodar al bajo y Jimmi Ríos a las percusiones. Cuenta con el apoyo de Joaquín Sabina y de su grupo, los Viceversa, que tocan con él cuando gana el concurso, aunque luego no participaron en la grabación del disco. Luis Pastor también aparece en el disco haciendo algunos coros.

En este disco podréis encontrar a un Batanero casi más serio de lo que es habitual en él, pero con unas de excelentes composiciones, yo personalmente me quedo con tres canciones (aunque todas son buenas), “Abajo”, “Artesana” y “Me pierdo”.
En resumen, una joya de disco, de esas que dan valor a tu discoteca personal. Hace tiempo que decidí pasarlo a MP3 (tan sólo está publicado en vinilo) antes que se rayase más.

Temas:

1- Niña, ¿dónde estás?
2- Abajo
3- Artesana
4- No quiero competir
5- La herida
6- Me pierdo
7- Verano no
8- Pon color
9- Buenos días

Poco más me queda por decir, tan sólo que Javier es el autor de todas las canciones. Al poco tiempo de que saliera este disco a la calle y antes de grabar su segundo disco en solitario, participó en el disco “Hotel, dulce hotel” de Joaquín Sabina, con la música de dos de las canciones, “Pacto entre caballeros” y “Cuernos”.

Francisco Espinosa